За практикой трансцендирования Джоан Снайдер
Джоан Снайдер достигла того, чего добиваются немногие художники: она стала иконой. Обычно, чтобы считаться иконой, художник должен сосредоточиться на одном стиле, одной технике или одном фирменном методе. Джексон Поллок — икона благодаря своим картинам с брызгами; Джорджия О’Киф — икона благодаря своим цветочным картинам; Марк Ротко — икона благодаря своим картинам Цветного поля; Ив Кляйн — икона благодаря своему фирменному использованию "IKB Blue". Этот список можно продолжать бесконечно. Однако то, что делает Снайдер идеальной иконой нашего времени, заключается в том, что она не известна ни за что конкретное. Она старалась не создавать ни один определенный тип работы и не использовать ни один определенный метод или технику. С тех пор как она впервые получила признание за свою работу в конце 1960-х годов, она постоянно развивает свою практику. Каждая картина, которую она создает, имеет свою собственную логику, определяемую прошлым только в той мере, в какой оно на нее влияет. Снайдер обладает поразительно симпатичной интуицией, которая в некоторых кругах может восприниматься как мудрость или просветление, но на самом деле больше похожа на смирение. Она принимает то, что было, принимает его влияние на то, что есть, и не притворяется, что знает, что будет. Это отношение сохраняет ее осторожно оптимистичной, несмотря на страдания, которые она пережила, и делает ее картины бесконечно свежими. Зрители никогда не смогут предсказать, что Снайдер сделает дальше в своей студии, потому что она сама на самом деле не знает. Хотя она планирует, делает эскизы и яростно записывает идеи, она говорит, что ее картины на самом деле больше похожи на джаз — "они просто происходят". Снайдер превосходит любые попытки охарактеризовать ее работу, отказываясь ограничивать ее. Она остается открытой, честной и свободной. В отличие от большинства других икон искусства, которые попадают в ловушку какой-то принятой истины, навязанной им историей или рынком, Снайдер является иконой художника, который знает, что ей нужно быть верной только себе.
Первый максималист
Если есть одно слово, с которым Снайдер могла бы рискнуть быть охарактеризованной, это было бы слово "максималист". Родившись в 1940 году, она получила степень магистра изобразительных искусств в 1966 году в Университете Ратгерса, в паре миль от того места, где она выросла в Хайленд-Парке, штат Нью-Джерси. В то время арт-мир flirtовал с небольшим числом отличительных движений: поп-арт, оп-арт, вторая волна абстрактного экспрессионизма, концептуальное искусство, перформанс. Но без сомнения, самой доминирующей emerging тенденцией был минимализм. Художники, такие как Дональд Джадд, Сол Левитт и Фрэнк Стелла, поражали глаза и умы любителей искусства своими упрощенными, бесчувственными композициями. Для многих зрителей, кураторов и дилеров их работа казалась идеальным противоядием к двум десятилетиям эмоционально насыщенных работ художников, стремящихся выразить каждое из своих глубочайших подсознательных чувств.
Джоан Снайдер - Можем ли мы превратить нашу ярость в поэзию, 1985. Цветная литография на бумаге Rives BFK. 30 1/4 × 44 1/4 дюйма; 76.8 × 112.4 см. Издание Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, Нью-Йорк. © Джоан Снайдер
Снайдер увидела этих минималистов и оценила структуру и уверенность их работ. Но она также поняла, что их работы не имели к ней никакого отношения. В этом отношении она не считала, что какие-либо из других движений имеют к ней какое-либо отношение. Она воспринимала все эти художественные движения как эволюцию из патриархального арт-рынка и искаженного, неполного, сосредоточенного на мужчинах взгляда на историю искусства. Она не знала точно, какие картины она хочет создавать, но знала, что, что бы она ни нарисовала, это будет истинно для нее. Первые картины, которые она создала после школы, были живописными исследованиями языка сетки. Затем появилась серия так называемых "Stroke" картин, которые отображали визуальный язык мазков кисти. Обе были попытками создать личный синтаксис, с помощью которого она могла бы передавать многослойные, сложные личные нарративы. Тем временем, единственное, на чем она сосредоточилась больше всего, это было добавление все большего и большего в работу, пока она не скажет то, что она хотела, чтобы она сказала. Она говорит: "Моя вся идея заключалась в том, чтобы в картине было больше, а не меньше." Ее подход был назван "Максимализмом."
Джоан Снайдер - Осенний Песня, 2002. Масло и смешанная техника на холсте. 50 × 96 дюймов; 127 × 243,8 см. Галерея Александра, Нью-Йорк. © Джоан Снайдер
Наследие борьбы
Снайдер иногда сравнивает свои работы с симфониями. Без сомнения, смесь импасто слоев, детрита, капель и глобулярных форм в картинах, таких как "Amor Matris" (2015) или "Symphony VII" (2014), может восприниматься как визуальная музыка, ожидающая перевода мучительным инструментом наших душ. Тем не менее, эти картины также имеют что-то общее с эпической литературой. Наративы разворачиваются, продвигаясь вперед под воздействием интенсивной тьмы и света цветов и тонов. Сырые, первобытные формы заявляют о себе с характером и гордостью; их борьба стать чем-то большим представляет собой серьезный вызов для наших глаз и умов. Слова, которые Снайдер вводит в картины, такие как "Powdered Pearls" (2017) — иногда написав их, а иногда выцарапывая в материале — направляют наши мысли и наше настроение. В конце концов, однако, песни, которые мы слышим, или истории, которые мы читаем в этих картинах, имеют больше общего с нашим собственным внутренним нарративом, чем с тем, что побудило Снайдер провести кистью по поверхности.
Джоан Снайдер - Пудровые жемчужины, 2017. Смешанная техника. Масло, акрил, ткань, цветной карандаш, пастель, бисер и блестки на холсте. 137,0 × 91,5 см. 53,9 × 36,0 дюймов. Галерея Франклина Параша. © Джоан Снайдер
Как бы мы ни смотрели на картины, которые создает Снайдер, одно неоспоримое общее у них есть — это их наследие борьбы. Снайдер боролась с собой, чтобы привести их в существование — факт, подтверждающий их огромная визуальная сложность и материальная глубина. И все же они не являются свидетельством той борьбы, которую мы предпочли бы избегать. Вместо этого они являются свидетельством почти радостной борьбы. Они сияют тем юношеским гордостью, которую мы носим с собой в любом возрасте, когда преодолеваем наш естественный человеческий страх. Как будто в своем бродячем повествовании они пытаются предложить нам труднообъяснимые, но неоспоримые решения проблем, о которых мы всегда знали, что у нас есть, но благодаря Снайдер и ее усилиям быть верной себе, мы теперь знаем, что у нас есть общее.
Изображение: Джоан Снайдер - Маленький морской пейзаж, 2011. Масло и акрил на льне. 18 × 24 дюйма; 45,7 × 61 см. Галерея Александра, Нью-Йорк. © Джоан Снайдер
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio
