جوزيف ألبرز وتفاعل الألوان
على مدار تاريخ الحداثة، جرت محادثة مستمرة بين الفنانين سعياً لتحديد ما هو العنصر الأهم في الرسم. يقول البعض إنه الشكل. ويقول البعض الآخر إنه الخط. ويقول آخرون إنه السطح. وهناك من يرى أن الموضوع هو الأهم. من خلال فنه وكتاباته ومناصبه التعليمية المؤثرة للغاية، كرس جوزيف ألبيرس تقريباً كامل مسيرته المهنية لاستكشاف الفرضية القائلة بأن العنصر الأهم في الرسم هو اللون. أثرت أبحاثه على المدرسة الحد الأدنى، ورسامو الحقول اللونية، والتعبيرية التجريدية، وفن الأوب، ولا تزال تلهم جيلاً جديداً من الفنانين التجريديين. رغم وفاة ألبيرس في عام 1976، لا يزال كتابه الأساسي في هذا الموضوع، تفاعل اللون، يُعتبر أهم نص يجب على الفنانين الشباب قراءته لفهم الطرق المعقدة التي تدرك بها العين البشرية اللون.
جوزيف ألبيرس والباوهاوس
وُلد ألبيرس في عام 1888، وكان معلماً قبل أن يصبح فناناً محترفاً. بدأ مسيرته بتدريس مادة دراسية عامة لطلاب المرحلة الابتدائية بالقرب من البلدة الألمانية الصغيرة التي نشأ فيها. في عام 1919، افتتح الباوهاوس في فايمار بألمانيا، مقدماً تعليماً لم يكن موجوداً من قبل. كان مؤسسو الباوهاوس ينوون أن يكون مكاناً يتدرب فيه الفنانون والمصممون معاً بحثاً عن تطوير منظور لفن شامل. التحق ألبيرس بالباوهاوس في العام التالي، 1920، عندما كان عمره 32 عاماً. وبعد خمس سنوات أصبح أول طالب يُدعى للانضمام إلى الباوهاوس كمدرس رئيسي.
جوزيف ألبيرس - دراسة لتينايكا، 1940، قلم رصاص على ورق، 6 × 11 ½ بوصة، مجموعة متحف سان فرانسيسكو للفن الحديث. © مؤسسة جوزيف وآني ألبيرس / جمعية حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك
أثناء وجوده في الباوهاوس، صاغ ألبيرس رؤيته ليس فقط لإنشاء الفن، بل أيضاً لتدريس الفن. رغم تركيزه الشديد على التقنية شخصياً، أدرك أنه لن يقضي وقت درسه في تعليم التقنية فقط. بل قرر أن يركز على تعليم طريقة التفكير في الفن. اتبع نهجاً علمياً مدروساً في فنه، وكان يؤمن بأن أهم شيء يمكن أن يمنحه للطلاب هو طريقة لرؤية العالم بشكل مختلف عما كانوا يرونه من قبل. وكان هدفه المعلن كمعلم هو "فتح العيون".
عندما أغلقت ضغوط النازيين الباوهاوس في عام 1933، جاء ألبيرس إلى أمريكا ودرّس في كلية بلاك ماونتن التي افتتحت حديثاً في نورث كارولينا. في عام 1950 ترك هذا المنصب وتولى رئاسة قسم التصميم في جامعة ييل. خلال مسيرته، كان من بين طلابه عدة فنانين أصبحوا من أكثر الفنانين تأثيراً في القرن العشرين، منهم روبرت راوشنبرغ، ويليم دي كونينغ، إيفا هيس وساي توومبلي.
جوزيف ألبيرس - تينايكا، 1943، زيت على الميسونيت، 22 ½ × 43 ½ بوصة، مجموعة متحف سان فرانسيسكو للفن الحديث. © مؤسسة جوزيف وآني ألبيرس / جمعية حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك
تفاعل اللون
واحدة من الانتقادات التي وجهها العديد من الفنانين والنقاد والمشاهدين لألبيرس هي أن أعماله تبدو غير شخصية. ويرجع السبب في ذلك بلا شك إلى النهج العلمي الذي اتبعه في فنه. على سبيل المثال، يكتب على ظهر العديد من أعماله بالتفصيل الألوان الدقيقة التي يستخدمها العمل. لكن هناك عمقاً كبيراً من العاطفة وكمية معتبرة من علم النفس في أعمال ألبيرس أيضاً. كان ألبيرس مهتماً بكيفية تفاعل الألوان مع بعضها البعض، والتأثير الذي يحدثه هذا التفاعل على الإدراك البشري. ومن الاكتشافات الرئيسية التي توصل إليها هو أن البشر عرضة بسهولة للخداع البصري، وهو أمر اعتبره قابلاً للإثبات من خلال فنه.
