การซื้อที่ดีที่สุดของคุณในสัปดาห์นี้ - ศิลปะโดยศิลปินนามธรรมชาวอเมริกัน!

การเปิดนิทรรศการ Uncharted: American Abstraction in the Information Age ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งมหาวิทยาลัยฮอฟสตรา ซึ่งจัดแสดงผลงานของสมาชิก 8 คนจากองค์กร American Abstract Artists อย่างเรียบง่ายและไร้พิธีรีตองเมื่อไม่นานมานี้ ยิ่งตอกย้ำความสนใจที่มีต่อศิลปะนามธรรมอเมริกันมาโดยตลอดและยังคงดึงดูดใจ ปีที่กำลังจะมาถึงจะนำพาการเฉลิมฉลองศิลปินนามธรรมอเมริกันในรูปแบบของตัวเองมาให้ - จึงเป็นเวลาที่เหมาะสำหรับคุณในการซื้อ ศิลปะนามธรรมอเมริกัน!

จากกิจกรรมมากมายในปีหน้าที่จัดขึ้นเพื่อยกย่องศิลปินนามธรรมอเมริกัน มีอยู่สองงานที่ห้ามพลาด พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งบัลติมอร์ (BMA) และพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ซานฟรานซิสโก (SFMOMA) จะร่วมกันจัดนิทรรศการย้อนหลังครั้งใหญ่ของ Joan Mitchell นิทรรศการจะเปิดที่บัลติมอร์ในเดือนเมษายน 2020 เดินทางไปซานฟรานซิสโกในเดือนกันยายน 2020 จากนั้นย้ายไปยังพิพิธภัณฑ์ Solomon R. Guggenheim ในนิวยอร์กในเดือนกุมภาพันธ์ 2021 นอกจากนี้ Tate Modern จะจัดแสดงผลงานห้าชิ้นของ Helen Frankenthaler (จนถึงวันที่ 15 พฤศจิกายน 2020) ซึ่งสร้างขึ้นระหว่างปี 1951 ถึง 1977 และยืมมาจาก Helen Frankenthaler Foundation มาร่วมเฉลิมฉลองศิลปะนามธรรมอเมริกันระดับโลกครั้งนี้ด้วยการแบ่งปันผลงานชั้นเยี่ยม 10 ชิ้นที่น่าทึ่งที่สุดจากศิลปินนามธรรมอเมริกัน

Tracey Adams - (r) evolution 39

(r) evolution 39 สะท้อนความหลงใหลของ Adams ที่มีต่อทั้งทฤษฎีดนตรีและคณิตศาสตร์อย่างลึกซึ้ง ซึ่งย้อนกลับไปถึงช่วงเวลาที่เธอศึกษาอยู่ที่ New England Conservatory ในบอสตัน ในชุดผลงาน (r) evolution (2014-2015) Adams มุ่งเน้นเรื่องแบบแผน จังหวะ และช่วงห่างของโน้ต และใช้ภาพวาดจุดเพื่อถ่ายทอดสิ่งที่เธออธิบายว่าเป็นความรู้สึกของการแสดง เธอวาดภาพด้วยชั้นสีขี้ผึ้งเคลือบหลายชั้น และติดวงกลมกระดาษญี่ปุ่นที่ตัดด้วยมือและจุ่มในสีขี้ผึ้งเคลือบ จนแต่ละจุดถูกปกคลุมด้วยสื่อสีขี้ผึ้งเคลือบใส จากนั้นทาสีน้ำมันเพื่อสร้างมิติเชิงพื้นที่อันเป็นเอกลักษณ์ ด้วยการสร้างสมดุลระหว่างการวางแผนอย่างเคร่งครัดกับสัญชาตญาณที่ไร้กรอบ โครงสร้างตารางที่วางแผนไว้ของเธอค่อยๆ ละลายหายไป ขณะที่กระบวนการสร้างสรรค์ไหลไปสู่การถ่ายทอดที่มีจังหวะและท่วงทำนอง Adams เป็นจิตรกรและช่างพิมพ์ภาพนามธรรม อาศัยและทำงานอยู่ที่เมืองคาร์เมล รัฐแคลิฟอร์เนีย

Tracey Adams - (r) evolution 39, 2015 สีขี้ผึ้งเคลือบผสมสี, สีน้ำมัน และคอลลาจบนแผ่นไม้ 101.6 x 101.6 ซม.

