5 abstrakta konstverk från utställningen 'Soul of a Nation' av afroamerikanska konstnärer

Den monumentala utställningen Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power öppnade denna månad på Brooklyn Museum i New York. Detta är den tredje platsen för denna extraordinära utställning, som först visades på Tate Modern 2017 och sedan reste till Crystal Bridges Museum of American Art i Bentonville, Arkansas. Utställningen visar mer än 150 verk skapade av över 60 konstnärer. Den omfattar ett enormt spektrum av medier – från målning, teckning och skulptur till textilier och klädesplagg – och spänner över många estetiska ståndpunkter – från enkel figurativ konst till Popkonst och ren abstraktion. När utställningen först visades på Tate hade jag förmånen att samtala med Gerald Williams, medgrundare av AFRICOBRA, en inflytelserik svart konstnärsgrupp vars verk är en viktig del av utställningen. Williams hade fascinerande tankar om kuratorernas val att inkludera så många abstrakta verk i utställningen. Han var nyfiken på vad betraktarna skulle säga om hur dessa verk bidrar till samtalet. Många modernistiska abstrakta estetiska ståndpunkter är djupt rotade i historiska transnationella svarta estetiker. Ändå ignorerades svarta abstrakta konstnärer ofta under modernismens glansdagar av vitägda gallerier på grund av öppna eller subtila fördomar, eller stängdes ute från svartägda gallerier eftersom deras verk inte figurativt behandlade svart liv. Det är en stor glädje att se så många abstrakta konstnärer med i Soul of a Nation. När utställningen nu slagit sig till ro i sitt nya tillfälliga hem i Brooklyn, lyfter vi fram fem abstrakta verk att hålla utkik efter om du råkar besöka utställningen, som visas till och med 3 februari 2019.

Wadsworth A. Jarrell, Revolutionary (Angela Davis), 1971

En av de fem grundarna av AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell var avgörande för att forma gruppens filosofi. Den filosofin beskrevs i manifestet från 1969 Ten In Search of a Nation. Enligt manifestet strävade AFRICOBRA efter att skapa verk som uppnådde: ”1. definition – bilder som behandlar det förflutna; 2. identifiering – bilder som relaterar till nuet; och 3. riktning – bilder som blickar in i framtiden.” De viktigaste visuella elementen i deras stil var användningen av text, lysande ”cool-aid”-färger och en blandning av abstrakta mönster och positiva porträtt av svarta människor. ”Revolutionary (Angela Davis)” förmedlar på ett storslaget sätt varje av dessa aspekter. Dessutom väcker det tidiga modernistiska rörelser som futurism och rayonism med sina dynamiska skarpa vinklar, samt postimpressionistiska rörelser som divisionism med sin mobilisering av komplementära former och färgförhållanden.

Wadsworth A. Jarrell (amerikansk, född 1929). Revolutionary (Angela Davis), 1971. Akryl och blandteknik på duk, 64 x 51 tum (162,6 x 129,5 cm). Brooklyn Museum, gåva från R. M. Atwater, Anna Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Joseph Fiebiger, Belle Campbell Harris och Emma L. Hyde, genom byte, Designated Purchase Fund, Mary Smith Dorward Fund, Dick S. Ramsay Fund och Carll H. de Silver Fund, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Foto: Brooklyn Museum)

William T. Williams, Trane, 1969

Soul of a Nation i Brooklyn är något av en hemkomst för William T. Williams. En av de mest framstående och respekterade samtida amerikanska abstrakta målarna, har Williams undervisat i konst vid Brooklyn College sedan 1971 – två år efter att han målade ”Trane.” Denna livfulla, geometriska komposition är uppkallad efter den amerikanske jazzkompositören och musikern John Coltrane. Verkets dynamiska karaktär väcker den livliga, intuitiva och helt fria ljudbild som Coltrane var känd för. Men detta verk relaterar också till en personlig historia som Williams har berättat om. Han kommer från en familj av lapptäckstillverkare. De lapptäcken hans förfäder gjorde dominerades av färgstarka, linjära, geometriska mönster. ”Trane” är delvis en hyllning till familjen, delvis en nick till en musiklegend och delvis ett uttryck för den unika abstrakta vision Williams förmedlar i sitt arbete.

