5 abstrakta konstverk från utställningen 'Soul of a Nation' av afroamerikanska konstnärer

Den monumentala utställningen Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power öppnade denna månad på Brooklyn Museum i New York. Detta är den tredje platsen för denna extraordinära utställning, som öppnade på Tate Modern 2017 och sedan reste till Crystal Bridges Museum of American Art i Bentonville, Arkansas. Utställningen innehåller mer än 150 verk skapade av mer än 60 konstnärer. Den täcker ett enormt spektrum av medier – från målning, teckning och skulptur till textilier och kläder – och spänner över många estetiska positioner – från enkel figurativitet till Pop Art till ren abstraktion. När utställningen först debuterade på Tate hade jag privilegiet att sätta mig ner med Gerald Williams, medgrundare av AFRICOBRA, en inflytelserik svart konstnärskollektiv vars arbete är ett stort inslag i utställningen. Williams hade några fascinerande saker att säga om valet som kuratorerna gjorde att inkludera så många abstrakta verk i utställningen. Han var nyfiken på vad besökarna skulle ha att säga om hur dessa verk bidrar till samtalet. Så många modernistiska abstrakta estetiska positioner är djupt rotade i historiska transnationella svarta estetiker. Ändå blev svarta abstrakta konstnärer så ofta under modernismens storhetstid ignorerade av vita drivna gallerier på grund av uppenbara eller subtila fördomar, eller utestängda från svarta drivna gallerier eftersom deras arbete inte figurativt adresserade svart liv. Det är ett enormt nöje att se så många abstrakta konstnärer representerade i Soul of a Nation. När utställningen bosätter sig i sitt nya tillfälliga hem i Brooklyn, lyfter vi fram fem abstrakta verk att se efter om du råkar besöka utställningen, som är öppen till den 3 februari 2019.

Wadsworth A. Jarrell, Revolutionär (Angela Davis), 1971

En av de fem grundarna av AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell, var avgörande för att forma gruppens filosofi. Den filosofin skisserades i manifestet 1969 Ten In Search of a Nation. Enligt manifestet strävade AFRICOBRA efter att skapa verk som uppnådde: “1. definition—bilder som handlar om det förflutna; 2. identifiering—bilder som relaterar till nuet; och 3. riktning—bilder som ser in i framtiden.” De centrala visuella elementen i deras stil var användningen av text, luminescerande "cool-aid" färger, och en blandning av abstrakta mönster och positiva porträtt av svarta människor. “Revolutionary (Angela Davis)” förmedlar spektakulärt var och en av dessa aspekter. Dessutom väcker den tidiga modernistiska rörelser som futurism och rayonism med sina dynamiska skarpa vinklar, och postimpressionistiska rörelser som divisivism med sin mobilisering av komplementära former och färgrelationer.

Wadsworth A. Jarrell (amerikansk, född 1929). Revolutionär (Angela Davis), 1971. Akryl och blandteknik på duk, 64 x 51 tum (162,6 x 129,5 cm). Brooklyn Museum, Gåva av R. M. Atwater, Anna Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Joseph Fiebiger, Belle Campbell Harris och Emma L. Hyde, genom utbyte, Avsedd inköpsfond, Mary Smith Dorward-fond, Dick S. Ramsay-fond och Carll H. de Silver-fond, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Foto: Brooklyn Museum)

William T. Williams, Trane, 1969

Utseendet av Soul of a Nation i Brooklyn är något av en hemkomst för William T. Williams. En av de mest framstående och respekterade samtida amerikanska abstrakta målarna, har Williams undervisat i konst vid Brooklyn College sedan 1971—två år efter att han målade "Trane." Denna livfulla, geometriska komposition är namngiven efter den amerikanska jazzkompositören och musikern John Coltrane. Det dynamiska i verket väcker minnen av det livliga, intuitiva och helt fria ljud som Coltrane var känd för. Men detta verk relaterar också till en personlig historia som Williams har talat om. Han kommer från en familj av quiltare. De quiltar hans förfäder gjorde dominerades av färgglada, linjära, geometriska mönster. "Trane" är delvis en hyllning till familjen, delvis en nick till en musikalisk legend, och delvis ett uttryck för den unika abstrakta vision som Williams förmedlar i sitt arbete.

