Знаменитые абстрактные картины, которые изменили наше восприятие искусства

«Какие образы мы можем иметь, можно сказать, зависит от того, кто их воображает.» — Джон Хосперс, из Введение в философский анализ

Мы полагаемся на провидцев, чтобы они открывали скрытые двери, чтобы мы могли увидеть части мира и части самих себя, которые иначе могли бы остаться скрытыми. Видение — это особенность абстрактных художников, и за последние более чем 100 лет многие знаменитые абстрактные картины расширили взгляд человечества. Провидцы, создавшие эти образы, не только подарили нам, зрителям, дар новых вещей для восприятия; они предложили нам совершенно новые способы видения.

Знаменитые абстрактные картины: 1910-е – 1920-е

Следует признать, что некоторые из наших выборов в этой статье могут вызвать споры, поскольку у каждого любителя абстрактного искусства свои вкусы. Но большинство, вероятно, согласится с нашим первым выбором абстрактных картин, которые изменили наше восприятие искусства. «Без названия (Первая абстрактная акварель)» Василия Кандинского, написанная в 1910 году, считается историками искусства первой чисто абстрактной картиной. Смелое изображение ярко окрашенных пятен, мазков и линий отказывается от всяких визуальных ссылок на объективную реальность. Эта картина освободила художников от оков сюжета и пригласила зрителей вступить в совершенно новый диалог с понятием того, чем может быть образ.

Василий Кандинский — Без названия (Первая абстрактная акварель), 1910. Акварель, индийские чернила и карандаш на бумаге. 19,5 × 25,5. Центр Жоржа Помпиду, Париж

Одиннадцать лет спустя, в 1921 году, Пит Мондриан написал свою знаковую работу Tableau I. После периода экспериментов с новым стилем Tableau I закрепил то, что стало определяющим стилем Мондриана. Жёсткие чёрные линии и разделённые цветовые поля открывали зрителям взгляд на очищенную геометрию и математическую точность. Чистые линии и точность работы не отсылали ни к чему, кроме формы, цвета и линии. Эта работа положила начало стилю, который повлиял на поколения живописцев, скульпторов, архитекторов и дизайнеров и продолжает вдохновлять творческих мыслителей и сегодня.

Пит Мондриан — Tableau I, 1921. Масло на холсте. 96,5 см × 60,5 см. Музей Людвига, Кёльн, Германия

В 1925 году Жоан Миро разрушил границы между абстракцией и сюрреализмом своей картиной La mancha roja (Красное пятно). Миро не считал себя абстракционистом. Он говорил, что возвращался домой в своё крошечное жилище голодным и уставшим и рисовал образы, которые видел в голове. La mancha roja (Красное пятно) балансирует на тонкой грани между антропоморфной фигурой, сновидческими тотемами и чистой абстракцией. В образе таится нечто детское, но в то же время ужасное. С этим циклом работ Миро распахнул дверь в скрытую иконографию наших кошмаров и снов.

Жоан Миро — La mancha roja (Красное пятно), 1925. Масло и пастель на холсте. 146 × 114 см. Коллекция Национального музея Центра искусств королевы Софии. © Фонд Жоана Миро, Барселона

Знаменитые абстрактные картины: 1930-е – 1940-е

Когда западный мир погрузился во вторую мировую депрессию, голод и войну в XX веке, абстракция прочно утвердилась как важная сила в мире искусства. Художники, работающие в этом стиле, использовали множество разнообразных методов, каждый вносил вклад в растущие усилия установить связь с чем-то чистым, истинным и свободным в человеческом духе. В Великобритании художник Бен Николсон расширил свои абстрактные работы в цикл, который он называл белыми рельефными картинами. Одна из его ключевых ранних работ, 1935 (белый рельеф), открыла новые визуальные горизонты, утвердив Николсона как одного из важнейших голосов английской абстракции. Николсон был другом и находился под влиянием Пита Мондриана. Белые рельефные работы развивали использование Мондрианом чётких линий и геометрического пространства, вводя многослойность и монохромную палитру. Первые белые рельефные картины Николсона были созданы в 1933 году, а к моменту создания 1935 (белый рельеф) он сформировал стиль, сочетающий элементы абстракции, конструктивизма, конкретного искусства, и который предвосхищал зарождение минимализма и постживописной абстракции.

На другом конце спектра в 1930-х и 1940-х годах находились абстрактные экспрессионисты, также известные как Нью-Йоркская школа. Полностью отвергая рациональную геометрию и пространственное упрощение художников вроде Мондриана и Николсона, абстрактные экспрессионисты стремились выразить первобытные эмоции в своих работах. Ни один абстрактный экспрессионист не был так влиятелен и успешен в воплощении этого стиля, как Джексон Поллок.

Известный алкоголик и невротик, Поллок вдохновлялся психоанализом, чтобы заглянуть глубоко в своё подсознание за вдохновением. Его работы опирались на физическую энергетику и бессознательные тотемные образы, создавая яростные портреты современной послевоенной тревоги. Одна из первых капельных картин Поллока, Full Fathom Five, написанная в 1947 году, навсегда изменила абстрактное искусство. Эта работа сочетает его ранний стиль кисти и новаторскую технику капель. В ней использованы монеты, окурки и другие случайные предметы из его мастерской, создавая текстуру и глубину, ранее не встречавшиеся в абстракции. Full Fathom Five стал поворотным моментом в карьере Поллока и навсегда изменил наше отношение к холсту.

