บริจิต ริลีย์ และปรัชญาของลายเส้น

ประสบการณ์ทางประสาทสัมผัสของเราทำให้เราติดต่อกับโลกแห่งอารมณ์ เมื่อเรามองเห็นสิ่งใดสิ่งหนึ่ง ความรู้สึกนั้นในตัวมันเองก็เป็นความรู้สึกประเภทหนึ่ง แต่เรายัง รู้สึก สิ่งต่าง ๆ ตามสิ่งที่เราเห็น ความรู้สึกเหล่านั้นคือสิ่งที่ศิลปินชาวอังกฤษ Bridget Riley ใช้เวลาในช่วงหกทศวรรษที่ผ่านมาในการศึกษา ในปี 1960s ไรลีย์กลายเป็นที่มีชื่อเสียงจากการมีส่วนร่วมในขบวนการศิลปะที่เรียกว่า Op Art ซึ่งตั้งชื่อตามภาพลวงตาทางสายตาที่ผู้ชมมักจะรับรู้ในผลงาน Op Art ได้รับความโดดเด่นในระดับโลกหลังจากความสำเร็จของนิทรรศการที่เรียกว่า The Responsive Eye ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์กในปี 1965 ผลงานจิตรกรรมหลายชิ้นของ Bridget Riley ถูกนำเสนอในนิทรรศการนั้น โดยมีพาเลตสีขาวดำที่เรียบง่ายและลวดลายที่ซ้ำกันซึ่งสร้างความรู้สึกของพลศาสตร์ที่ทำให้ผู้ชมรู้สึกไม่มั่นคงหรือไม่สมดุล ลวดลายในภาพวาดของเธอดูเหมือนจะเคลื่อนไหว แต่ผลงานของ Bridget Riley เกี่ยวกับมากกว่าการหลอกตาด้วยภาพลวงตาทางสายตา มันเกี่ยวกับการรับรู้ มันเกี่ยวกับการที่เรามองอย่างระมัดระวังเพียงใด ว่าเราถือว่าของขวัญแห่งการมองเห็นของเรามีค่าเพียงใด และอารมณ์ของเราสามารถได้รับผลกระทบจากวิธีที่เรามองเห็นโลกของเราได้อย่างไร.

บริดเจ็ท ไรลีย์ วัยเยาว์

ในฐานะที่เป็นศิลปินสาว บริดเจ็ท ไรลีย์ มักจะรู้สึกหงุดหงิด เธอเคยชื่นชอบการได้สำรวจสภาพแวดล้อมรอบตัวในบ้านต่างๆ ของเธอในลอนดอน ลินคอล์นเชียร์ และคอร์นวอลล์อย่างอิสระ เธอมีความอยากรู้อยากเห็นตามธรรมชาติและความปรารถนาที่จะทดลอง แต่ในช่วงอายุ 20 ปี ขณะที่เรียนที่ Royal Academy of Art เธอกลับพบว่าความอยากรู้อยากเห็นและจิตวิญญาณแห่งการทดลองของเธอถูกทำให้หมดกำลังใจโดยอาจารย์ของเธอ เธอจบการศึกษาโดยไม่มั่นใจในตัวเอง และความขาดแคลนทิศทางของเธอก็ยิ่งแย่ลงเมื่อพ่อของเธอถูกนำตัวส่งโรงพยาบาลหลังจากอุบัติเหตุทางรถยนต์ และเธอกลายเป็นผู้รับผิดชอบในการดูแลเขา ความเครียดที่รวมกันนี้ทำให้เธอประสบกับการล่มสลายอย่างสมบูรณ์

จุดเปลี่ยนสู่การฟื้นฟูของไรลีย์เกิดขึ้นเมื่อเธอไปเยี่ยมชมงานนิทรรศการของ Abstract Expressionists ที่ Tate ในลอนดอนในปี 1956 ผลงานของพวกเขาทำให้เธอรู้สึกว่าความปรารถนาที่จะทดลองและสำรวจวิสัยทัศน์ที่แท้จริงของเธอนั้นถูกต้อง และเธอก็เริ่มกลับมาวาดภาพอีกครั้ง เธอได้งานสอนศิลปะให้กับเด็กสาวและรับงานเป็นนักวาดภาพประกอบเชิงพาณิชย์ จากนั้นเธอก็ลงทะเบียนเรียนในชั้นเรียนฤดูร้อนกับแฮร์รี ธับบรอน ซึ่งเป็นที่รู้จักในเรื่องการสนับสนุนพลังขององค์ประกอบต่างๆ เช่น ความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ รูปทรง และลวดลาย.

