Hur Aaron Siskind fann abstraktion på gatorna

Aaron Siskind var en av de mest inflytelserika fotograferna i sin generation. Delvis manifesterades detta inflytande genom de olika lärartjänster Siskind hade vid några av de mest ansedda designskolorna i USA, däribland Black Mountain College, Chicago Institute of Design (även kallad New Bauhaus) och Rhode Island School of Design. Men redan innan han ägnade sig åt undervisning hade Siskind etablerat sig som en pionjär inom den abstrakta fotografins värld. Han tog vid där experimentella fotografer som Paul Strand, Alvin Langdon Coburn och Jaroslav Rössler slutade och omformade föreställningen om vad fotografimediet kunde åstadkomma. Istället för att enbart dokumentera den objektiva världen använde han mediet för att uttrycka det inre jaget och fånga det han kallade ”föremålens drama.”

Verklighetens formalia

Aaron Siskind planerade att leva som författare när han av en slump upptäckte fotografi. Han fick sin första kamera som bröllopspresent 1929, vid 25 års ålder. Trots att han kom sent till mediet blev han genast inspirerad av dess potential att uttrycka känslor. På bara några år gjorde han sig ett namn som en av de främsta dokumentärfotograferna i sin generation. Hans tidiga talanger syns tydligt i en fotobok som han bidrog till, kallad The Harlem Document. Boken skapades av Siskind och flera andra medlemmar i New York Photo League för att förmedla livet för de fattiga stadsborna i Harlem, New York, på 1930-talet.

Det som skiljde Aaron Siskind från hans medarbetare i The Harlem Document var hans instinkt för att komponera en bild. Han tog sig tid att överväga olika perspektiv och sökte en komposition som inte bara fångade livets yttre sken utan också den underliggande känslan och tyngden i den mänskliga erfarenheten. I hans fotografier av människor och byggnader kan man tydligt se hans blick för det uttrycksfulla i spänning och kontrast, chiaroscuro och andra formella estetiska och designmässiga element. Om vikten av att ta sig tid att hitta den perfekta bilden sade Siskind en gång: ”gruppera och omgruppera när du ändrar position. Relationer framträder gradvis och ibland gör de sig slutgiltigt gällande. Och det är din bild.”

Aaron Siskind - Chicago 22, 1949, fotokrediter Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation

Den abstrakta expressionistiska fotografen

I början av 1940-talet ändrade Aaron Siskind gradvis inriktning på sina fotografiska projekt. Istället för att dokumentera människosamhället började han ta närbilder av vardagliga föremål och ytor han fann på gatorna. Hans kompositioner var avsiktligt abstrakta. Genom dem sökte han förmedla inte bara de fysiska egenskaperna hos sina motiv utan också deras förmåga att väcka känslor. 1945 publicerade han en samling av dessa verk kallad The Drama of Objects. Bilderna förde en dialog med arbetet från en grupp målare i New York som året därpå skulle kallas abstrakta expressionister. Många av dem, såsom Willem de Kooning, Mark Rothko och Robert Motherwell, blev vänner med Siskind efter att ha sett denna samling.

I sina abstrakta verk strävade Siskind efter att inkludera samma formella estetiska egenskaper som man kan finna i en abstrakt expressionistisk målning. Trots att de var platta på en fotografisk yta förmedlade han ändå struktur, djup och perspektiv. Trots att märkena inte skapades av hans egna handlingar uttryckte han ändå energi och kraften i fysiska gester. Trots att han inte skapade linjerna, formerna, rytmerna och mönstren i sina bilder uttryckte han ändå lyriken i deras relationer genom att harmoniskt nå fram till den perfekta kompositionen. Och även om hans abstrakta fotografier hade otvivelaktigt innehåll undergrävde han detta innehåll genom att erbjuda nya tolkningar baserade på de känslor bilderna förmedlade.

Aaron Siskind - Rome 62, 1967, fotokrediter Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation

Den nya dokumentären

Fram till sin död 1991 utvidgade Aaron Siskind sitt konstnärskap och grävde ständigt djupare i fotografins potential att kommunicera på en abstrakt nivå. I slutet av 1950-talet skapade han en serie verk han kallade Pleasures and Terrors of Levitation. Serien består av högsnabbsfotografier av skuggiga människogestalter frysta i luften i atletiska poser mot skarpa vita bakgrunder. På 1970-talet påbörjade han en ny serie kallad Homage to Franz Kline. Siskind hade varit vän med den abstrakta expressionistiska målaren Franz Kline från tidigt 1950-tal fram till Klines död 1962, och han hade beundrat kraften i de ikoniska bilder som Kline blev känd för. I Homage to Franz Kline fotograferade Siskind verkliga markeringar som graffiti på ett sätt som fick kompositionerna att spegla de gester Kline gjorde och visa liknande droppar och stänk.

Men istället för att ta något från Kline visar de fotografier Aaron Siskind tog av graffitimärken den verkliga djupet i Klines talang. Graffiti föds ur passion och kräver snabbhet och smidighet. Kline uppnådde samma estetik över tid, på ett medvetet och noggrant sätt. Hans arbetsmetod var noggrann och mödosam, inte snabb och slarvig. Att han konsekvent kunde förmedla samma energi, passion och styrka i sin ateljé som i en rasande sprejning på en grändvägg är häpnadsväckande. Liksom fotografierna Siskind tog av människokroppar i rörelse fångade bilderna i Homage to Franz Kline känslan av att abstraktion är dold i vardagens värld. Dessa fotografier var inte abstraktioner. De var dokumentära. De var avbildande. Men de var en ny sorts dokumentär. De lästes som moderna hieroglyfer: stiliserade symboler som förenar natur och berättelse; representationer av abstraktion som har mening bortom sitt utseende.

Aaron Siskind - Pleasures and Terrors of Levitation 32, 1965 (vänster) och Aaron Siskind - Pleasures and Terrors of Levitation 63, 1962 (höger), fotokrediter Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation

Framträdande bild: Aaron Siskind - Seaweed 11 (detalj), 1947, fotokrediter Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio