Hur Karel Appel Bröt Reglerna Genom ett Experiment

Vi tar idag för givet att konst är ett skapande område. Men vad betyder det? För att något ska skapas måste det inte ha funnits tidigare. Kreativitet kräver originalitet. Konstnärer är därför ursprungsskapare. Men så har det inte alltid varit. År 1921, när Karel Appel föddes, började kreativiteten just hävda sig som konstens drivkraft. Historiskt sett, före modernismen, uppnåddes framgång i konstvärlden oftare genom teknisk och estetisk skicklighet än genom kreativitet. Professionella konstnärer förväntades efterlikna den observerbara världen, eller åtminstone referera till den, och göra det på ett sätt som var intellektuellt begripligt. Även abstrakta konstnärer behövde kunna förklara för betraktare och kritiker vad de gjorde och varför, genom att hänvisa till ideologier och metoder grundade i befintliga tankemönster. Karel Appel tillhörde den generation konstnärer som utmanade detta synsätt på konstskapande. Istället för att närma sig konsten utifrån vad som redan finns, förespråkade Appel en konst som uttrycker det som ännu inte existerar. Genom detta införde han ett nytt paradigm för konstnärer baserat på kreativitet och originalitet, vilket inte bara bröt mot regler utan kanske också avskaffade behovet av regler helt och hållet.

Obestämd experimentering

Vi känner nog alla till ordspråket, ”Om det inte är trasigt, laga det inte.” Så kortfattat och klyschigt det än låter, uttrycker det känslan som ligger i modernismens kärna. I slutet av 1800-talet kunde alla i västvärlden med ett globalt perspektiv och förmåga till kritisk observation tydligt se att ”det var trasigt”: ”det” syftade på människans framsteg. Västerlandets logik hade lett till en atmosfär av intensiv konkurrens och våld som hotade att slita sönder mänsklighetens väv. Även om många vid den tiden tjänade ekonomiskt eller på annat sätt på det trasiga systemet, var det ännu fler som såg att det var dags för förändring.

Modernism är det namn vi i stora drag använder för att beteckna epoken som började i slutet av 1800-talet, då en rad omfattande omvandlingsförsök gjordes av människor för att omforma vad det moderna samhället är och kan vara. Modernismens grundläggande princip uttrycktes bäst av författaren Ezra Pound när han sade, ”Gör det nytt!” Han talade om den utbredda önskan hos många att skapa någon form av alternativ kulturell verklighet. Men frågan som alla modernister ställde sig var, ”Hur gör vi det nytt?” De flesta svar som föreslogs handlade om att uppfinna nya konststilar, abstrahera det nuvarande sättet att se på världen eller förnya användningen av estetiska element som färg, linje eller form. Lösningen som Karel Appel föreslog var unik. Den ignorerade helt estetik och stil och fokuserade på en enkel faktor: originalitet, möjliggjord genom obegränsad frihet att experimentera.

Karel Appel - The Wild Firemen, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Frånvarons närvaro

För Appel hade det konstnärliga handlingens värde inget att göra med den produkt som slutligen skapades som ett resultat av handlingen. Det viktiga var den kreativa processen. Poängen var inte att en konstnär skulle tala om vad som skulle göras, eller att bedöma eller förklara vad som till slut skapades. Poängen var helt enkelt att skapa: att låta något okänt manifesteras, att låta det overkliga bli verkligt. Som Appel uttryckte det, ”Om penseldraget är så viktigt, är det för att det uttrycker just det som inte finns där.”

Karel Appel - Untitled Sculpture, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Det har ofta påpekats att Appels tidigaste försök till obegränsad experimentell estetisk skapelse liknar bilder gjorda av barn. Deras kvasi-figurativa, kvasi-abstrakta kompositioner använder ett till synes kaotiskt språk av färg och ursprungliga uttryck av linje och form. De var ursprungligen så missförstådda att de när de först ställdes ut i slutet av 1940-talet offentligt hånades. Men Appel lät sig inte avskräckas. Han var inte motiverad av allmänhetens godkännande. Han var hängiven att konfrontera frånvaron genom en process att manifestera närvaro. Han var på en resa mot originalitet, utan att bry sig om var den resan slutade eller hur den såg ut.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Karel Appel och CoBrA-gruppen

Vad var det som var så chockerande med Appels målningar? Var det att han verkade strunta i de estetiska resultaten av sin process? Eller var det friheten med vilken han skapade som var så störande? Svaret kan hittas i världens omständigheter när Appels konst introducerades. Hans första utställning ägde rum 1946, när Europa just hade rest sig ur andra världskriget. Den allmänt hållna uppfattningen var att världen hade blivit galen. Praktiska frågor kring att återuppbygga kontinenten och att hantera de enorma förlusterna tvingade fram en skarp känsla av existentiell ångest i kulturen. Det fanns en stark metafysisk önskan att sätta in kriget i ett sammanhang för att de överlevande skulle känna att offret varit värt kostnaden.

