Почему арт-критик Розалинд Краусс по-прежнему важна для абстракции

Розалинд Краусс считается многими художниками, преподавателями искусства и профессионалами арт-мира самым важным арт-критиком на сегодняшний день. И хотя нельзя отрицать, что через свои писания она распространила некоторые из самых влиятельных арт-теорий последних пятидесяти лет, я не могу понять, почему ее называют этим словом: критик. Согласно моему пониманию того, что она делает, Краусс не критик. Она анти-критик. Она человек, который глубоко размышляет об искусстве и пишет об этом, но не определяет, как остальным следует его ценить. Она арт-писатель. Она защитник искусства. Она защитник искусства. Но критика? Кому она нужна? Художникам, безусловно, не нужна критика. Единственное, что художник должен слышать, это похвала. Критика предназначена для рынка. Это способ поддерживать стандарты вкуса. Но не существует такого понятия, как "хорошее" искусство или "плохое" искусство. Единственное, что арт-критики действительно делают, это начинают споры, портят удовольствие и ограничивают возможности. Они распространяют среди масс субъективные и часто необоснованные оценки. Они влияют на общественное мнение, основываясь на мнениях меньшинства. Но то, чем Краусс занималась всю свою жизнь, на мой взгляд, совершенно противоположно. Она расширила возможности художников. Она бросила вызов статус-кво и на протяжении более пятидесяти лет постоянно увеличивала способ, которым люди чувствуют себя уполномоченными смотреть на искусство, говорить о нем и писать о нем. Что касается меня, Краусс научила меня через свои писания, что самое важное, что я могу сделать в служении произведению искусства, это описать его. Она показала мне, что вдумчивое, точное описание является высшей похвалой, которую я могу дать художнику или произведению искусства, гораздо более высокой, чем переход к фазе суждения: сказать, что что-то "хорошо" или что мне "нравится" что-то. Вкус субъективен. Суждение манипулятивно. Точное описание демонстрирует, что человек уважает работу достаточно, чтобы внимательно на нее посмотреть и честно перевести ее на простой язык, который все могут понять.

Молодая Розалинд Краус

Розалинд Краусс родилась в 1941 году в Вашингтоне, округ Колумбия. Её отец был адвокатом в Министерстве юстиции США. Он часто водил Розалинд в Национальную галерею искусства. Именно там она начала развивать желание и способность интеллектуально говорить о ценности современного искусства. В интервью 2016 года с Диланом Керром для Artspace Краусс вспомнила, что её отец критиковал современное искусство. Но даже будучи молодой женщиной, она чувствовала необходимость защищать эту работу. У неё была идея, что это жизненно важно, и она регулярно отстаивала это перед своим отцом во время экскурсии по музею. “Я приняла определённую милитанцию,” говорит она, “потому что мне нужно было попытаться убедить моего отца в том, что эти современные произведения искусства не фальшивые, что они действительно важны. Это усилило моё желание объяснять.”

Поступив в колледж Уэлсли в 1958 году, она начала то, что стало ее пожизненной научной карьерой, посвященной идее объяснения важности искусства. Она изучала историю искусства и серьезно начала читать, что другие писатели об искусстве говорили о преобладающих тенденциях того времени. Это было захватывающее время для американского искусства. Абстрактный экспрессионизм находился на пике своей силы, а художники, которые были против него или вдохновлялись им, двигали американский художественный ландшафт в множество увлекательных направлений: концептуальное искусство, инсталляционное искусство, земляные работы и ландшафтное искусство, перформанс, искусство света и пространства и минимализм, чтобы назвать лишь несколько. Краусс была проницательной и наблюдательной. Хотя она быстро изучала историю, она также развивала свои собственные идеи о том, что изучала. И в этом процессе она столкнулась с жестокой реальностью того времени: узким взглядом на то, как было приемлемо говорить об искусстве, и небольшим числом влиятельных голосов, которые его определяли.

Розалина Краусс - Оригинальность авангарда и другие модернистские мифы (MIT Press), обложка книги

Берги

Двумя наиболее влиятельными арт-критиками середины 20 века были Гарольд Розенберг и Клемент Гринберг. Клемент Гринберг был ответственен за карьеру некоторых из самых известных художников послевоенного периода. Он наиболее известен тем, что поддерживал белых, мужских абстрактных экспрессионистов, таких как Джексон Поллок и Виллем де Кунинг, и игнорировал женщин и художников цветной кожи. Самый простой способ описать, как Гринберг писал об искусстве, это сказать, что он был формалистом. Он говорил о картинах не в терминах их содержания, их нарратива или их культурного значения. Он говорил о них в терминах цвета, линии, формы, поверхности и специфики материала.

Гарольд Розенберг говорил об искусстве, используя другой язык, чем Клемент Гринберг. Розенберга можно было бы проще всего описать как критика, который сосредоточился на поэтических элементах искусства. Он писал о способности некоторых художников создавать созерцательные произведения и о трансцендентных качествах их искусства. И Гринберг, и Розенберг пользовались большим уважением и продолжают восприниматься всерьез и сегодня. В значительной степени они являются героями, потому что в значительной мере легитимизировали абстракцию в американском сознании. Каждый по-своему, эти два критика научили послевоенных американцев, что абстрактное искусство было больше, глубже и сложнее, чем казалось большинству людей в то время. Они подняли абстракцию на тот же престиж, что и реалистичное искусство, которое заполняло музеи и учебники истории. Но с другой стороны, оба этих критика представляли собой старый способ говорить об искусстве. Они взаимодействовали с ним структурированным образом, укорененным в традициях прошлого. Они судили о нем и делали оценочные суждения на основе повесток, которые вписывались в существующую властную структуру общества, и таким образом ограничивали то, чем искусство могло стать.

Розалинда Краусс - Перпетуум Инвентарий (Октябрьские книги), обложка книги

Постструктуралистское искусствоведческое письмо

После окончания Веллсли, Розалинд Краусс поступила в Гарвард, где получила степень доктора философии в 1969 году. Будучи еще студенткой, она начала писать о искусстве в Artforum. Изначально у нее была склонность к работам Клемента Гринберга. Но со временем она приняла постструктуралистскую точку зрения. В основном, структурализм — это идея о том, что мир можно понять с точки зрения идентифицируемых, описываемых структур, которые, в свою очередь, делают все остальное понятным. История часто рассматривается как структурированная серия событий, которые неизбежно привели к современному миру. Структуралистский арт-критик считает, что каждый элемент произведения искусства можно понять с точки зрения того, как он соотносится с существующей, структурированной системой мышления. И наоборот, постструктурализм по сути ставит под сомнение эту идею.

Постструктуралистское искусствоведенье не является критикой, поскольку оно не предполагает окончательного суждения о произведении искусства. Постструктурализм приглашает к множественным интерпретациям. Он выступает за индивидуальную оценку. Он отвергает авторитет унаследованных структур. Он выступает за обсуждение вещей таким образом, который ставит под сомнение статус-кво. Он признает, что исторические социальные структуры поддерживают способ восприятия и взаимодействия с миром, который соответствует существующим нарративам властных структур. Постструктуралисты верят, что, оспаривая эти способы восприятия и взаимодействия с миром, может возникнуть более разнообразный, справедливый, экспериментальный и интересный мир: мир, который в конечном итоге также будет более истинным.

Розалинд Краусс - Бакалавр, обложка книги

В сети

После десяти лет работы в Artforum, Розалинд Краусс ушла, чтобы совместно с Аннетт Мишельсон основать новый художественный журнал под названием October. Идея October заключалась в том, чтобы продвигать новые способы мышления о искусстве. Журнал был назван в честь месяца, который ознаменовал начало большевистской революции. На страницах October Краусс опубликовала свои самые влиятельные статьи о искусстве. В томе 8 она опубликовала эссе "Скульптура в расширенном поле", которое объясняло значительно расширенную точку зрения на скульптуру. Эссе описывало не конкретный способ определения скульптуры, а скорее начинало разговор о том, как говорить о тенденциях пластического искусства, не прибегая к жесткому определению того, что они собой представляют. Это эссе остается жизненной линией для экспериментальных, многодисциплинарных художников сегодня.

И в девятом томе за октябрь Краусс опубликовала эссе под названием «Сетки», которое сегодня многими считается одним из самых важных эссе 20-го века, объясняющим абстракцию. Эссе исследует историю использования сеток в искусстве и размышляет о различных способах, которыми художники свели свою работу к исследованиям сетки. Что замечательно в этом эссе, на мой взгляд, так это то, что, несмотря на академическую осведомленность и высокую описательность, оно открыто и приходит к немногим выводам. Одно обобщение, к которому приходит Краусс, — это идея о том, что сетки в конечном итоге символичны. Но что именно они символизируют, остается открытым. Краусс приводит множество примеров, открывая множество возможностей, и подкрепляет их образованными примерами. Но в конце концов она описывает гораздо больше, чем судит. И это, на мой взгляд, ее величайшее наследие. Она открывает дверь для того, что может быть следующим, и позволяет будущему искусства развиваться так, как оно хочет.

Розалинд Краусс - Оптическое бессознательное, обложка книги

Изображение: Розалинд Краусс, фото Джуди Олаусен, ок. 1978

От Филлипа Barcio