Джексон Поллок — Full Fathom Five, 1947. Масло на холсте с гвоздями, кнопками, пуговицами, ключом, монетами, сигаретами, спичками и др. 129,2 × 76,5 дюймов. © 2019 Фонд Поллока-Кразнера / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Знаменитые абстрактные картины: 1950-е

К 1950-м годам абстрактные экспрессионисты прочно завладели воображением мира искусства. Повсюду художники стремились связаться с первобытным «я», бессознательным и скрытыми образами подсознания. Среди этого подъёма возникло движение к спокойствию, частично вызванное растущим интересом многих художников к восточным учениям, таким как даосизм и дзэн-буддизм. Одним из самых значимых направлений этого времени стал стиль абстрактной живописи, известный как живопись цветового поля.

Цель живописи цветового поля, как её обычно понимают, заключалась в исследовании цвета независимо от сюжета, формы, линии и других ограничений создания образа. Художники стремились к медитативному качеству, которое, если удавалось, передавалось зрителям через работу.

Абстрактная художница Хелен Франкенталер была одним из самых значимых голосов движения цветового поля. С картиной Горы и море, написанной в 1952 году, Франкенталер представила миру новую технику живописи, которую она изобрела и назвала «процесс пропитывания». В этом процессе Франкенталер разбавляла краски скипидаром, аккуратно выливала разбавленную краску на не загрунтованный холст, лежащий на полу, позволяя краске полностью впитаться в холст, придавая работе совершенно новую текстуру и вид. Процесс пропитывания создавал возвышенные цветовые поля, принимающие органические, меняющиеся формы, навевающие ощущение спокойствия. Картина Франкенталер Горы и море считается одним из первых успешных произведений движения цветового поля и остаётся одним из самых любимых его образов по сей день.

Хелен Франкенталер — Горы и море, 1952. Масло и уголь на холсте. 220 × 298 см. © 2019 Фонд Хелен Франкенталер / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Возможно, самым известным художником, связанным с художниками цветового поля, является Марк Ротко, который также решительно отвергал любые ярлыки. Ротко работал исключительно с цветом, стремясь открыть духовную плоскость, на которой он и зрители могли бы испытать глубину человеческих чувств. Хотя он полностью сосредоточился на цвете, Ротко считал его лишь средством для установления этой духовной связи. Одной из определяющих ранних работ Ротко была № 2, зелёный, красный и синий, написанная в 1953 году. Эта работа стала иконой будущего творчества Ротко, закрепив его голос как уникально трогательного обитателя миров абстрактного искусства и трансцендентной духовности.

Марк Ротко — № 2, зелёный, красный и синий, 1953. Частная коллекция

Знаменитые абстрактные картины: 1960-е – 1970-е

В 1960-х и 1970-х годах многие художники уже отвергали основные идеи абстракции, возвращаясь к фигуративному искусству и исследуя область концептуального искусства. Тем не менее сила ясности и свободы абстракции всё ещё обещала многое. Одним из самых возвышенных голосов этого периода была американская абстрактная художница Агнес Мартин. Известная своими картинами с линейной сеткой, Мартин остаётся иконой абстрактного искусства.

Картина Агнес Мартин Ночное море, созданная в 1963 году, является одним из ранних примеров её определяющего стиля. В работе почти монохромный синий фон пересекается тщательной сеткой, выполненной золотым листом. Эта работа принимает цвет, одновременно придавая равное значение линии. Она сочетает простоту с передачей огромности, сложности и чувства взаимосвязанной взаимозависимости. Мартин говорила, что линия для неё символизирует невинность. Она надеялась, что чувство невинности передастся зрителям через её работы. Простота её образов и прямота эмоций, которые она хотела передать, сыграли важную роль в преодолении разрыва между абстрактным экспрессионизмом и минимализмом.

Агнес Мартин — Ночное море, 1963. Масло и золотой лист на холсте. 183 × 183 см. © Наследие Агнес Мартин / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

В 1970-х Роберт Мазервелл вновь встряхнул мир абстракции голосом, который казался полной противоположностью притягательности минимализма. Его первобытные, грубые жесты передавали энергию, силу и тревогу одновременно. В них была стойкая сила, и в то же время глубокие эмоции, воплощающие мощь и свободу чистой абстракции.

Определяющая работа Мазервелла была создана в 1971 году и называлась «Элегия Испанской республики № 110». Яростная энергия этой картины охватывает зрителя и кажется вырывающейся с холста. В ней есть поразительная жизненная сила, агрессия, которая переносит эмоции и ярость в пространство. В то время, когда многие художники считали, что абстракция исчерпала себя, Мазервелл вдохнул в стиль мощную новую жизненную силу. Его свежий взгляд и уверенный голос помогли абстракции выжить и продолжают вдохновлять и поддерживать абстрактных художников по сей день.

Роберт Мазервелл — Элегия Испанской республики № 110, 1971. Акрил с графитом и углём на холсте. 208 × 290 см. Музей Соломона Р. Гуггенхайма. Роберт Мазервелл © Фонд Дедалус, лицензировано VAGA при Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк

Изменяя наше восприятие будущего

Современные абстрактные художники обязаны каждому из этих мастеров — как за то, что они искали свободу в своих способах выражения, так и за то, что помогали зрителям открыть разум для новых способов видения. Абстракция продолжает открывать перед нами новые двери, когда мы пытаемся понять бесконечные сложности, которые преподносит нам развивающееся общество. Опираясь на примеры великих абстрактных художников прошлого, художники абстракции сегодня и завтра, надеемся, помогут нам перевести наши современные тревоги и страхи и увидеть дальше ограничений собственных глаз.

Изображение на обложке: Василий Кандинский — Композиция VII, 1913. © Василий Кандинский / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Париж / Эрих Лессинг / Art Resource, Нью-Йорк
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор: Филлип Barcio