Paul Behnke - Vandervoort Place

Vandervoort Place เป็นตัวอย่างอันโดดเด่นของปฏิสัมพันธ์อย่างใส่ใจระหว่างองค์ประกอบทางรูปแบบ - รูปทรง ปฏิสัมพันธ์ของสี และการลงสี ขณะเดียวกัน Behnke เน้นย้ำคู่ตรงข้ามอย่างหนา/บาง เร็ว/ช้า และแข็ง/นุ่มภายในปฏิสัมพันธ์ขององค์ประกอบทางรูปแบบนี้ แม้ภาพเริ่มต้นและการลงสีจะเต็มไปด้วยความสับสนวุ่นวาย แต่< a href="/th/blogs/magazine/hard-edge-painting-and-the-aesthetics-of-abstract-order" class="art-link">ฮาร์ดเอดจ์ รูปทรงที่ลดทอน และสีสว่างแบนราบ กลับค่อยๆ ปรากฏขึ้นในกระบวนการ สื่อถึงผลงานโมเดิร์นนิยมโรแมนติกเชิงรูปแบบที่มีลักษณะเป็นไอคอน รอยนูน ฟองอากาศ และสันนูนบ่งบอกอย่างชัดเจนถึงการมีส่วนร่วมอย่างเป็นส่วนตัว (และโดยกายภาพ) ของ Behnke รวมถึงความเป็นวัตถุของภาพวาดเขา Behnke เป็นจิตรกรนามธรรมผู้ให้ความสำคัญกับรูปทรง อาศัยและทำงานอยู่ในนิวยอร์ก

Paul Behnke - Vandervoort Place, 2012 สีอะคริลิกบนผ้าใบ 91.4 x 96.5 ซม.

Macyn Bolt - Intersect (Blue)

ผลงานอะคริลิกบนผ้าใบชิ้นนี้เผยให้เห็นความตึงเครียดชวนอึดอัดที่เกิดจากความแตกต่างระหว่างฉากหน้า/ฉากหลัง จุดศูนย์กลาง/ขอบ และภายใน/ภายนอก ความแตกต่างนี้ปรากฏผ่านรูปทรงหลากหลายที่ก่อให้เกิดปริศนาทางสายตา ตัวปริศนาไม่ได้มีไว้เพื่อแก้ไข แต่มีไว้เพื่อเปิดพื้นที่ให้เกิดการตีความและความท้าทายทางการรับรู้ที่แตกต่างกัน คำศัพท์ทางเรขาคณิตของ Bolt ซึ่งมีต้นกำเนิดจากแบบแผนทางสถาปัตยกรรม วางกรอบเชิงความหมายสำหรับการทำความเข้าใจผลงานของเขา ดังนั้น ปริศนาทางสายตาที่เกิดจากความสัมพันธ์เชิงพื้นที่และปฏิสัมพันธ์ระหว่างสีกับรูปทรงจึงดึงดูดผู้ชมและพาเขาหรือเธอเข้าสู่ประสบการณ์ครุ่นคิดกับการตีความอันคลุมเครือ Bolt เป็นที่รู้จักจากผลงานที่สำรวจว่าสีและรูปทรงส่งผลต่อการรับรู้ทางสายตาอย่างไร เขาอาศัยและทำงานอยู่ในนิวยอร์กและเพนซิลเวเนีย

Macyn Bolt - Intersect (Blue), 2017 สีอะคริลิกบนผ้าใบ 96.9 x 122 ซม.