في عام 1963، أثناء وجوده في جامعة ييل، كتب ألبيرس كتاباً بعنوان تفاعل اللون، الذي تناول بالتفصيل الدقيق جميع اكتشافاته حول كيفية تفاعل الألوان مع بعضها البعض. يشمل الكتاب دروساً مفصلة، وتجارب ورسومات توضح كيف تقوم ألوان معينة بتحييد أو تغيير ألوان أخرى، وكيف يؤثر الضوء على الصبغة، وكيف أن ما أسماه "العين البشرية العادية" غير قادرة على إدراك بعض الظواهر اللونية بسبب محدودية قدراتها الإدراكية. إذا نظرنا إلى هذا الكتاب على المستوى المفاهيمي، كما هو الحال مع لوحاته، فإن الدروس ليست عن اللون بحد ذاته بقدر ما هي عن حقيقة أن البشر محدودون فيما يمكنهم إدراكه، وإذا تمكن الفنانون من فهم هذه الحدود، يمكنهم توسيع نطاق الإدراك لأولئك الذين يتفاعلون مع أعمالهم.
تحية للمربع
بالإضافة إلى كتاباته عن اللون، كرس ألبيرس 27 عاماً من حياته لإنشاء سلسلة من اللوحات تسمى تحية للمربع. أظهرت هذه السلسلة نظريته اللونية من خلال استكشاف مربعات ملونة مختلفة. باستخدام شكل هندسي واحد مراراً وتكراراً، تمكن من دراسة النطاق الواسع للظواهر الإدراكية التي يمكن تحقيقها ببساطة من خلال وضع ألوان مختلفة جنباً إلى جنب ضمن مجموعة محدودة من التراكيب المكانية.
عندما بدأ ألبيرس في صنع لوحات تحية للمربع في عام 1949، تجاهلها الفنانون إلى حد كبير. كان عالم الفن في ذلك الوقت يهيمن عليه اللوحات التعبيرية الحركية الضخمة. كانت لوحات ألبيرس صغيرة نسبياً ومنضبطة للغاية. كانت مصممة. عرف ألبيرس التصميم مرة بأنه “التخطيط والتنظيم، الترتيب، الربط والسيطرة. باختصار، يشمل كل الوسائل التي تعارض الفوضى والصدفة.” في زمن كانت التعبيرية التجريدية هي الأسلوب السائد، كانت اللوحات المصممة والتي تبدو بلا عاطفة بمثابة هرطقة.
بحلول الستينيات، لحق عالم الفن بألبيرس وأصبح يحظى بالاحترام كفنان كما كان يحظى به كمعلم وكاتب وفيلسوف. جاء جزء من هذا الاحترام من سلسلة من التكليفات التي تلقاها لإنجاز أعمال عامة كبيرة الحجم، بعضها في شكل عناصر معمارية وبعضها في شكل جداريات. من أوائل أعمال ألبيرس المعمارية كان جداراً أنشأه لمركز هاركنس للدراسات العليا بجامعة هارفارد. شملت جدارياته أعمالاً لمبنى تايم ولايف في مركز روكفلر بنيويورك، ومركز بان آم، ومبنى كورنينج للزجاج. في عام 1971، وعندما كان عمره 83 عاماً، أصبح ألبيرس أول فنان حي يُكرم بمعرض فردي من قبل متحف متروبوليتان للفنون في نيويورك.
جوزيف ألبيرس - الطوب، 1950، 7 ½ × 8 قدم، 2.3 × 2.5 متر، مركز هاركنس للدراسات العليا، جامعة هارفارد. © مؤسسة جوزيف وآني ألبيرس / جمعية حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك
انطباع دائم
في بداية تدريبه، تأثر ألبيرس بشدة بالانطباعيين، وخاصة النقطيين، الذين استكشفوا "انطباع" اللون الذي يُخلق عندما توضع الألوان المكملة جنباً إلى جنب على شكل نقاط صغيرة بدلاً من خلط الألوان مسبقاً. في قصيدة كتبها لصديق عن عادة الناس في اتباع الجماعة بدلاً من التفكير بأنفسهم، كتب ألبيرس مرة: “كل شخص يشعر بمكانه من خلال جاره.” مثل لوحة انطباعية تُرى من بعيد، رأى ألبيرس المجتمع كأفراد كثيرين يختلطون معاً ليشكلوا صورة واحدة مشتركة.
كرس حياته للسير في طريق فريد، معزولاً رؤيته الخاصة ومتمسكاً بها. من خلال دراسة ما تعلمه عن كيفية تأثير الألوان الفردية على بعضها عندما تكون قريبة، وعن قدرة البشر على الخداع البصري، يمكننا تقدير ليس فقط فنه ودروسه حول الرسم، بل أيضاً شيئاً أساسياً عن أنفسنا.
الصورة المميزة: جوزيف ألبيرس - البوابات، مبنى تايم لايف، 1961. © مؤسسة جوزيف وآني ألبيرس / جمعية حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك
جميع الصور مستخدمة لأغراض توضيحية فقط
بواسطة فيليب Barcio
