Glädjen av den färgglada abstrakta konsten på Mnuchin Gallery

Mnuchin Gallery i New York visar för närvarande The Joy of Color, en festlig grupputställning av färgglad abstrakt konst från 1939 till 2018. Utställningen erbjuder en unik inblick i de många sätt som konstnärer mobiliserar färg som både innehåll och koncept. Den innehåller verk av många av de historiskt viktiga konstnärerna som galleriet representerar, såsom Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis och Sam Gilliam, tillsammans med banbrytande konstnärer från 1900-talet som Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland och Jack Bush. Även målningar av viktiga samtida konstnärer som Laura Owens och Sean Scully samt relativt nya namn som Sarah Crowner och Nathlie Provosty ingår. För vissa New York-bor kan denna utställning representera den perfekta möjligheten att återvända till Mnuchin-utrymmet. År 2016 publicerade New York Magazine konstkritiker Jerry Saltz en utläggning med titeln "Varför jag inte kommer att gå till Mnuchin Gallery längre." Han nämnde Steven Mnuchin—son till galleriets ägare Robert Mnuchin—som blev utsedd till kampanjfinanschef för den dåvarande presidentkandidaten Donald Trump som sin anledning. Sedan den artikeln publicerades har Steven Mnuchin blivit USA:s finansminister. Av skäl som inte har något att göra med konst, och allt att göra med ideologi, uppmanade Saltz sina läsare att straffa den konstförsäljande fadern för sonens upplevda politiska synder. Sådan påhittad dramatik är löjlig, men likväl bör alla som gav efter för det sociala trycket överväga The Joy of Color som den perfekta ursäkten för att ge galleriet en ny chans. Utställningen liknar mer en promenad genom den moderna och samtida sektionen av ett litet men viktigt museum än en promenad genom ett kommersiellt galleri. Verken visar exakt hur abstrakt konst i sitt bästa skick har kapacitet att överskrida småaktig politik och öppna nya dörrar till vad som är vackert och meningsfullt i denna värld.

Färg som strategi

Färgens Glädje öppnar med en ödmjuk Calder-mobil hängande från taket vid en trappa. Röda, gula, vita och grå abstrakta former snurrar försiktigt i de vindar som våra kroppar och andetag skapar. Calder använde färg för att få folk att tänka på "idén om avskilda kroppar som svävar i rymden." Dessa fantasifulla färgade former erbjuder något att njuta av medan man kontemplerar universella frågor som fysik och mekanik. Bortom mobilen flankeras en liten målning på vardera sidan av en valvbåge. Till vänster finns "Lode" (2018) av Nathlie Provosty. Till höger finns en namnlös färgfält av Mark Rothko, ca 1959. Båda kompositionerna är strukturerade, platta och rektangulära. Båda använder subtila färgskiftningar för att bjuda in betraktaren till en kontemplativ upplevelse. Färg är inte innehåll här så mycket som det är en ingångspunkt till perceptuella möten med vårt inre väsen. Provosty-målningen särskilt, med sina subtila variationer av gult, avslöjar nyanserade skillnader mellan till synes liknande saker—endast genom att generalisera kan vi kalla det en monokrom. Varje gult är inte detsamma.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Olja på linne på aluminiumpanel. 19 x 15 tum (48,3 x 38,1 cm). © Nathlie Provosty. Med vänlig hälsning från Mnuchin Gallery

Andra målningar i utställningen som använder färg som en strategi för att engagera andra typer av innehåll inkluderar "Aleph Series V" (1960) av Morris Louis, "Landline Green Bolt" (2018) av Sean Scully, en oidentifierad målning av Laura Owens från 2006, och en oidentifierad duk från Joan Mitchell från 1958. Louis-målningen drar våra ögon med vibrerande färgrelationer runt kanten, men när färgerna smälter samman i mörker i mitten blir vi mer medvetna om ytan: den ogrundade duken blir ett med färgen precis som färgerna och formerna blir ett med varandra - allt smälter samman till ett. Scully-målningen använder färg för att engagera oss i en övervägning av penseldrag och texturer, en inbjudan att uppskatta de materiella egenskaperna hos färg. Owens-målningen använder färg som en känslomässig utlösare. Dess glädjefyllda palett speglar de figurativa aspekterna av verket, som njuter av femininitet, öppenhet och natur. Slutligen visar de tumultartade penseldragen på Mitchell-duken oss hur färg kan bli synonymt med stämning, vilket uttrycker den innersta ångesten hos den mänskliga anden.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Olja på aluminium. 85 x 75 tum (215,9 x 190,5 cm). © Sean Scully. Med vänlig hälsning från Mnuchin Gallery

Färg som utrymme

Många målningar i The Joy of Color använder färg i en mer formell mening, och visar färg som en effektiv skapare och avgränsare av visuell rymd. "Nature’s Red Impressions" (1968) av Alma Thomas erbjuder en episk förklaring av detta koncept. På avstånd deklarerar färgerna en linjär struktur, som delar den visuella arkitekturen i vertikala staplar. Vid närmare granskning spricker kolumnerna upp i en mängd organiska former. Det vita utrymmet mellan formerna och kolumnerna hävdar sig som en värld bortom ytan. Liknande magi är i arbete i "Strawberry" (1970) av Jack Bush. En massiv, rosa "U"-form ekar med sin nyans titeln på målningen, medan en ljusare rosa bakgrund prickad med mörka fläckar etablerar dimensionalitet. En komplementär färgbar längs botten av duken både plattar ut rummet och lurar ögat att uppfatta en kombination av horisontlinje och en kinetisk parad av geometriska former.

Alma Thomas - Naturens röda intryck, 1968. Akryl på duk. 51 x 49 1/2 tum (129,5 x 125,7 cm). © Alma Thomas. Med vänlig hälsning från Mnuchin Gallery

Bland de mest iögonfallande rumsliga kompositionerna i utställningen finns "Elberta" (1975) av Helen Frankenthaler, "Mysteries: Aglow" (2002) av Kenneth Noland, och "The Wave (Urszula)" (2014) av Sarah Crowner. Frankenthaler skapar en stor öppenhet i sin soak-stained målning, vilket öppnar ögat för ett expansivt och ljust visuellt universum; Noland uppnår motsatt effekt, förenklar och centraliserar rummet med sin bekanta bullseye-komposition; Crowner organiserar rummet i harmonisk dissonans med vibrerande, biomorfa röda och orange vågformer. Ändå kommer den mest djupgående skapelsen av rum från "Atmosphere" (1972) av Sam Gilliam. Hans signaturteknik att fasettera kanterna på sin yta gör att färgerna skapar rum bortom de fysiska gränserna för verket. Målningen inbjuder oss att undra över vad som ligger bortom gränserna för vad vi kan se—en vital fråga för oss i denna tid, och en som kanske till och med Mr. Saltz skulle vilja stanna till vid galleriet för att överväga. The Joy of Color visas fram till 8 december 2018.

Utvald bild: The Joy of Color - grupputställning på Mnuchin Gallery, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Med vänlig hälsning Mnuchin Gallery
Av Philip Barcio