William T. Williams (amerikansk, född 1942). Trane, 1969. Akryl på duk, 108 x 84 tum (274,3 x 213,4 cm).
The Studio Museum i Harlem, New York. © William T. Williams. Med vänlig hälsning från Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York

Frank Bowling, Texas Louise, 1971

Även om Frank Bowling föddes i Guyana och har brittiskt medborgarskap, är hans bidrag till amerikansk abstrakt konst djupt. Bowling kom först till New York i mitten av 1960-talet och blev snabbt en av de främsta utövarna av lyrisk abstraktion. De flesta av hans verk befinner sig visuellt någonstans mellan Abstract Expressionism och Color Field Painting. Ibland hemsöker figurativ bildspråk, som spöklika konturer av kontinenter, hans bilder. "Texas Louise" är ett monumentalt verk som omsluter betraktaren i sina glödande, texturerade röda nyanser. Det målades samma år som Bowling publicerade artikeln It Is Not Enough to Say Black Is Beautiful i ARTnews. Det stycket tar upp de komplexa åsikter som Bowling, och många konstnärer, har haft om etiketter som "svart konst", "svarta konstnärer" eller för den delen "abstrakt konst" och "abstrakta konstnärer". Det är värt att läsa det essä igen nu, särskilt om du avser att besöka denna utställning och se detta viktiga verk.

Frank BowIing (amerikansk, född 1936). Texas Louise, 1971. Akryl på duk, 111 x 261 3⁄4 tum (282 x 665 cm).
Med vänlig hälsning från Rennie Collection, Vancouver. © Frank Bowling. Bild med vänlig hälsning från konstnären och Hales Gallery.

Norman Lewis, Processional (även känd som Procession), 1965

"Processional (även kallad Procession)" är emblematiskt för den signaturförmåga som Norman Lewis hade att blanda metoderna av abstraktion med symboliska eller filosofiska koncept. Lewis började som figurativ målare. Hans abstraktioner framträdde ofta ur en realistisk utgångspunkt. Denna målning har emotiva, gestural, kalligrafiska penseldrag. Titeln och bilden väcker en känsla av en rad människor som går, vilket kanske antyder idén om en begravning. Integrerad i varje figurativ tolkning av verket är frågan om dessa penseldrag är avsedda att föreslå människor, är människorna vita, svarta eller båda? Denna bild skulle kunna representera döden av uppfattningen att det finns någon skillnad; eller en procession framåt mot en mer upplyst era.

Norman Lewis (1909-1979), Processional (även känd som Procession), 1965. Olja på duk, 38 3/8 x 57 5/8 tum. (97,5 x 146,4 cm).
Privat samling; © Estate of Norman W. Lewis; Med vänlig hälsning från Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Jack Whitten, Hyllning till Malcolm, 1970

Född i landsbygden i Alabama 1939, brukade Jack Whitten säga att han växte upp i "amerikansk apartheid." Hans abstrakta stil var rotad i symbolik. Den fungerade som ett fordon med vilket konstnären kunde konfrontera sina känslor om kultur, politik och personlig kamp. Whitten dog i januari 2018, men inte innan han kunde se sin skarpa och kraftfulla "Hyllning till Malcolm" hänga i Tate Modern. När han minns skapandet av den under dagarna direkt efter att Malcolm X blev mördad, sa Whitten: "Målningen för Malcolm, det är symbolisk abstraktion. Malcolm X hade en förståelse för den universella aspekten av den kamp han var involverad i. Det är den omvandlingen till det universella som gav honom mer makt. Den målningen var tvungen att vara mörk. Den var tvungen att vara dyster. Den var tvungen att vara djup."

Jack Whitten (1939 - 2018). Hyllning till Malcolm, 1970. Akryl på duk, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 tum. (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Tack vare konstnärens egendom och Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Foto: Christopher Burke)

Utvald bild: Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power. Installationsvy på Brooklyn Museum i New York

Av Philip Barcio