今天中国抽象艺术中最具创新性的代表是谁？
“中国抽象艺术”这个词组让我感到困惑。中国拥有当今世界上最长且连续不断的艺术创作传统。这个传统博大精深，远比西方艺术传统复杂得多。西方对“抽象”一词的理解主要指的是缺乏具象表现。但在中国，非具象艺术有着完全不同的历史，这段历史既政治性强又具有审美意义。而“抽象”一词对中国人来说，意味着的不仅仅是缺乏具象。尽管如此，我一直认为，在某种深层次上，如果东西方文化能更频繁地就此话题交流，或许能产生对“抽象”意义的某种普遍理解。为此，最近在香港开幕的中国抽象艺术展为我打开了一些门，也让我获得了更深层次的理解。时间线：中国抽象艺术，于2018年10月10日前在10 Chancery Lane画廊展出，展出了四位当代中国抽象艺术家的作品，他们的创作特别聚焦于线条元素。策展人唐锥在展览文案中指出，“他们的‘抽象’与西方现代主义经典抽象作品截然不同。他们并非旨在呈现绝对理念，也不追求艺术史学家克莱夫·贝尔所理论化的‘重要形式’方法，也不趋向极简主义的彻底物质主义。创作根植于日常手工制作过程，艺术家用自身与作品对象进行长时间的持续对话。”这段话表明，中国艺术家对“抽象”一词的使用和理解确实有其特殊之处。但它也暗示了“抽象”一词的普遍性，并表明我作为当代西方人对抽象艺术价值的理解，或许并没有那么不同。
线性深度
参加“时间线：中国抽象艺术”展的艺术家均出生于1973年至1981年间。三位接受过正规艺术教育，一位为自学成才。他们的创作方法各具特色，但也展现出若干共性。刘文涛曾在北京和马萨诸塞州接受训练。他用石墨在画布上绘制细腻的线条，创造出复杂的几何错视形态。他的作品桥接了西方现代主义历史与根植于严谨、简约和重复的中国独特实践。迟群毕业于北京中央美术学院壁画专业，获硕士学位。她的画作质感丰富，层次深厚，几乎看起来像是织物。但实际上你看到的是多达八层颜料的叠加，经过细致涂抹和刮除。作品介于绘画与浮雕之间，体现了一种根植于自然、依赖内在关系的思维与行动体系。
迟群 - 四线 - 灰蓝棕，2017年，布面油画，150 x 100 厘米
蒋伟涛曾在上海接受正规训练。他的油画光彩夺目，唤起了格子视觉语言，但其创作过程类似于重复书写，每天叠加新的线条层，逐渐形成超越单个笔触界限的图案。最后，顾本池是一位自学成才的艺术家，他的作品由手工编织的线条组成。这些线条相互交织，构建出几何线性图案。乍看之下像是画在表面的笔触，实则是积累成某种表面的实物材料。这些作品的概念意义令我着迷，它们玩味二维与三维的概念，以及表面与线条之间的所谓差异。除了绘画，顾本池还将此技法延伸至雕塑和大型装置。此次展览中，他创作了一个窗户装置，将画廊的透明玻璃外墙转变为艺术作品。
蒋伟涛 - 生命租约，2017年，木板油画，76 x 76 厘米
无关紧要的形式
对我来说，显而易见的是，这些艺术家最关心的是他们创作时所经历的个人体验。这种体验远比他们创作出的物件更为重要。策展人唐锥对本次展览的评论中最具启发性的是他提到了20世纪英国艺术评论家克莱夫·贝尔及其“重要形式”理论。贝尔相信“审美情感”，他认为如果我们能理解激发人类审美情感的品质，就能最终发现艺术品与其他物品的区别。他认为“重要形式”是能激发或唤醒审美情感反应的形式。正如唐锥在文中指出的，这次展览的作品并非旨在激发情感的物件，而是揭示过程和时间流逝的物件。它们旨在被用作沉思的媒介，通过这一过程，我们有机会理解各种关系——我们与艺术之间；我们与艺术家之间；艺术与宇宙之间；或我们自身与万物之间的关系。
刘文涛 - 待定，2012年，亚麻布铅笔画，150 x 150 厘米
换言之，这些艺术品是无关紧要的形式。它们不是重点，而是揭示某个重点的媒介。但由于它们是抽象的，因此并不解释那个重点可能是什么，也不批判观者可能的解读。它们通过一系列涉及材料和过程的人类行为产生，这些过程可以被解释；然而它们的效果超越了具体描述，其意义和目的尚不明确。此次展览及其相关文字向我展示了对“抽象”一词的广泛且超越性的理解。这种理解并非完全缺失于西方现代主义，而是一种表达古老且普遍的东西，尽管无法——也许也无需——明确定义。
顾本池 - 无尽之线17号，2013年，聚酯纱线、不锈钢钉、丙烯胶、丙烯颜料，180 x 180 厘米
封面图：顾本池 - 无尽之线56号，2017年，聚酯纱线、不锈钢钉、丙烯胶、丙烯颜料，100 x 120 厘米
所有图片均由10 Chancery Lane画廊提供
作者：Phillip Barcio