Bridget Riley - การเคลื่อนไหวในสี่เหลี่ยม, 1961. เทมเพอร่า บนแผ่นไม้แข็ง. 123.2 x 121.2 ซม. คอลเลกชันสภาศิลปะ, ศูนย์เซาท์แบงค์, ลอนดอน. © 2019 Bridget Riley (ซ้าย) / Bridget Riley - การรับเข้า, 1964. อะคริลิก บนผ้าใบ. 178.5 x 178.5 ซม. © 2019 Bridget Riley (ขวา)

ความจริงทางสายตา

ในการศึกษาของเธอกับแฮร์รี ธูบรอน เกี่ยวกับองค์ประกอบทางรูปแบบของความงาม โดยเฉพาะในวิธีที่ตามองเห็นรูปทรงในพื้นที่ ไรลีย์ได้กลับมามุ่งมั่นในการค้นหาน้ำเสียงที่แท้จริงของเธออีกครั้ง เธอได้ย้ายไปอิตาลีในปี 1960 และศึกษาผลงานของ ฟิวเจอริสต์ ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากการสำรวจการเคลื่อนไหว เธอจึงได้ศึกษาความคิดของดิวิชั่นนิสต์ โดยเฉพาะจอร์จ เซอรัต ผลรวมของการศึกษานี้ทำให้เธอพัฒนาวิธีการเฉพาะในการวาดภาพ: วิธีที่เธอสำรวจวิธีการเปลี่ยนพื้นผิวสองมิติ เพื่อส่งผลต่อการรับรู้ทางสายตา.

เธอรู้ว่าการที่จะท้าทายวิธีที่ผู้ชมมองภาพวาดนั้น เธอจะต้องกำจัดเนื้อหาที่เป็นตัวแทนทั้งหมด ภาพที่เป็นตัวแทนจะทำให้เธอเบี่ยงเบนจากแนวคิดหลักของเธอ ดังนั้นเธอจึงทำให้ภาษาทางสายตาของเธอเรียบง่ายขึ้น โดยใช้เพียงสีดำและสีขาว และองค์ประกอบของเส้น รูปร่าง และรูปทรง ในแคตตาล็อกสำหรับ The Responsive Eye ผู้ดูแลวิจารณ์ William C. Seitz เรียกงานที่ไรลีย์กำลังทำว่า "ศิลปะการรับรู้ใหม่" Seitz ได้ยกระดับความคาดหวังสำหรับสิ่งที่ศิลปะนี้สามารถทำได้ไกลเกินกว่าขอบเขตของสิ่งที่เป็นเพียงความงาม เขาถามว่า "งานเช่นนี้ซึ่งไม่อ้างอิงถึงสิ่งใดนอกเหนือจากตัวมันเอง สามารถแทนที่เนื้อหาที่ถูกละทิ้งด้วยประสิทธิภาพทางจิตได้หรือไม่? การเข้าใจและการประยุกต์ใช้ภาพที่มีฟังก์ชันขั้นสูงสามารถเปิดเส้นทางใหม่จากการกระตุ้นเรตินาสู่ความรู้สึกและแนวคิดได้หรือไม่?" นี่คือประเภทของคำถามที่ไรลีย์กำลังถามตัวเองอยู่เช่นกัน.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. อิมัลชันบนผ้าใบ, 70 x 68 1/4 นิ้ว. © 2019 Bridget Riley (ซ้าย) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. อะคริลิกบนผ้าลินิน. ไม่ใส่กรอบ: 6 ฟุต 4 3/4 นิ้ว x 6 ฟุต 3 นิ้ว (194.95 x 190.5 ซม.). ใส่กรอบ: 6 ฟุต 7 3/8 นิ้ว x 6 ฟุต 5 3/4 นิ้ว x 2 3/4 นิ้ว (201.61 x 197.49 x 6.99 ซม.). คอลเลกชันพิพิธภัณฑ์ศิลปะเนลสันแอตกินส์. ได้รับการสนับสนุนจากมูลนิธิวิลเลียม ที. เคมเปอร์ - ธนาคารคอมเมิร์ซ, ผู้ดูแล. © Bridget Riley. สงวนลิขสิทธิ์ทั้งหมด, ด้วยความอนุเคราะห์จาก Karsten Schubert, ลอนดอน (ขวา)

สาธารณะตอบสนอง

การตอบสนองของสาธารณชนต่อ The Responsive Eye นั้นตื่นเต้นมาก ผลกระทบที่น่าหลงใหลและหลอกลวงจากภาพในงานแสดงทำให้ผู้ชมตื่นเต้นอย่างมาก นักออกแบบได้ดัดแปลงลวดลายขาวดำอย่างรวดเร็วและนำไปใช้กับผลิตภัณฑ์ทุกประเภท ตั้งแต่ชุดเดรสไปจนถึงแว่นตา กล่องอาหารกลางวัน และรถยนต์ แต่ความน่าตื่นตานั้นกลับไม่มีเสน่ห์มากนักสำหรับไรลีย์ ซึ่งสนใจในความหมายที่ลึกซึ้งกว่าของผลงานของเธอ ใช่ มันดูเจ๋ง แต่เธอต้องการค้นพบกระบวนการทางจิตที่ทำงานอยู่ใต้พื้นผิวของการปรากฏตัว.

ในปี 1966 ขณะที่สไตล์ขาวดำของเธอได้รับความนิยมในระดับนานาชาติ ไรลีย์ได้เริ่มต้นความพยายามในการขุดลึกเข้าไปในวิสัยทัศน์ของเธอโดยการเพิ่มสีสันให้กับผลงานของเธอ เธอใช้เวลาเป็นเวลาสองปีในการศึกษาและคัดลอกภาพวาด Pointillist ของจอร์จ เซอรัต Bridge of Courbevoie. ในภาพนี้ เธอเห็นความเชี่ยวชาญในโครงสร้างเชิงเส้นและรูปแบบต่างๆ เธอยังเห็นความเชี่ยวชาญในชุดสีที่ผสมผสานกัน ซึ่งเป็นการแสดงให้เห็นว่าการวางสีที่แตกต่างกันข้างกันในวิธีที่คิดอย่างรอบคอบสามารถสร้างความรู้สึกของการเคลื่อนไหวเมื่อถูกมองโดยตามนุษย์.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. อะคริลิคบนผ้าใบ ขนาด 223.5 x 323 ซม. © Bridget Riley

ลายทางตลอดไป

ในขณะที่เธอทำให้พาเลตสีที่เธอใช้ซับซ้อนขึ้น ไรลีย์ก็ทำให้ภาษาของรูปทรงเรียบง่ายขึ้นในเวลาเดียวกัน เธอแทบจะกำจัดสี่เหลี่ยม สามเหลี่ยม และวงกลมออกไป และมุ่งเน้นไปที่ลายเส้นเป็นหลักตลอดช่วงปี 1970 และ 1980 ลายเส้นช่วยให้สามารถศึกษาเรื่องการทำซ้ำได้ง่าย ซึ่งไรลีย์มองว่าเป็นสิ่งสำคัญในการทำให้ผู้คนมองภาพด้วยความตั้งใจ รูปแบบของลายเส้นยังมีความมั่นคงพื้นฐานอีกด้วย ความมั่นคงนั้นที่เธอค้นพบว่าสำคัญต่อการศึกษาเรื่องสี เพราะสีมีความไม่มั่นคงพื้นฐาน เนื่องจากการรับรู้สีขึ้นอยู่กับปัจจัยอื่น ๆ เช่น แสงและสีรอบข้าง.

ไรลีย์ใช้การผสมผสานระหว่างเส้นตรงและเส้นคลื่นในแนวนอนและแนวตั้ง เธอเริ่มแต่ละชิ้นงานบนกระดาษแผ่นเล็ก ๆ โดยทดสอบการรวมสีและลวดลาย เมื่อเธอได้การรวมสีและลวดลายเส้นที่ดูเหมือนจะเคลื่อนไหว เธอจึงถ่ายโอนไปยังผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่เธอทาสีด้วยมือ ทุกเส้นในภาพวาดเส้นสีสันสดใสของเธอมีการพัฒนาของสีที่แตกต่างกันผสมผสานเข้าด้วยกันในวิธีที่แม่นยำ เพื่อให้ตามองเมื่อมองไปที่แต่ละเส้นรับรู้ถึงสีถัดไป การพัฒนานั้นสร้างความรู้สึกของการเคลื่อนไหวเมื่อดวงตามองข้ามพื้นผิว.

สายตาแห่งดนตรี

ในขณะที่ความเสถียรของลายเส้นมีความสำคัญต่อการค้นพบสีของเธอ แต่ท้ายที่สุด สีคือสิ่งที่ช่วยให้เธอบรรลุวิสัยทัศน์ทางสุนทรียศาสตร์ของเธอ เธอกล่าวว่า “เสียงดนตรีของสี นั่นคือสิ่งที่ฉันต้องการ” เช่นเดียวกับศิลปินคนอื่น ๆ อีกมากมาย ตั้งแต่เซอเรต์ไปจนถึง จาคอโม บัลล่า ไปจนถึง โซเนีย เดอลอแนย์ ไปจนถึง โจเซฟ อัลเบิร์ส ที่ได้ตระหนักว่า ทุกสีสามารถกระตุ้นการตอบสนองทางอารมณ์ได้ และเมื่อใช้ร่วมกัน สีต่าง ๆ จะดูเหมือนสั่นสะเทือน สร้างการตอบสนองทางอารมณ์ที่ไม่สามารถคาดเดาได้ในผู้ชม ความไม่แน่นอนนั้นช่วยให้ไรลีย์บรรลุเป้าหมายที่เธออ ideal สำหรับการวาดภาพ ซึ่งเธอกล่าวว่าต้อง “มอบประสบการณ์; มอบความเป็นไปได้.”

การค้นพบด้านสุนทรียศาสตร์ที่ไรลีย์ได้ทำผ่านภาพวาดที่มีสีสันและลายทางเกิดขึ้นเพราะเธอเป็นนักทดลองที่แม่นยำ เธอจดบันทึกอย่างเข้มงวดเกี่ยวกับการรวมกันของสีและลวดลายแต่ละแบบที่เธอลอง เพื่อให้สามารถทำซ้ำได้หากจำเป็น แต่ถึงแม้ว่าการทดลองของเธอกับสีและลายทางจะดูเหมือนเป็นวิทยาศาสตร์ แต่จริงๆ แล้วไม่ใช่ อย่างน้อยก็ไม่ในแง่ที่พวกเขาพยายามพิสูจน์สมมติฐาน แต่พวกเขาเป็นศิลปะ ในแง่ที่ว่าพวกเขามุ่งหวังที่จะค้นพบสิ่งที่ไม่รู้จักและทำให้มันปรากฏออกมา.

Bridget Riley - Carnival, 2000. สกรีนพริ้นท์สีบนกระดาษวูฟ พร้อมขอบเต็ม 28 3/5 × 35 9/10 นิ้ว 72.7 × 91.1 ซม. รุ่น 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

วัตถุประสงค์หลัก

วันนี้ ในวัยกลาง 80 ปี ราอิลียังคงวาดภาพอยู่ เธอสำรวจการผสมผสานระหว่างรูปทรงเรขาคณิต รูปทรงโค้ง และเส้นทแยงมุม รูปแบบของภาพวาดใหม่ของเธอกว้างขวางกว่ามาก สร้างความประทับใจที่แตกต่างออกไป และกระตุ้นความรู้สึกที่แตกต่างออกไป ภาพวาดลายทางของเธอในอดีตหลายทศวรรษยังคงเป็นการแสดงออกที่ทรงพลังของการสอบถามเกี่ยวกับการรับรู้ที่เธอมีมาอย่างยาวนาน พวกมันไปไกลกว่าการหลอกตาเพียงแค่เข้าสู่ขอบเขตของการรับรู้ที่ลึกซึ้งและเป็นอัตวิสัย.

สิ่งที่สำคัญเกี่ยวกับงานเหล่านี้คือมันท้าทายไม่เพียงแค่วิธีที่เรามองมัน แต่ยังรวมถึงวิธีที่เรามองทุกสิ่งอีกด้วย เส้นที่ไรลีย์ใช้เรียบง่ายเหมือนรูปแบบอาจจะเป็น แต่การเปลี่ยนแปลงที่ปรากฏขึ้นเมื่อเราตรวจสอบมันดูเหมือนจะไม่มีที่สิ้นสุด ไรลีย์เคยกล่าวว่า “การทำซ้ำทำหน้าที่เป็นตัวขยายเหตุการณ์ทางสายตาที่เมื่อมองเดี่ยวๆ จะไม่สามารถมองเห็นได้เลย” เส้นของเธอแสดงให้เห็นถึงปรัชญานั้น: ว่าความซับซ้อนซ่อนอยู่ใต้ความเรียบง่ายที่ดูเหมือนของโลกทางสายตาของเรา หากเราใช้เวลาในการสังเกตอย่างแท้จริง พวกมันขอให้เรามองอย่างระมัดระวังและใกล้ชิด และชื่นชมของขวัญอันมีค่าของการมองเห็นอย่างเต็มที่.

ภาพเด่น: บริดเจ็ท ไรลีย์ - การสนทนา (รายละเอียด), 1992. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 92 x 126 ซม. คอลเลกชันศิลปะแอบบอทฮอลล์. ซื้อในปี 1996. © บริดเจ็ท ไรลีย์
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