Holly Miller - Shout 2

ชุดผลงาน Shout ฝังความรู้สึกขุ่นเคืองและวิตกกังวลที่เกิดขึ้นเพื่อตอบสนองต่อความขัดแย้งในสังคมอเมริกันร่วมสมัยไว้อย่างละเอียดอ่อน อย่างไรก็ตาม Miller พยายามถ่ายทอดอารมณ์ที่มองโลกในแง่ดีและเป็นบวกมากขึ้น ด้วยการผสมผสานประติมากรรม จิตรกรรม และการวาดเส้นอันเป็นเอกลักษณ์ของเธอ การใช้เส้นด้ายช่วยเน้นกำแพงทางกายภาพที่ขัดจังหวะรูปทรงและหยุดไม่ให้รูปทรงเหล่านั้นเชื่อมต่อกัน ขณะที่ความโปร่งใสเปิดโอกาสให้ผู้ชมก้าวผ่านเส้นเหล่านั้นเข้าสู่พื้นผิวที่วาดไว้ Shout 2 แสดงให้เห็นการแยกแยะประสบการณ์ ความคิด และอารมณ์ของ Miller อย่างละเอียดถี่ถ้วน ขณะที่เธอสร้างภาษาส่วนตัวที่แท้จริงซึ่งเป็นแก่นของผลงาน เธอเป็นศิลปินนามธรรมผู้มุ่งผสานสิ่งที่มองเห็นเข้ากับสิ่งที่สัมผัสได้ผ่านภาษาของนามธรรม อาศัยและทำงานอยู่ในนิวยอร์ก

Holly Miller - Shout 2, 2017 สีอะคริลิก กราไฟต์ และด้ายบนผ้าใบ 91.5 x 91.5 ซม.

Melissa Meyer - Ambassade 47

Ambassade 47 เป็นส่วนหนึ่งของชุดสีน้ำ Ambassade ซึ่งตั้งชื่อตามโรงแรมโปรดของ Meyer ในอัมสเตอร์ดัม ผลงานของเธอซึ่งเชื่อมโยงกับศิลปินเอ็กซ์เพรสชันนิสต์นามธรรมรุ่นที่สาม สะท้อนแนวทางการวาดภาพที่อาศัยสัญชาตญาณและความรู้สึก เธอได้รับแรงบันดาลใจจากความประทับใจชั่วขณะของสี ร่องรอย หรือท่าทาง ก่อนต่อยอดด้วยการสำรวจขอบเขตสุดท้ายของสีและเส้น ผลงานสีสันสดใสชิ้นนี้ถ่ายทอดความรู้สึกส่วนตัวและแก่นแท้ชั่วคราวของความเป็นจริงผ่านภาษาทางสุนทรียะอันทรงพลังและน่าหลงใหล Meyer เป็นจิตรกรและช่างพิมพ์ภาพนามธรรมผู้มีผลงานหลากหลาย อาศัยและทำงานอยู่ในนิวยอร์ก

Melissa Meyer - Ambassade 47, 2007 สีน้ำบนกระดาษอัดร้อน 50.8 x 81.3 ซม.

Yari Ostovany - Orquevaux 11

ชุดผลงานใหม่นี้ตั้งชื่อตามปราสาทที่ใช้เป็นสถานที่พำนักของศิลปิน ณ Chateau d’Orquevaux ประเทศฝรั่งเศส ถ่ายทอดการผสมผสานอันลึกลับของศิลปะ ประเพณี และจิตวิญญาณแบบตะวันตกและตะวันออก Orquevaux 11 ฝังการแปรเปลี่ยนเชิงเล่นแร่แปรธาตุขององค์ประกอบทางรูปแบบ เช่น แสง สี พื้นผิว และพื้นที่ ให้กลายเป็นองค์ประกอบซับซ้อนที่มีความเป็นองค์รวมเหนือกว่าส่วนประกอบ Ostovany มีภูมิหลังทางวัฒนธรรมอันหลากหลาย ซึ่งส่งผลต่อการยึดมั่นทางศิลปะของเขาที่มีต่อเอ็กซ์เพรสชันนิสม์นามธรรมและจิตรกรรมคัลเลอร์ฟิลด์ ก่อให้เกิดผลงานที่แตกต่างแต่เสริมกันอย่างลึกซึ้ง Ostovany สร้างภาพวาดคัลเลอร์ฟิลด์ที่มีพื้นผิวและชั้นสีเข้มข้น สะท้อนการสำรวจเรื่องการแปรสภาพและการเปลี่ยนสภาวะของสสาร เขาเป็นศิลปินนามธรรมอเมริกันที่เกิดในอิหร่าน เคยอาศัยอยู่ในเตหะราน โคโลญ ลอสแอนเจลิส นิวยอร์ก และรีโน ปัจจุบันอาศัยและทำงานอยู่ในซานฟรานซิสโก

Yari Ostovany - Orquevaux 11, 2018 สีอะคริลิกบนผ้าใบ 152 x 108 ซม.

Clay Johnson - Lying Dutchman #4

เทคนิคการใช้สีอะคริลิกบนไม้ที่ละเอียดและเข้มข้นของ Johnson เผยให้เห็นแนวทางการวาดภาพอันเป็นเอกลักษณ์ของเขา เขาเชื่ออย่างแน่วแน่ว่าไม่มีสิ่งที่เรียกว่าแรงบันดาลใจ และมองศิลปะของตนเป็นวิวัฒนาการ โดยภาพแต่ละชิ้นเป็นผลจากชุดการตอบสนองเชิงวิพากษ์ต่อการตัดสินใจทางสุนทรียะก่อนหน้า เขาเริ่มกระบวนการสร้างสรรค์ด้วยการติดเทปกั้นเส้นขอบฟ้าหนึ่งเส้นหรือมากกว่า จากนั้นเลือกสีหนึ่งสีตามสัญชาตญาณเพื่อชี้นำองค์ประกอบทั้งหมดไปข้างหน้า สี เส้น และพื้นผิวจะปรากฏขึ้นเพียงเพื่อถูกทำลาย สร้างพื้นที่ให้เกิดการค้นพบทางสายตาใหม่ๆ ที่ไม่คาดคิด ในท้ายที่สุด Lying Dutchman #4 เผยให้เห็นส่วนสำคัญที่สุดของผลงาน Johnson - เขาพัฒนาคำบรรยายของการสร้างภาพวาดขึ้นมาเอง ซึ่งเปิดทางสู่การตีความเชิงอภิปรัชญา พื้นผิวแข็งอย่างไม้ทำให้เขาใช้วิธีการได้อย่างเต็มความเข้มข้น ขณะที่สีอะคริลิกช่วยให้แห้งเร็วและเกิดปฏิกิริยาที่ฉับไวและไม่คาดคิด Johnson เป็นจิตรกรนามธรรมผู้มีชื่อเสียงจากองค์ประกอบแบบลดทอน อาศัยและทำงานอยู่ที่เมืองลารามี รัฐไวโอมิง

Clay Johnson - Lying Dutchman #4, 2019 สีอะคริลิกบนแผ่นไม้ 91.44 x 91.44 ซม.

Jessica Snow - Finite Field

Snow เป็นศิลปินสหสาขาที่มีความเชี่ยวชาญ จึงเลือกใช้สีอะคริลิกบนกระดาษเพื่อถ่ายทอดรูปทรงเรขาคณิตที่มีสีสันและความสนุกสนานอันโดดเด่นของเธอ Finite Field จับคู่รูปทรงขี้เล่นกับสีสันทรงพลัง เส้นลีลาที่เป็นธรรมชาติ รูปทรงเรขาคณิต และรูปทรงเชิงเส้นได้อย่างมีเอกลักษณ์ Snow ได้รับแรงบันดาลใจจากภูมิทัศน์และเรือใบเชิงนามธรรมที่ยังคงตัดสินใจเลือกเส้นทางอยู่ว่ารูปทรงสีเขียวเกี่ยวข้องกับท่าเรือแบบเรียบง่าย พุ่มไม้ หรือรูปทรงนามธรรม ซึ่งปล่อยให้ผู้ชมเป็นผู้ตีความ เธอชอบให้ผลงานเปิดกว้างต่อการตีความ สนับสนุนการอ่านความหมายที่หลากหลาย และพาผู้ชมแต่ละคนเข้าสู่จักรวาลสัญศาสตร์ของตนเอง Snow เป็นศิลปินสหสาขา ปัจจุบันสอนจิตรกรรม การวาดเส้น และประวัติศาสตร์ศิลป์ที่ University of San Francisco

Jessica Snow - Finite Field, 2016 สีอะคริลิกบนกระดาษ 45 x 38 ซม.

Anya Spielman - Effloresce

Effloresce บรรจุความตึงเครียดอันลึกซึ้งและคลุมเครือระหว่างความรักกับความรุนแรงไว้ในภาพดอกไม้ที่ถูกบดขยี้และมีเลือดไหล ซึ่งแสดงออกอย่างสดใสและทรงพลัง พื้นผิวที่มีสีอิ่มตัวของ Spielman เปล่งประกาย โดยมีชั้นเงาและชั้นด้านสลับกันไปพร้อมกัน สีแดงและชมพูสื่อถึงเนื้อและเลือด ส่วนสีครีมอ่อน เหลือง และส้มในจานสีของเธอชวนให้นึกถึงของเหลวในร่างกาย การปรากฏทางกายภาพของสีนี้ถูกแยกโครงสร้างด้วยรอยเล็บหยาบและรอยแผลเป็น ซึ่งจารึกแนวคิดและภาพที่ถูกถอดรหัสไว้ลึกลงไปในภาพวาด Spielman เป็นที่รู้จักจากการสำรวจพลังและรูปแบบแบบทวิภาค เธออาศัยและทำงานอยู่ในเขตลอสแอนเจลิส

Anya Spielman - Effloresce, 2009 สีน้ำมันบนกระดาษ 73.7 x 104.2 ซม.

Tom McGlynn - Survey 2

ผลงานอะคริลิกบนกระดาษ Fabriano ชิ้นนี้เป็นส่วนหนึ่งของชุดผลงานที่ดำเนินต่อเนื่องมาตั้งแต่ปี 2012 โดยกล่าวถึงการทดสอบพฤติกรรมอย่างหลวมๆ แต่ก็เกี่ยวข้องกับปัญหาที่ว่าภาพร่วมสมัยถูกกวาดมองอย่างไร ปริศนาเชิงการตีความนี้หลีกหนีการระบุความหมายอย่างตายตัว และล่อลวงผู้ชมให้เข้าสู่การแสวงหาความหมายที่เลือนรางผ่านการครุ่นคิด McGlynn สำรวจว่าสัญลักษณ์ โลโก้ แบบแผนทางสถาปัตยกรรม และรูปแบบกับรูปทรงทางสายตาร่วมสมัยอื่นๆ สามารถกระตุ้นความหมายตกค้างที่ซ่อนอยู่ลึกในจิตสำนึกและจิตไร้สำนึกของเราได้อย่างไร แนวทางแบบรูปแบบนิยม หรือพูดให้แม่นยำกว่านั้นคือแนวทางหลังมินิมัลลิสม์ของเขา แฝงความซับซ้อนของความหมายไว้อย่างเป็นนัย ผลงานของ McGlynn วาดด้วยมืออย่างทรงพลังและแม่นยำ โดยอาศัยรูปแบบสี่เหลี่ยมเพื่อถ่ายทอดประสบการณ์เชิงภววิทยาของศิลปิน McGlynn เป็นศิลปินนามธรรม ภัณฑารักษ์อิสระ และนักเขียน อาศัยอยู่ในเขตมหานครนิวยอร์ก

Tom McGlynn - Survey 2, 2013 สีอะคริลิกบนกระดาษ Fabriano 55.8 x 83.8 ซม.

ค้นพบศิลปะนามธรรมอเมริกันเพิ่มเติม!

แหล่งข้อมูล

• Uncharted: American Abstraction in the Information Age, พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งมหาวิทยาลัยฮอฟสตรา: หน้าพิพิธภัณฑ์ที่แสดงรายชื่อสมาชิก 8 คนของ American Abstract Artists ในงานนิทรรศการ ซึ่งจัดแสดงระหว่างวันที่ 28 มกราคมถึง 19 มิถุนายน 2020
• BMA เตรียมเปิดนิทรรศการย้อนหลังครั้งใหญ่ของศิลปิน Joan Mitchell, พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งบัลติมอร์: ข่าวประชาสัมพันธ์จากพิพิธภัณฑ์ที่ยืนยันนิทรรศการย้อนหลัง Joan Mitchell ของ BMA และ SFMOMA โดยกำหนดการภายหลัง (SFMOMA 2021, BMA 2022) แตกต่างจากวันที่ที่อ้างไว้ในบทความ
• นิทรรศการ Helen Frankenthaler ที่ Tate Modern, ข่าวประชาสัมพันธ์จาก Tate: ข่าวประชาสัมพันธ์ของ Tate ที่อธิบายการจัดแสดงผลงาน Frankenthaler ห้าชิ้นเป็นเวลาหนึ่งปี โดยสี่ชิ้นยืมมาจาก Helen Frankenthaler Foundation