Hur Karel Appel Bröt Reglerna Genom ett Experiment

Vi tar idag för givet att konst är ett kreativt område. Men vad betyder det? För att något ska skapas måste det inte ha funnits tidigare. Kreativitet kräver originalitet. Konstnärer är därför skapare. Men så har det inte alltid varit. År 1921, när Karel Appel föddes, började kreativiteten just att hävda sig som den drivande kraften inom konsten. Historiskt sett, före modernismen, uppnåddes framgång i konstvärlden oftare genom saker som teknisk och estetisk mästerskap än genom kreativitet. Professionella konstnärer förväntades efterlikna den observerbara världen, eller åtminstone referera till den, och göra det på ett sätt som hade intellektuell mening. Även abstrakta konstnärer behövde kunna förklara för åskådare och kritiker vad de gjorde och varför de gjorde det genom att referera till ideologier och metoder som var förankrade i existerande tankemönster. Karel Appel var en del av den generation av konstnärer som utmanade det sättet att närma sig skapandet av konst. Istället för att närma sig konsten från perspektivet av vad som redan finns, förespråkade Appel en konst som uttryckte det som ännu inte finns. Genom att göra det införde han ett nytt paradigm för konstnärer baserat på kreativitet och originalitet, vilket inte bara bröt mot reglerna utan kanske också avskaffade behovet av regler helt och hållet.

Indeterministisk Experimentering

Vi är alla förmodligen bekanta med aforismerna, "Om det inte är trasigt, laga det inte." Så klichéartat och kortfattat som det låter, uttrycker den känslan som ligger i hjärtat av modernismen. I slutet av 1800-talet kunde alla i den västerländska världen som hade ett globalt perspektiv och som var kapabla till kritisk observation tydligt se att "det var trasigt": "det" som syftade på mänsklig framsteg. Logiken i den västerländska civilisationen hade lett till en atmosfär av intensiv konkurrens och våld som hotade att riva sönder mänsklighetens väv. Även om det visserligen fanns många människor vid den tiden som gynnades ekonomiskt eller på annat sätt av det trasiga systemet, fanns det många fler som kunde se att det var dags för en förändring.

Modernismen är namnet vi i stort använder för att hänvisa till den epok som började nära slutet av 1800-talet, under vilken en serie omfattande transformativa insatser gjordes av människor för att återuppfinna vad modern mänsklig samhälle är och kan vara. Den grundläggande principen för modernismen uttrycktes bäst av författaren Ezra Pound, när han sa: “Make it new!” Han talade om den allmänt förekommande önskan som så många människor hade att skapa någon slags alternativ kulturell verklighet. Men frågan på varje modernists sinne var: “Hur gör vi det nytt?” De flesta av de olika svar som föreslogs involverade att uppfinna nya konstnärliga stilar, eller abstrahera det nuvarande sättet att se på världen, eller att innovativt använda estetiska element som färg, linje eller form. Lösningen som Karel Appel föreslog var unik. Den ignorerade estetik och stil helt och hållet, och fokuserade på en enkel faktor: originalitet, möjliggjord av obegränsad frihet att experimentera.

Karel Appel - De Vilda Brandmännen, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Frånvarons närvaro

För Appel hade värdet av den konstnärliga handlingen ingenting att göra med produkten som så småningom skulle skapas som ett resultat av handlingen. Det viktiga var den kreativa processen. Poängen var inte att en konstnär skulle prata om vad som skulle göras, eller att döma eller förklara vad som så småningom blev gjort. Poängen var helt enkelt att skapa: att låta något okänt manifestera sig, att låta det orealistiska bli verkligt. Som Appel uttryckte det, “Om penseldraget är så viktigt, är det för att det uttrycker just det som inte finns.” 

Karel Appel - Obetitlad Skulptur, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Det har ofta noterats att Appels tidigaste insatser inom oinskränkt experimentell estetisk skapelse liknar bilder skapade av barn. Deras kvasi-figurativa, kvasi-abstrakta kompositioner använder ett till synes kaotiskt vokabulär av färg och primitiva uttryck av linje och form. De var ursprungligen så missförstådda, faktiskt, att när de först ställdes ut i slutet av 1940-talet blev de offentligt hånade. Men Appel lät sig inte avskräckas. Han var inte motiverad av offentlig godkännande. Han var dedikerad till att konfrontera frånvaro genom en process av att manifestera närvaro. Han var på en resa mot originalitet, utan att ta hänsyn till vart den resan ledde eller hur den såg ut.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Karel Appel och CoBrA-gruppen

Vad var det som var så chockerande med Appels målningar? Var det faktumet att han verkade bry sig lite om de estetiska resultaten av sin process? Eller var det friheten med vilken han skapade som var så störande? Svaret kan hittas i omständigheterna i den värld som Appels konst introducerades i. Hans första utställning ägde rum 1946, när Europa just hade kommit ut ur andra världskriget. Den allmänt vedertagna uppfattningen var att världen hade blivit galen. Praktikaliteterna kring att återuppbygga kontinenten och att konfrontera de överväldigande förlusterna tvingade fram en skarp känsla av existentiell ångest i kulturen. Det fanns en kraftfull metafysisk önskan att kontextualisera kriget för att överlevarna skulle känna att offret hade varit värt kostnaden. 

