Varför Richard Anuszkiewicz var en stor kraft inom Op Art

Konstnärliga rörelser dör aldrig. De tar bara en tupplur tills någon ny geni väcker dem igen så att de kan plocka upp där deras tidigare mästare slutade. Eller ibland, som i det sällsynta fallet med Op Art, tack vare en av dess mest bestående pionjärer, Richard Anuszkiewicz, får en konstnärlig rörelse privilegiet att gå framåt oavbrutet, generation efter generation. Op Art uppstod på 1960-talet, och den har aldrig riktigt försvunnit. Tillsammans med Bridget Riley var Anuszkiewicz, fram till 2020, en av dess levande legender. En tidigare elev till Josef Albers vid Yale, Anuszkiewicz var i framkant av en trend bort från personlig känsla och drama i konsten, och mot undersökningen av objektiva formella relationer, och den effekt dessa relationer har på våra ögon och sinnen. Det som gjorde Anuszkiewicz framträdande bland sina samtida, och som höll honom relevant långt efter att de flesta av dem slutat, är inte bara briljansen i hans arbete, utan den allvarlighet och ödmjukhet med vilken det skapades.

Upptäcker färg

En av de mest älskvärda berättelserna om Richard Anuszkiewicz är hans första separatutställning i New York City. Berättelsen börjar i Ohio, där Anuszkiewicz tog sin kandidatexamen vid Cleveland Institute of Art. Under sitt femte och sista år på den skolan fick han ett stipendium för att studera konst i Europa. Men efter att ha uttryckt för sin rådgivare att han inte var intresserad av Europa, uppmuntrades han istället att söka till forskarutbildning antingen vid Cranbrook, en progressiv konstskola utanför Detroit, eller Yale. Efter att ha fått veta att Josef Albers, den berömda färgexperten med rötter i Bauhaus, var vid Yale, valde Anuszkiewicz att gå dit. Angående sitt val förklarade han senare att han kände att färg var det största som saknades i hans arbete.

Även om Albers ansågs vara, och fortfarande är, ett geni, var han inte en universellt älskad lärare. Många tyckte att hans lektioner var godtyckliga, tråkiga – till och med meningslösa. Men Albers brydde sig inte om vad hans studenter tyckte. Han trodde på det inneboende värdet av att förstå färdiga relationer, så det var allt han undervisade i. Om en student inte förstod eller visade intresse, var det likadant för Albers. Men Anuszkiewicz råkade vara den sällsynta studenten som fullt ut förstod vikten av vad Albers undervisade. Han utmärkte sig i sina klasser. Han blev till och med övertygad av Albers att överge figuration, och accepterade att det enda sättet att verkligen utforska färgens kraft är att göra den till det centrala ämnet för verket. Men det fanns ett centralt problem för Anuszkiewicz, och det var att under vikten av den kraftfulla personlighet som Albers hade, var det nästan omöjligt för hans studenter att utveckla en individuell stil.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; and Veridified, 1971, Two screenprints in colors, on wove paper, with full margins, 36 × 26 in, 91.4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

Sista minuten framgång

Efter att ha avslutat sin masterexamen vid Yale tog Anuszkiewicz det ovanliga steget att återvända till Ohio för att skaffa en ytterligare examen i utbildning ifall han någonsin ville undervisa. Det var där, äntligen fri från Albers inflytande, som han kom fram till en egen stil. Det var en utforskning av hur relationerna mellan färger och former kunde lura ögat och få sinnet att se saker som inte fanns där. Han fann denna upplevelse transcendent och kontemplativ, och dess paradox poetisk. Efter att ha avslutat sin utbildningsexamen kände Anuszkiewicz att han för första gången hade en stark, idiosynkratisk idé, och gott om bra exempel på sitt arbete. Så han flyttade till New York och började visa sitt arbete för gallerister. Men trots att många tyckte att arbetet var intressant, ville inga gallerister ta chansen att visa det. Det var 1957. Abstrakt expressionism var fortfarande på modet. Återförsäljare var helt enkelt osäkra på om de platta, färgglada, hårda kanter som Anuszkiewicz skapade skulle sälja.

Det tog två år innan Anuszkiewicz äntligen blev signerad av Karl Lunde, på The Contemporaries Gallery. Lunde erbjöd honom en separatutställning i mars 1960. Den utställningen blev fantastiskt välbesökt. Många kritiker och samlare surrade glatt om verken. Men som alla andra gallerister hade förutspått, köpte ingen något. Faktum är att nästan hela utställningen gick förbi utan en enda försäljning tills, nästan på sin sista dag, en köpare äntligen kom in: Alfred F. Barr, Jr., som råkade vara direktör för Museum of Modern Art. Barr köpte en målning kallad Fluorescent Complement, och ställde ut den senare samma år på MoMA tillsammans med andra nyförvärv. Som urverk började andra samlare förvärva verk av Anuszkiewicz, inklusive några av de rikaste samlarna i staden, såsom Nelson Rockefeller.

Richard Anuszkiewicz - Fluorescent Complement, 1960, Oil on canvas, 36 x 32 1/4 in (91.5 x 82 cm), MoMA Colection, © Richard Anuszkiewicz

MoMA-effekten

Närvaron av Fluorescent Complement på MoMA signalerade till allmänheten att det var dags för Abstract Expressionism att ta en tupplur. Året därpå var Whitney värd för Geometric Abstraction in America, som inkluderade en målning av Anuszkiewicz, och sedan meddelade MoMA en stor kommande utställning dedikerad till "en främst visuell betoning." När den stora utställningen, som kallades The Responsive Eye, äntligen ägde rum, inkluderade den verk av ett stort antal konstnärer och befäste betydelsen av termen Op Art. Och tillsammans med Victor Vasarely och Bridget Riley framträdde Anuszkiewicz som en av de viktigaste konstnärerna i utställningen.

Det sägs att det som separerade Vasarely var hans mästerskap av ljus och mörker, det som separerar Riley är hennes mästerskap av linje, och det som separerade Anuszkiewicz var hans mästerskap av färgrelationer. Men det finns något annat med alla tre som skiljer dem åt—deras allvar. De har alla tre en inneboende nyfikenhet och hängivenhet. Och Anuszkiewicz var också speciell för sin ödmjukhet. Medan skribenter svävar bort i hans prestationer, gör han kommentarer som, "Något händer när du sätter två färger tillsammans. Det har en effekt." Han tonade ner briljansen och kraften i sitt arbete, och hänvisade helt enkelt tillbaka till tanken att färger och former förändras i olika situationer, och att reflektera över sådana förändringar kan påminna människor om att vi aldrig riktigt är säkra på om det vi ser är verkligt.

Richard Anuszkiewicz - Unnumbered (Annual Edition), 1978, Paint and screenprint on masonite, 4 × 4 in, 10.2 × 10.2 cm, Loretta Howard Gallery, New York City, New York © Richard Anuszkiewicz

Utvald bild: Richard Anuszkiewicz - Utan titel (Årsutgåvan), 1980, Screenprint på masonit, 5 3/4 × 5 3/4 tum, 14,6 × 14,6 cm. © Richard Anuszkiewicz
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål