大都会博物馆探索抽象表现主义的深远遗产

纽约大都会艺术博物馆第五大道馆本周开幕了史诗般的抽象艺术：从波洛克到赫雷拉展览。展出超过50件过去一个世纪最引人注目的抽象艺术大师的主要作品，展览名副其实地探讨了宏大规模的影响。宏大有时通过巨型艺术品表现——如占据画廊主导地位的路易丝·内维尔森雕塑《N夫人的宫殿》（1964–77）——有时通过宏大的理念表现——如运用自动绘画创作出传达潜意识秘密的作品——有时通过技术手法表现，如桑顿·戴尔复杂的拼贴作品。同时，展览副标题“从波洛克到赫雷拉”指向两个总体概念。首先是理论认为，杰克逊·波洛克在20世纪40年代的作品——策展起点的那个十年——标志着抽象艺术世界的重大转变：那时“大”真正被视为更好。其次是相对未被充分认可的艺术家如古巴出生的极简主义艺术家卡门·赫雷拉——她在101岁时于2016年在惠特尼美国艺术博物馆举办了她的首次回顾展——其作品与知名巨星同样重要。事实上，展览中还有许多鲜为人知的艺术家作品，如前述的拾荒拼贴艺术家桑顿·戴尔；臭名昭著的具体美术团体成员白髪一雄，他创作了开创性的（字面意义上的）表演作品《挑战泥浆》（1955）；以及创新的匈牙利抽象画家伊洛娜·凯塞鲁。策展还延伸至当代，展出年轻抽象艺术家如查凯亚·布克和马克·布拉德福的作品。策展人在展览说明中还提出的核心假设是，存在主义焦虑是70年前激励抽象艺术家创作史诗作品的驱动力。展览或许会让你思考：史诗般的抽象艺术是否缓解了我们的焦虑？还是仅仅帮助我们接受存在焦虑作为人类基本状态？

历史中的一席之地

《史诗般的抽象艺术》中包含的著名艺术家名单会让任何艺术史爱好者兴奋不已：除了上述巨匠，还有海伦·弗兰肯塔勒、琼·斯奈德、西·特温布利、巴内特·纽曼、弗朗茨·克莱因、威廉·德库宁、克利福德·斯蒂尔、马克·罗斯科、赫达·斯特恩、琼·米切尔、埃尔斯沃斯·凯利、罗伯特·曼戈尔德和莫里斯·路易斯的作品。还有许多对大多数观众来说较为陌生的艺术家作品，如日本书法抽象艺术家井上有一、菲律宾抽象艺术家阿方索·奥索里奥、极简主义雕塑家Anne Truitt，以及阿根廷色彩天才亚历杭德罗·普恩特。然而，除了这场历史性冲击的规模外，我认为最史诗般的是两件作品实际上颠覆了展览副标题中隐含的叙事。通过列出波洛克和赫雷拉并将他们与其他艺术家区分开来，策展人似乎在暗示抽象表现主义和极简主义是最具影响力的艺术运动，且绘画是展览的主要焦点。但波洛克和赫雷拉的作品、方法和成就虽精彩，却远非本次展览中最史诗般的。

在我看来，这一荣誉属于路易丝·内维尔森和桑顿·戴尔。展出的内维尔森雕塑会让从未见过她作品的观众质疑为何人们谈论波洛克时忽略了她，毕竟她是波洛克的同时代人。她的作品在技术上更严谨，概念上更引人入胜，更贴合纽约精神——她和波洛克都在此工作。波洛克实际上是借鉴并完善了其他艺术家的理念和方法，开辟了一些新路。随后因与有影响力的评论家关系密切而成名后，他自我毁灭。他的画作令人着迷，但内维尔森成就更大，更具原创性，创作时间更长，留下了更引人深思的艺术和思想遗产。

长久缺失的声音

还有桑顿·戴尔。他的《田野的阴影》（2008）在我眼中和心中是展览中最令人难忘的作品。其史诗般的特质体现在材料、构造、色彩以及潜藏于形态中的物质与精神世界。作品由拾得和废弃的材料组装而成，旨在唤起戴尔1928年出生时所处的不公且残酷的佃农制度遗产。这件由麻绳、人造棉絮、麻布、金属板、布片和金属组成的巨大拼贴作品，具有疲惫的物理存在感，体现了坚硬与脆弱的结合。创作时艺术家已80岁，显示出他自学成才的手法。事实上，当波洛克发家致富并酗酒自毁时，戴尔却生活贫困，拼命工作以求生存，在一个种族歧视的社会体系中，大多数黑人美国人不仅作为艺术家，甚至作为付费观众都被排除在博物馆之外。

或许随着展览时间的推移，关于“史诗”的定义会出现新的诠释，更强大、更引人入胜的作品将加入展出——毕竟展览日期尚未确定，展品来自大都会艺术博物馆永久收藏，且会定期更换。但目前来看，作为大都会最近收藏的十件戴尔作品之一的《田野的阴影》最具史诗意义。它表明，一位未经正规训练的南方黑人佃农创作了过去70年中最有力且意义深远的抽象艺术作品，超越了那些享有更多特权和机会的艺术家。它也表明，虽然焦虑确实是我们人类状态中不可避免的一部分，但由此产生的艺术可以且常常是救赎之恩。

配图：路易丝·内维尔森 - 《N夫人的宫殿》，1964–77。彩绘木材、镜子，尺寸140 x 239 x 180英寸（355.6 x 607.1 x 457.2厘米）。大都会艺术博物馆，艺术家赠送，1985 © 2018 路易丝·内维尔森遗产 / 艺术家权利协会（ARS），纽约
作者：Phillip Barcio