Under kriget var invånarna i Danmark, Nederländerna och Belgien effektivt helt avskurna från resten av världen på grund av den tyska ockupationen av deras territorium. Omedelbart efter kriget blev det tydligt att en liten grupp konstnärer som hade tillbringat kriget i Köpenhamn, Bryssel och Amsterdam hade kommit fram till en liknande syn på konstskapande. Gruppen, som inkluderade Appel, avvisade logiken och rationaliteten hos existerande västerländska institutioner. De inspirerades av primitiv folkkonst och barnens konstverk. De skapade konst som var rotad i intuition, spontanitet och yttrandefrihet. När dessa konstnärer började ställa ut tillsammans kallades de CoBrA-gruppen, en etikett som togs från de första bokstäverna i deras hemstäder.

Karel Appel - Fråga barn, 1949. Gouache på trä. Objekt: 873 x 598 x 158 mm, ram: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

En sammanslagning av influenser

Appel kom inte fram till sin metod i ett vakuum. Han nämner i sin skrift att han såg en Kurt Schwitters-utställning, sin första upplevelse av att bevittna vad han kallar ett objet trouvé, ett konstverk gjort av hittade föremål. Han beskriver upplevelsen som "shattering." Det befriade honom från behovet av att följa historiska traditioner angående medier, och för den delen befriade det honom från alla historiska traditioner överhuvudtaget. Den intuitiva, barnsliga friheten med vilken Appel skapar är också en skuld till konstnärer som Paul Klee och Joan Miro, som båda förmedlade en anda av ohemad frihet i sitt arbete.

Förutom konstnärliga influenser skriver Appel också om tre andra influenser på sitt tänkande. Han nämner boken Leaves of Grass av den amerikanske poeten Walt Whitman, det långa poemet The Songs of Maldoror av den uruguayansk-franska författaren Comte de Lautréamont, och skrifterna av Jiddu Krishnamurti, en inflytelserik tänkare om mänsklighetens natur. Tillsammans visar dessa influenser ett brett spektrum av tänkande. Leaves of Grass är en av de mest vältaliga och optimistiska hyllningarna av frihet och öppenhet som någonsin skrivits. The Songs of Maldoror, å andra sidan, är en av de mest distinkta utforskningarna av total ondska som någonsin komponerats. Under tiden uppmuntrade Jiddu Krishnamurti hängivenhet endast till personlig medvetenhet för att uppleva sanning och bli fri.

Karel Appel - från Nude-serien, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Appels arv

Genom att observera den oinskränkta entusiasmen hos barn och folkkonstnärer, fann Appel en väg till att upptäcka inom sig själv samma känsla av frihet. Han satte stort värde på värdet av ett fritt mänskligt sinne. Han visade på ett praktiskt sätt hur konstnärer kunde fritt och spontant uttrycka den inre upplevelsen av sin egen sanning. Den handlingen ensam inspirerade en hel generation av konstnärer, inklusive så viktiga gestalter som Willem de Kooning och Jackson Pollock, som gick vidare för att förändra världen genom rörelser som Art Informel och Abstract Expressionism. 

Men bortom de individuella konstnärerna och stilarna han påverkade, kan Appels bidrags sanna arv sammanfattas med orden "kreativ process." Det är helt och hållet tack vare konstnärer som Appel som vi idag tar för givet att den viktigaste aspekten av konst bör vara originalitet, och inte efterapning. År 1989 sammanfattade Appel sin erfarenhet och sa: "Kreativitet är mycket skör. Det är som ett blad på hösten; det hänger och när det faller vet du inte vart det driver... Som konstnär måste du kämpa och överleva vildmarken för att behålla din kreativa frihet." Genom att omfamna sann originalitet eliminerade Appel behovet av att följa någon annan väg än den fria uttrycksformen. Genom sitt arbete lär vi oss att det viktiga inte bara är att samla, kategorisera och beundra produkterna av en konstnärs arbete, utan att förundras över originaliteten och friheten från vilken dessa objekt kom, och att omfamna deras källa som den verkligt värdefulla och oändliga processen av kreativitet.

Utvald bild: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio