Varför Richard Anuszkiewicz var en stor kraft inom Op Art

Konstnärliga rörelser dör aldrig. De tar bara en tupplur tills någon ny geni väcker dem igen så att de kan fortsätta där deras föregångare slutade. Eller ibland, som i det sällsynta fallet med Op Art, tack vare en av dess mest bestående pionjärer, Richard Anuszkiewicz, får en konstnärlig rörelse privilegiet att röra sig framåt utan avbrott, generation efter generation. Op Art uppstod på 1960-talet och har aldrig riktigt försvunnit. Tillsammans med Bridget Riley var Anuszkiewicz, fram till 2020, en av dess levande legender. En tidigare elev till Josef Albers vid Yale, var Anuszkiewicz i framkant av en trend bort från personlig känsla och dramatik i konsten, och mot undersökningen av objektiva formella relationer och den effekt dessa relationer har på våra ögon och sinnen. Det som gjorde att Anuszkiewicz stack ut bland sina samtida, och som höll honom relevant långt efter att de flesta andra slutat, var inte bara briljansen i hans verk, utan också allvaret och ödmjukheten med vilken de skapades.

Upptäckten av färg

En av de mest älskvärda berättelserna om Richard Anuszkiewicz är den om hans första separatutställning i New York City. Berättelsen börjar i Ohio, där Anuszkiewicz tog sin kandidatexamen vid Cleveland Institute of Art. Under sitt femte och sista år vid skolan fick han ett stipendium för att studera konst i Europa. Men efter att ha uttryckt för sin rådgivare att han inte var intresserad av Europa, uppmuntrades han istället att fortsätta med forskarstudier antingen vid Cranbrook, en progressiv konstskola utanför Detroit, eller Yale. Efter att ha fått veta att Josef Albers, den berömde färgmästaren med rötter i Bauhaus, fanns vid Yale, valde Anuszkiewicz att gå dit. Om sitt val förklarade han senare att han kände att färg var det största som saknades i hans verk.

Även om Albers var, och fortfarande är, betraktad som ett geni, var han inte en allmänt älskad lärare. Många tyckte att hans lektioner var godtyckliga, tråkiga – till och med meningslösa. Men Albers brydde sig inte om vad hans elever tyckte. Han trodde på det inneboende värdet i att förstå färgförhållanden, och det var allt han undervisade i. Om en elev inte förstod eller visade intresse spelade det ingen roll för Albers. Men Anuszkiewicz råkade vara den sällsynta eleven som fullt ut förstod vikten av vad Albers lärde ut. Han utmärkte sig i sina klasser. Han blev till och med övertygad av Albers att överge figurativ konst och accepterade att det enda sättet att verkligen utforska färgens kraft var att göra den till verkets centrala ämne. Men det fanns ett centralt problem för Anuszkiewicz, och det var att under tyngden av den starka personlighet som Albers utövade, var det nästan omöjligt för hans elever att utveckla en egen stil.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; and Veridified, 1971, Två screentryck i färg, på vävt papper, med fulla marginaler, 36 × 26 tum, 91,4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

Sen succé

Efter att ha avslutat sin magisterexamen vid Yale tog Anuszkiewicz det ovanliga steget att återvända till Ohio för att ta ytterligare en examen i pedagogik ifall han någon gång ville undervisa. Det var där, äntligen fri från Albers inflytande, som han fann en egen stil. Det var en undersökning av hur relationerna mellan färger och former kunde lura ögat och få sinnet att se saker som inte finns där. Han fann denna upplevelse upphöjd och eftertänksam, och dess paradox poetisk. Efter att ha avslutat sin pedagogikexamen kände Anuszkiewicz att han för första gången hade en stark, egenartad idé och gott om bra exempel på sitt arbete. Så han flyttade till New York och började visa sina verk för gallerister. Men trots att många tyckte att verken var intressanta, ville ingen gallerist ta risken att visa dem. Det var 1957. Abstrakt expressionism var fortfarande på modet. Handlare var osäkra på om de platta, färgstarka, skarpa verken som Anuszkiewicz gjorde skulle sälja.

Det tog två år innan Anuszkiewicz slutligen blev kontrakterad av Karl Lunde på The Contemporaries Gallery. Lunde erbjöd honom en separatutställning i mars 1960. Den utställningen blev mycket välbesökt. Många kritiker och samlare pratade glatt om verken. Men som alla andra handlare hade förutspått, köpte ingen något. Faktum är att nästan hela utställningen gick utan en enda försäljning tills, nästan på sista dagen, en köpare äntligen kom in: Alfred F. Barr, Jr., som råkade vara chef för Museum of Modern Art. Barr köpte en målning kallad Fluorescent Complement och ställde ut den senare samma år på MoMA tillsammans med andra nyförvärv. Som på beställning började andra samlare köpa verk av Anuszkiewicz, inklusive några av stadens rikaste samlare, som Nelson Rockefeller.

Richard Anuszkiewicz - Fluorescent Complement, 1960, Olja på duk, 36 x 32 1/4 tum (91,5 x 82 cm), MoMA-samling, © Richard Anuszkiewicz

MoMA-effekten

Närvaron av Fluorescent Complement på MoMA signalerade för allmänheten att det var dags för abstrakt expressionism att ta en paus. Följande år höll Whitney Geometrisk abstraktion i Amerika, som inkluderade en målning av Anuszkiewicz, och sedan meddelade MoMA en stor kommande utställning med fokus på ”en främst visuell betoning.” När den stora utställningen, som kallades The Responsive Eye, äntligen ägde rum, inkluderade den verk av många konstnärer och fastställde betydelsen av begreppet Op Art. Och tillsammans med Victor Vasarely och Bridget Riley framträdde Anuszkiewicz som en av de viktigaste konstnärerna i utställningen.

Det sägs att det som skiljde Vasarely åt var hans mästerskap över ljus och mörker, vad som skiljer Riley åt är hennes mästerskap över linjen, och vad som skiljde Anuszkiewicz åt var hans mästerskap över färgförhållanden. Men det finns något mer som skiljer dem alla tre åt – deras allvar. De har alla tre en inneboende nyfikenhet och hängivenhet. Och Anuszkiewicz var också speciell för sin ödmjukhet. Medan skribenter hyllar hans prestationer, säger han saker som, ”Något händer när du sätter två färger tillsammans. Det har en effekt.” Han tonar ner briljansen och kraften i sitt arbete och hänvisar helt enkelt tillbaka till tanken att färger och former förändras i olika situationer, och att fundera över sådana förändringar kan påminna människor om att vi aldrig riktigt kan vara säkra på om det vi ser är verkligt.

Richard Anuszkiewicz - Unnumbered (Annual Edition), 1978, Färg och screentryck på masonit, 4 × 4 tum, 10,2 × 10,2 cm, Loretta Howard Gallery, New York City, New York © Richard Anuszkiewicz

Framträdande bild: Richard Anuszkiewicz - Untitled (Annual Edition), 1980, Screentryck på masonit, 5 3/4 × 5 3/4 tum, 14,6 × 14,6 cm. © Richard Anuszkiewicz
Alla bilder används endast i illustrativt syfte