Under kriget var invånarna i Danmark, Nederländerna och Belgien i praktiken helt avskurna från resten av världen på grund av den tyska ockupationen av deras territorium. Omedelbart efter kriget blev det tydligt att en liten grupp konstnärer som tillbringat kriget i Köpenhamn, Bryssel och Amsterdam hade kommit fram till en liknande syn på konstskapande. Gruppen, som inkluderade Appel, förkastade logiken och rationaliteten hos befintliga västerländska institutioner. De inspirerades av primitiv folk- och barnkonst. De skapade konst rotad i intuition, spontanitet och uttrycksfrihet. När dessa konstnärer började ställa ut tillsammans kallades de CoBrA-gruppen, ett namn taget från de första bokstäverna i deras hemstäder.

Karel Appel - Questioning Children, 1949. Gouache på trä. Objekt: 873 x 598 x 158 mm, ram: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

En sammansmältning av influenser

Appel kom inte fram till sin metod i ett vakuum. Han nämner i sina skrifter att han såg en utställning med Kurt Schwitters, sin första upplevelse av vad han kallar ett objet trouvé, ett konstverk gjort av funna föremål. Han kallar upplevelsen ”omvälvande.” Den frigjorde honom från behovet att följa historiska traditioner vad gäller medier, och för den delen befriade honom från alla historiska traditioner överhuvudtaget. Den intuitiva, barnlika frihet med vilken Appel skapar är också tacksam för konstnärer som Paul Klee och Joan Miro, som båda förmedlade en anda av obehindrad frihet i sina verk.

Förutom konstnärliga influenser skriver Appel också om tre andra influenser på sitt tänkande. Han nämner boken Leaves of Grass av den amerikanske poeten Walt Whitman, det långa poemet The Songs of Maldoror av den uruguayansk-franske författaren Comte de Lautréamont, och skrifterna av Jiddu Krishnamurti, en inflytelserik tänkare om människans natur. Tillsammans visar dessa influenser ett brett spektrum av tankar. Leaves of Grass är en av de mest vältaliga och optimistiska hyllningarna till frihet och öppenhet som någonsin skrivits. The Songs of Maldoror är däremot en av de mest särpräglade utforskningarna av total ondska som någonsin komponerats. Samtidigt uppmuntrade Jiddu Krishnamurti till hängivenhet endast till personlig medvetenhet för att uppleva sanning och bli fri.

Karel Appel - från Nude-serien, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Appels arv

Genom att iaktta barns och folkbildares obundna entusiasm fann Appel en väg till att upptäcka samma känsla av frihet inom sig själv. Han satte stort värde på det fria mänskliga sinnets betydelse. Han visade på ett praktiskt sätt hur konstnärer fritt och spontant kunde uttrycka den inre upplevelsen av sin egen sanning. Den handlingen i sig inspirerade en hel generation konstnärer, inklusive viktiga gestalter som Willem de Kooning och Jackson Pollock, som gick vidare och förändrade världen genom rörelser som Art Informel och Abstrakt expressionism.

Men bortom de enskilda konstnärer och stilar han påverkade kan det verkliga arvet från Appels insats sammanfattas i orden ”kreativ process.” Det är helt tack vare konstnärer som Appel som vi idag tar för givet att det viktigaste med konst är originalitet, inte efterhärmning. År 1989 sammanfattade Appel sin erfarenhet med orden, ”Kreativitet är mycket skör. Den är som ett löv på hösten; det hänger kvar och när det faller vet du inte vart det driver…Som konstnär måste du kämpa och överleva vildmarken för att behålla din kreativa frihet.” Genom att omfamna sann originalitet eliminerade Appel behovet av att följa någon annan väg än den fria uttrycksfriheten. Genom hans verk lär vi oss att det viktiga inte bara är att samla, kategorisera och beundra produkterna av en konstnärs arbete, utan att förundras över den originalitet och frihet som dessa föremål kom ifrån, och att omfamna deras källa som den verkligt värdefulla och oändliga processen av skapande.

Framhävd bild: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio