Mitchell-Innes และ Nash สรรเสริญศิลปะของ Julian Stanczak

จิตรกรจูเลียน สแตนซ์แซค เสียชีวิตเมื่อปีนี้ในเมืองบ้านเกิดของเขาที่คลีฟแลนด์ โอไฮโอ ในวัย 88 ปี ก่อนที่เขาจะเสียชีวิต มิทเชล-อินเนส และแนช ในเมืองนิวยอร์ก ได้วางแผนที่จะจัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งที่สองที่แกลเลอรีของผลงานของเขา นิทรรศการนั้นเปิดเมื่อวันที่ 18 พฤษภาคม น้อยกว่าสองเดือนหลังจากที่สแตนซ์แซคเสียชีวิต และมันได้กลายเป็นมากกว่านิทรรศการทั่วไป มันเป็นการเฉลิมฉลองผลงานและชีวิตของศิลปินที่เป็นที่รักและมีอิทธิพลอย่างแท้จริง ชื่อรองของนิทรรศการคือ ชีวิตของพื้นผิว, จิตรกรรม 1970-1975 ตามที่ระบุไว้ มันมีเฉพาะผลงานที่สร้างขึ้นในช่วงห้าปีในทศวรรษ 70 แต่ที่สำคัญกว่านั้นคือการอ้างอิงถึงชีวิตที่สแตนซ์แซคมอบให้กับผลงานของเขา และต่อโลกศิลปโดยทั่วไป ในฐานะหนึ่งในผู้บุกเบิกสิ่งที่ในที่สุดกลายเป็นที่รู้จักในชื่อออปอาร์ต สแตนซ์แซคเป็นผู้บุกเบิกที่ค้นพบสิ่งที่น่าอัศจรรย์ที่สามารถทำได้โดยใช้เพียงองค์ประกอบง่ายๆ ของสีและเส้นเท่านั้น.

การประดิษฐ์ศิลปะออปโดยบังเอิญ

วันนี้คำว่า Op Art ถูกเข้าใจโดยคนรักศิลปะส่วนใหญ่, ผู้ดูแลพิพิธภัณฑ์, นักการศึกษา และนักสะสม ว่าเป็นศิลปะแบบเร้าอารมณ์และเรขาคณิตที่หลอกตาให้รับรู้ถึงการเคลื่อนไหว, พื้นที่ และแสงที่ไม่มีอยู่จริง ขบวนการนี้มักจะเกี่ยวข้องกับศิลปินชื่อดังไม่กี่คน เช่น Bridget Riley และ Victor Vasarely ซึ่งในช่วงแรก ๆ เป็นผู้สนับสนุนที่มีชื่อเสียงที่สุด และผู้ชมในปัจจุบันมักจะมองว่ามันเป็นขบวนการที่มีความสอดคล้องกัน ซึ่งศิลปินที่เกี่ยวข้องมีวาระที่เข้าใจกัน หรืออย่างน้อยก็เคลื่อนไหวในทิศทางที่มีความสอดคล้องกันในด้านสุนทรียศาสตร์.

แต่ความจริงเกี่ยวกับ Op Art นั้นไม่หรูหราอย่างที่คิด คำว่า Op Art เกิดจากชื่อของการแสดงผลงานของ Julian Stanczak การแสดงนี้เป็นการแสดงครั้งแรกของเขาในนิวยอร์ก และจัดขึ้นที่ Martha Jackson Gallery ในปี 1964 มาร์ธา แจ็คสัน เองเป็นผู้ตั้งชื่อการแสดงว่า Julian Stanczak: Optical Paintings เมื่อเขาเดินทางจากบ้านในคลีฟแลนด์ไปยังนิวยอร์กเพื่อดูการแสดง Stanczak ได้รู้จักชื่อการแสดงเป็นครั้งแรกเมื่อเขาเห็นมันเขียนอยู่บนหน้าต่างของแกลเลอรี ในการสัมภาษณ์ปี 2011 Stanczak ได้ระลึกถึงว่า “ฉันพูดว่า, ‘โอ้พระเจ้า, คุณได้มาจากไหน? มาร์ธา, คุณจะพูดว่าออพติคอลได้อย่างไร?’” แจ็คสันพยายามทำให้เขาสงบลงโดยตอบว่า “เฮ้, Julian, นี่คือสิ่งที่นักวิจารณ์ศิลปะจะได้พิจารณา.” และพวกเขาก็พิจารณาจริงๆ ในความเป็นจริง ช่างปั้นหนุ่มชื่อ Donald Judd ซึ่งเขียนบทวิจารณ์ให้กับนิตยสาร Arts ในขณะนั้น ได้ทำการรีวิวการแสดงและอ้างอิงถึงชื่อการแสดงโดยสร้างวลี Op Art ในบทวิจารณ์ของเขา.

