Абстрактный характер типографического искусства

Некоторые иллюзии необходимо поддерживать, чтобы цивилизация могла продолжать существовать. Например, современная валюта не имеет внутренней ценности. Мы поддерживаем иллюзию ценности денег, чтобы устроить общество надежным образом. Язык также абстрактен. Звуки и символы означают то, что мы согласны, что они означают. Типографическое искусство — один из способов, которым художники исследуют эти абстракции, присущие нашей культуре. Оно ставит под сомнение наши принятые представления о том, что является значимым, а что — нет, представляя письменный язык вне его обычного контекста, в странных формах или в сочетании с необычными или неожиданными эстетическими элементами. От кубизма до дадаизма, от концептуального искусства до поп-арта и далее, типографическое искусство исследует наше использование письменных символов уже более 100 лет. Оно расширило границы и возможности того, что мы воспринимаем как язык и что считаем возможным с его помощью.

Кубистическое типографическое искусство

Одним из первых примеров модернистского типографического искусства является Пабло Пикассо с его работой Натюрморт с плетёным креслом, созданной в 1912 году. Это знаковое произведение также считается первым коллажем Пикассо, ознаменовавшим начало синтетического кубизма. Картина напоминает поверхность кафе-стола и включает элементы стакана, трубки, газеты и кафе-кресла, среди прочего. Помимо важности для развития кубизма, она также является ключом к пониманию типографической абстракции. На картине изображены три буквы, которые, кажется, образуют слово «JOU», что на французском может означать «игра». Или же JOU может быть частью фразы «Le Journal» — названия самой читаемой газеты Парижа того времени.

Поскольку изображение в Натюрморте с плетёным креслом отсылает к газете, Пикассо вполне мог иметь в виду Le Journal. Но, с другой стороны, текст мог быть игривым намёком на визуальные или концептуальные игры. Ещё одна возможность — что путаница между этими толкованиями была сознательным высказыванием Пикассо о средствах массовой информации и их склонности путать смысл и намерение в своих сообщениях. В любом случае, суть не в том, чтобы определить намерение Пикассо. Суть — признать отсутствие ясности. Вопрос о значении типографических элементов работы указывает на её принадлежность к рождению модернистской типографической абстракции.

Франсис Пикабия - «Дама!» Иллюстрация для обложки журнала Dadaphone № 7, Париж, март 1920 года

Дадаизм и типографика

Сразу после подъёма кубизма появились дадаисты — группа художников, посвятивших себя противостоянию абсурду своей цивилизации. Дадаисты широко использовали коллаж как визуальное средство и включали множество абстрактных типографических элементов в свои работы. Франсис Пикабия был одним из самых известных дадаистов, использовавших типографику. Обученный как мастер реалистичной живописи, поэт и типограф, Пикабия хорошо понимал, что цель письменного языка — общение. Тем не менее, в своих дадаистских работах он создавал странные, абсурдные письменные композиции, которые можно было интерпретировать по-разному или даже принять за бессмыслицу.

Рассмотрим обложку, которую Пикабия создал для дадаистского журнала Dadaphone в 1920 году. Изображение называется «Дама!». Оно включает абстрактное изображение спирали и несколько текстовых фрагментов. Полный перевод текста: «Плоть, которая слишком много пила, — неаполитанская говядина», «руки в каноническом дерьме», «латание её кровати» и «подъёмный мост дамы». Значение слов так же неясно, как и значение спирали. Означает ли изображение винт? Или это что-то игривое, вроде конфетти? Это образ механического прогресса? Послание отчаяния или прогресса? Текст не проясняет смысл, добавляя уровни абстракции, которые достигают противоположного тому, что Пикабия понимал как назначение языка — ясности.

Джаспер Джонс и типографика

В 1950-х художник Джаспер Джонс стал известен благодаря абстрактному использованию культовых культурных символов, часто включая типографические знаки. Джонс заимствовал символические формы, такие как американский флаг и мишень, исследуя их так, чтобы представить как абстрактные формы, а не значимые символы, отделяя их от культурного смысла. Джонс избегал объяснений значения или цели своих работ, указывая, что он намеревался, чтобы они были «завершёнными», то есть интерпретируемыми зрителем.

Джозеф Косут - Один и три стула, 1965, © 2017 Джозеф Косут / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Джонс широко использовал английский алфавит и арабские цифры во многих своих работах. Он применял эти типографические элементы как, казалось бы, бессмысленные объекты для картин, которые больше касались формальных качеств, таких как поверхность, текстура, объёмность и живописность, чем чего-либо представительного. Он также включал слова, например, названия цветов, рисуя их и сопоставляя с разными цветами, запутывая смысл слов. Эти типографические работы ставили под вопрос, является ли типография инструментом общения или просто набором форм, которые можно использовать абстрактно, как геометрические абстракционисты рисовали круги, квадраты, кресты и треугольники.

Энди Уорхол - Банки супа Campbell’s, 1962, синтетическая полимерная краска, 51 × 41 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк, © 2017 Фонд Энди Уорхола / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Концептуальное искусство, поп-арт и типографика

Работы Джонса оказали влияние на Энди Уорхола, который известен тем, что сочетал символические и типографические элементы в своих произведениях. Банки супа Campbell’s, созданные в 1962 году, состояли из 32 отдельных отпечатков, каждый из которых представлял один из 32 видов супов, которые компания Campbell предлагала в то время. Эти работы были плоскими, механически изготовленными и использовали, казалось бы, несущественные сюжеты. Текст не передавал ничего, кроме коммерческого бренда. Через такое абстрактное использование типографических образов Уорхол ставил вопросы о смысле или бессмысленности как потребительской культуры, так и искусства.

Джаспер Джонс также повлиял на концептуальных художников, таких как Джозеф Косут. Косут использовал типографику как одну треть своей знаменитой работы Один и три стула, созданной в 1965 году. В этом произведении Косут представил вместе фотографию стула, настоящий деревянный стул и письменное описание стула. Работа предполагала, что все три элемента представляют не стул, а идею стула. Только один из предметов был функционален как стул. Фотография и типографическое описание были абстракциями.

Guerrilla Girls — Нужно ли женщинам быть обнажёнными, чтобы попасть в Метрополитен-музей? 1989, шелкография на бумаге, 280x710 мм, © Guerrilla Girls

Форма и написанное слово

Современные художники часто используют текст, зачастую намереваясь, чтобы его воспринимали буквально, читали и понимали. Например, Guerrilla Girls — коллектив женщин-художниц, которые используют не абстрактные типографические послания как неотъемлемую часть своего искусства социальной справедливости.

Абстрактное использование типографики в искусстве преследует другую миссию социальной справедливости, без чёткой цели. Через типографическую абстракцию художники ставят под вопрос не отдельный культурный идеал, а само понятие общения. По мере усложнения наших обществ использование типографики зачастую лишь усложняет понимание для большинства, в то время как зрители, научившиеся расшифровывать скрытые послания, делятся секретами на виду. Абстрактное типографическое искусство ставит под сомнение ценность и объективность письменного языка и задаётся вопросом, не теряется ли что-то более важное, что мы могли бы передавать более интуитивными способами.

Изображение на обложке: Пабло Пикассо - Натюрморт с плетёным креслом, 1912, масло и смешанная техника на масляной ткани, 29 × 37 см, Национальный музей Пикассо, Париж, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, Нью-Йорк Фото: Р.Г. Охеда / Picasso, Pablo (1881-1973) © Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор: Филлип Барцио