William T. Williams (amerikansk, född 1942). Trane, 1969. Akryl på duk, 108 x 84 tum (274,3 x 213,4 cm).
Studio Museum i Harlem, New York. © William T. Williams. Med tillstånd av Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York

Frank BowIing, Texas Louise, 1971

Även om Frank Bowling föddes i Guyana och har brittiskt medborgarskap, är hans bidrag till amerikansk abstrakt konst djupt. Bowling kom först till New York i mitten av 1960-talet och blev snabbt en av de främsta utövarna av lyrisk abstraktion. De flesta av hans verk befinner sig visuellt någonstans mellan abstrakt expressionism och färgfältmålning. Ibland hemsöks hans bilder av figurativa motiv, som spöklika konturer av kontinenter. ”Texas Louise” är ett monumentalt verk som omsluter betraktaren i sina glödande, texturerade röda nyanser. Det målades samma år som Bowling publicerade artikeln It Is Not Enough to Say Black Is Beautiful i ARTnews. Den artikeln tar upp de komplexa synsätt Bowling och många konstnärer har haft på etiketter som ”svart konst”, ”svarta konstnärer” eller för den delen ”abstrakt konst” och ”abstrakta konstnärer.” Det är väl värt att läsa den essän igen nu, särskilt om du tänker besöka denna utställning och se detta viktiga verk.

Frank BowIing (amerikansk, född 1936). Texas Louise, 1971. Akryl på duk, 111 x 261 3⁄4 tum (282 x 665 cm).
Med tillstånd av Rennie Collection, Vancouver. © Frank Bowling. Bild med tillstånd av konstnären och Hales Gallery.

Norman Lewis, Processional (även kallad Procession), 1965

”Processional (även kallad Procession)” är ett kännetecken för Norman Lewis signaturförmåga att förena abstraktionsmetoder med symboliska eller filosofiska begrepp. Lewis började som figurativ målare. Hans abstraktioner växte ofta fram ur en realistisk utgångspunkt. Denna målning kännetecknas av känslosamma, gestiska, kalligrafiska penseldrag. Titeln och bilden väcker en rad människor som går, vilket kanske antyder en begravning. En viktig fråga för varje figurativ tolkning av verket är om dessa penseldrag ska föreställa människor, är då människorna vita, svarta eller båda? Denna bild kan representera döden för föreställningen att det finns någon skillnad; eller en procession framåt mot en mer upplyst tid.

Norman Lewis (1909-1979), Processional (även kallad Procession), 1965. Olja på duk, 38 3/8 x 57 5/8 tum (97,5 x 146,4 cm).
Privat samling; © Norman W. Lewis dödsbo; Med tillstånd av Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Jack Whitten, Hyllning till Malcolm, 1970

Född på landsbygden i Alabama 1939, brukade Jack Whitten säga att han växte upp i ”amerikansk apartheid.” Hans abstrakta stil var rotad i symbolism. Den tjänade som ett redskap för konstnären att konfrontera sina känslor om kultur, politik och personlig kamp. Whitten gick bort i januari 2018, men hann se sin strama och kraftfulla ”Hyllning till Malcolm” hänga på Tate Modern. När han mindes skapandet i dagarna strax efter att Malcolm X mördats sade Whitten: ”Målningen för Malcolm, det är symbolisk abstraktion. Malcolm X hade en förståelse för den universella aspekten av kampen han var en del av. Det är den omvandlingen till det universella som gav honom mer kraft. Den målningen var tvungen att vara mörk. Den var tvungen att vara dyster. Den var tvungen att vara djup.”

Jack Whitten (1939 - 2018). Hyllning till Malcolm, 1970. Akryl på duk, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 tum (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Med tillstånd av konstnärens dödsbo och Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Foto: Christopher Burke)

Framträdande bild: Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power. Installationsvy på Brooklyn Museum i New York

Av Phillip Barcio