Julian Stanczak - สีน้ำเงินนิ่ง, 1973, อะคริลิคบนผ้าใบ, 48x120 นิ้ว

สีและเส้น

เมื่อมองย้อนกลับไป มันดูไร้สาระที่จะเลือกประเภทของภาพวาดหนึ่งประเภทและเรียกมันว่า "ออปติคัล" คำว่าออปติคัลเกี่ยวข้องกับปรากฏการณ์ใด ๆ ที่มีอยู่ในสเปกตรัมของแสงที่มองเห็นได้ แต่ในบริบทของภาพวาดที่รวมอยู่ในนิทรรศการแรกของ Julian Stanczak ที่ Martha Jackson Gallery คำนี้ถูกตีความไม่เพียงแต่หมายถึงสิ่งที่มองเห็นได้ แต่ยังมีความเกี่ยวข้องกับภาพลวงตา Stanczak ใช้การรวมกันของสีและเส้นเพื่อสร้างความรู้สึกของความลึกและการเคลื่อนไหว และเพื่อแนะนำว่าแสงกำลังส่องออกมาจากพื้นผิวของงาน แต่ไม่มีอะไรเกี่ยวกับงานนี้ที่พยายามหลอกลวงใคร มันเป็นเพียงการสำรวจความเป็นไปได้ของสิ่งที่สีและเส้นสามารถทำได้ด้วยตัวของมันเอง.

ความดึงดูดใจในเบื้องต้นของเขาต่อองค์ประกอบของสีและเส้นเริ่มต้นขึ้นสำหรับ Stanczak หลายทศวรรษก่อนการแสดงครั้งแรกในนิวยอร์ก เมื่อเขาเป็นชายหนุ่มในค่ายผู้ลี้ภัยในยูกันดาในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง เขาได้สูญเสียการใช้แขนขวาที่เป็นแขนที่ถนัดขณะทำงานในค่ายแรงงานและได้รับบาดเจ็บเพิ่มเติมจากแพทย์ทหารที่ไร้ความสามารถ การบาดเจ็บนั้นทำให้เขาสูญเสียความฝันในการเป็นนักดนตรี ดังนั้นเมื่อเขามาถึงแอฟริกาและสังเกตเห็นความงามและสีสันของมัน เขาจึงใช้โอกาสนี้เรียนรู้การวาดภาพและการระบายสีด้วยมือซ้ายของเขา ผลงานของเขาจากช่วงเวลานั้นยอดเยี่ยม แสดงให้เห็นว่าแม้จะใช้มือที่ไม่ถนัด เขาก็มีความสามารถที่ไม่ธรรมดาในการวาดภาพจากความเป็นจริง แต่เขาไม่มีความปรารถนาที่จะวาดสิ่งที่เขาได้เห็นและประสบ เขากลับมองหาสิ่งที่เป็นนามธรรมที่สามารถช่วยให้เขาลืมอดีตและวาดสิ่งที่เป็นสากล

จูเลียน สแตนซัค - ชีวิตของพื้นผิว, จิตรกรรม 1970 – 1975, การจัดแสดงที่มิทเชล-อินเนส และแนช นิวยอร์ก, 2017

กำลังจะมาถึงโอไฮโอ

เมื่อเขาสามารถทำได้ สแตนซัคก็เดินทางมาที่อเมริกา ซึ่งเขาได้เข้าร่วมกับสมาชิกในครอบครัวที่อาศัยอยู่ในโอไฮโอ เขาพบว่าเมืองคลีฟแลนด์เหมาะสมกับความทะเยอทะยานทางศิลปะของเขา โดยค้นพบซิมโฟนีและพิพิธภัณฑ์ศิลปะที่มีชีวิตชีวา เขาได้ลงทะเบียนเรียนในชั้นเรียนศิลปะที่วิทยาลัยศิลปะซินซินนาติ และที่นั่นเขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่องค์ประกอบของสีอย่างแท้จริง แต่เขาก็พบว่าไม่มีใครที่โรงเรียนของเขาสามารถสอนเขาได้ทั้งหมดที่เขาต้องการรู้ สแตนซัคกล่าวว่า "ฉันสนุกกับสี และฉันต้องการรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับมัน และไม่มีใครตอบคำถามของฉัน ดังนั้นฉันได้ยินว่าอัลเบิร์ตเป็นผู้เชี่ยวชาญ แล้วเขาสอนที่ไหน? ที่เยล ดังนั้นฉันจึงไปที่เยล"

โดยอัลเบิร์ส สแตนซ์ซัคหมายถึง โจเซฟ อัลเบิร์ส หนึ่งในผู้เชี่ยวชาญด้านสีที่สำคัญที่สุดในสมัยโมเดิร์น โจเซฟ อัลเบิร์สและภรรยา อันนี เป็นครูที่มีอิทธิพลที่บาวเฮาส์ก่อนสงครามโลกครั้งที่สอง เมื่อพวกนาซีบังคับให้บาวเฮาส์ปิดตัวลง พวกเขาเดินทางไปยังนอร์ธแคโรไลนาโดยการเชิญเพื่อสอนที่วิทยาลัยแบล็กเมาน์เทน ต่อมา พวกเขาย้ายไปที่เยล เมื่อได้ยินว่าอัลเบิร์สเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านสีที่สำคัญที่สุดในโลก สแตนซ์ซัคจึงสมัครเข้าเรียนระดับบัณฑิตศึกษาที่เยล และในขณะที่เรียนอยู่ภายใต้การดูแลของอัลเบิร์ส เขาก็มั่นใจว่าทุกสิ่งที่เขาอยากจะสื่อสารสามารถสื่อสารได้ด้วยสี พร้อมกับการเพิ่มเส้นอย่างง่ายๆ

จูเลียน สแตนซัค - ชีวิตของพื้นผิว, จิตรกรรม 1970 – 1975, การจัดแสดงที่มิทเชล-อินเนส และแนช นิวยอร์ก, 2017

ดวงตาที่ตอบสนอง

สองปีหลังจากการจัดแสดงครั้งแรกของเขาที่ Martha Jackson Gallery ซึ่งนำไปสู่การสร้างคำว่า Op Art พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์กได้จัดแสดงนิทรรศการที่ทะเยอทะยานเกี่ยวกับศิลปะนามธรรมเชิงเรขาคณิตชื่อ The Responsive Eye จูเลียน สแตนซ์ซัคได้รับการรวมอยู่ในงานแสดงนี้ เช่นเดียวกับอาจารย์ของเขาที่เยล โจเซฟ อัลเบิร์ตส, บริดเจ็ท ไรลีย์ และวิคเตอร์ วาซาเรลี รวมถึงศิลปินอีก 95 คนจาก 15 ประเทศ นิทรรศการนั้นกลายเป็นที่มีชื่อเสียงในการแนะนำ Op Art สู่จินตนาการของสาธารณชนอย่างกว้างขวาง แต่ในขณะนั้น MoMA ไม่เคยใช้คำว่า Op Art เพื่ออ้างถึงผลงานในนิทรรศการนี้ แทนที่พิพิธภัณฑ์จะใช้คำว่า perception เพื่อเน้นการสำรวจวิธีใหม่ที่ศิลปินใช้เรขาคณิต สี ผิวหน้า เส้น และแสงในการตรวจสอบว่าผู้คนมองเห็นอย่างไร.

ตามที่ William C. Seits ผู้กำกับการแสดง The Responsive Eye กล่าวในข่าวประชาสัมพันธ์สำหรับการแสดงว่า “งานเหล่านี้มีอยู่ไม่ใช่ในฐานะวัตถุที่จะถูกตรวจสอบ แต่เป็นตัวสร้างการตอบสนองทางประสาทสัมผัสในตาและจิตใจของผู้ชม โดยใช้เพียงเส้น, แถบและลวดลาย, พื้นที่สีเรียบ, ขาว, เทา หรือดำ หรือไม้, แก้ว, โลหะ และพลาสติกที่ตัดอย่างเรียบร้อย ศิลปินทางประสาทสัมผัสสร้างความสัมพันธ์ใหม่ระหว่างผู้สังเกตและงานศิลปะ ประสบการณ์ใหม่เหล่านี้...มีความเป็นจริงอย่างสมบูรณ์ต่อสายตาแม้ว่าจะไม่มีอยู่จริงทางกายภาพในงานเอง” The Responsive Eye ได้ให้การสนับสนุนอย่างมหาศาลต่ออาชีพของ Julian Stanczak รวมถึงศิลปินคนอื่น ๆ ในการแสดง แต่ Stanczak ไม่ได้ย้ายไปนิวยอร์ก ซึ่งเขาสามารถมีชื่อเสียงอย่างมากได้อย่างง่ายดาย แทนที่เขาจะยังคงอยู่ที่คลีฟแลนด์ ซึ่งเขาทำหน้าที่เป็นศาสตราจารย์สอนการวาดภาพเป็นเวลา 38 ปีที่ Cleveland Institute of Art.

จูเลียน สแตนซัค - ชีวิตของพื้นผิว, จิตรกรรม 1970 – 1975, การจัดแสดงที่มิทเชล-อินเนส และแนช นิวยอร์ก, 2017

การระลึกถึงจูเลียน สแตนซัค

จากบ้านของเขาในคลีฟแลนด์ ห่างไกลจากเมืองหลวงของโลกศิลปะ สแตนซ์ซัคยังคงสำรวจสีและแสงในภาพวาดของเขาตลอดชีวิตที่เหลืออยู่ กระบวนการที่ต้องใช้ความพยายามในการทาสีหลายชั้นด้วยมือซ้ายที่ไม่ถนัดของเขานั้นใช้เวลานานและต้องใช้แรงงานมาก แต่ในกระบวนการของเขาเขาพบความสุขและการปลดปล่อย ซึ่งทั้งสองอย่างนี้แผ่ซ่านออกมาจากผลงานของเขาอย่างมาก ตลอดหลายทศวรรษ ภาพวาดของเขาถูกจัดเก็บโดยพิพิธภัณฑ์เกือบ 100 แห่งทั่วโลก แม้ว่าเขาจะถูกมองข้ามโดยแกลเลอรีในนิวยอร์กก็ตาม

แต่ในที่สุดในปี 2004 สแตนซัคกลับมาที่นิวยอร์กด้วยการแสดงเดี่ยวติดต่อกันที่แกลเลอรีสเตฟาน สตักซ์ และในทศวรรษถัดมาเขาได้เข้าร่วมการแสดงกลุ่มหลายครั้งในเมืองนี้ ค่อยๆ กลับมาเป็นที่รู้จักในใจของผู้ซื้อศิลปะอีกครั้ง จากนั้นในปี 2014 เขาได้รับการจัดแสดงครั้งแรกที่มิทเชล-อินเนส & แนช นิทรรศการหลังความตายปัจจุบันของผลงานของเขามีชื่อรองที่สมบูรณ์แบบ เพราะสแตนซัคใช้ชีวิตทั้งชีวิตในการนำชีวิตมาสู่พื้นผิวของภาพวาดของเขา นิทรรศการนี้จะจัดแสดงจนถึงวันที่ 24 มิถุนายน 2017 ดังนั้นรีบไปหากคุณต้องการดูมัน แต่ถ้าคุณพลาดไปก็ไม่ต้องกังวล เมื่อโลกตระหนักถึงอัจฉริยะที่มันสูญเสียไป มันอาจจะเป็นเพียงนิทรรศการแรกที่เฉลิมฉลองมรดกของอาจารย์แห่งสีและเส้นนี้เท่านั้น.

ภาพเด่น: Julian Stanczak - ชีวิตของพื้นผิว, จิตรกรรม 1970 – 1975, การจัดแสดงที่ Mitchell-Innes & Nash, NY, 2017

ภาพทั้งหมดได้รับความอนุเคราะห์จาก Mitchell-Innes และ Nash

โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