5 Abstrakte Kunstværker Fra 'Soul of a Nation' Udstilling af Afroamerikanske Kunstnere

Den monumentale udstilling Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power åbnede i denne måned på Brooklyn Museum i New York. Dette er det tredje sted for denne ekstraordinære udstilling, som åbnede på Tate Modern i 2017 og derefter rejste til Crystal Bridges Museum of American Art i Bentonville, Arkansas. Udstillingen præsenterer mere end 150 værker skabt af mere end 60 kunstnere. Den dækker et enormt udvalg af medier - fra maleri, tegning og skulptur til tekstiler og beklædning - og spænder over adskillige æstetiske positioner - fra ligefrem figurativitet til Pop Art til ren abstraktion. Dengang udstillingen først debuterede på Tate, havde jeg privilegiet at sætte mig ned med Gerald Williams, medstifter af AFRICOBRA, et indflydelsesrigt sort kunstnerkollektiv, hvis arbejde er et væsentligt element i udstillingen. Williams havde nogle fascinerende ting at sige om det valg, kuratorerne traf om at inkludere så mange abstrakte værker i udstillingen. Han var nysgerrig på, hvad seerne ville have at sige om, hvordan disse værker bidrager til samtalen. Så mange modernistiske abstrakte æstetiske positioner er fast forankret i historiske transnationale sorte æstetikker. Og alligevel blev sorte abstrakte kunstnere så ofte ignoreret af hviddrevne gallerier på grund af åbenlyse eller subtile fordomme, eller udelukket fra sortdrevne gallerier, fordi deres arbejde ikke figurativt adresserede sort liv. Det er en enorm fornøjelse at se så mange abstrakte kunstnere præsenteret i Soul of a Nation. Mens udstillingen slår sig ned i sit nye midlertidige hjem i Brooklyn, fremhæver vi fem abstrakte værker, man skal se efter, hvis man tilfældigvis besøger udstillingen, som kan ses indtil 3. februar 2019.

Wadsworth A. Jarrell, Revolutionær (Angela Davis), 1971

En af de fem grundlæggere af AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell, var integreret i dannelsen af gruppens filosofi. Den filosofi blev skitseret i manifestet fra 1969 Ten In Search of a Nation. Ifølge manifestet stræbte AFRICOBRA efter at skabe værker, der opnåede: “1. definition—billeder, der beskæftiger sig med fortiden; 2. identifikation—billeder, der relaterer til nutiden; og 3. retning—billeder, der ser ind i fremtiden.” De centrale visuelle elementer i deres stil var brugen af tekst, luminescerende "cool-aid" farver og en blanding af abstrakte mønstre og positive portrætter af sorte mennesker. “Revolutionary (Angela Davis)” formidler spektakulært hver af disse aspekter. Derudover fremkalder det tidlige modernistiske bevægelser som futurisme og rayonisme med sine dynamiske skarpe vinkler, og post-impressionistiske bevægelser som divisjonisme med sin mobilisering af komplementære former og farverelationer.

Wadsworth A. Jarrell (amerikansk, født 1929). Revolutionær (Angela Davis), 1971. Akryl og blandede medier på lærred, 64 x 51 tommer (162,6 x 129,5 cm). Brooklyn Museum, Gave fra R. M. Atwater, Anna Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Joseph Fiebiger, Belle Campbell Harris og Emma L. Hyde, ved bytte, Udpeget købsfond, Mary Smith Dorward-fond, Dick S. Ramsay-fond og Carll H. de Silver-fond, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Foto: Brooklyn Museum)

William T. Williams, Trane, 1969

Udseendet af Soul of a Nation i Brooklyn er en form for hjemkomst for William T. Williams. En af de mest anerkendte og respekterede nutidige amerikanske abstrakte malere, har Williams undervist i kunst på Brooklyn College siden 1971—to år efter han malede "Trane." Denne livlige, geometriske komposition er opkaldt efter den amerikanske jazzkomponist og musiker John Coltrane. Det dynamiske i værket fremkalder den livlige, intuitive og helt frie lyd, som Coltrane var kendt for. Men dette værk relaterer sig også til en personlig historie, som Williams har talt om. Han kommer fra en familie af quiltede. De tæpper, hans forfædre lavede, var domineret af farverige, lineære, geometriske mønstre. "Trane" er delvist en hyldest til familien, delvist en nik til en musiklegende, og delvist et udtryk for den enestående abstrakte vision, som Williams formidler i sit arbejde.

William T. Williams (amerikansk, født 1942). Trane, 1969. Akryl på lærred, 108 x 84 tommer (274,3 x 213,4 cm).
The Studio Museum i Harlem, New York. © William T. Williams. Med venlig hilsen fra Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York

Frank Bowling, Texas Louise, 1971

Selvom Frank Bowling blev født i Guyana og har britisk statsborgerskab, er hans bidrag til amerikansk abstrakt kunst dybtgående. Bowling kom første gang til New York i midten af 1960'erne og blev hurtigt en af de fremmeste udøvere af lyrisk abstraktion. De fleste af hans værker befinder sig visuelt et sted mellem Abstract Expressionism og Color Field Painting. Af og til hjemsøger figurative billeder, som spøgelsesagtige konturer af kontinenter, hans billeder. "Texas Louise" er et monumentalt værk, der opsluger beskueren i sine glødende, teksturerede røde nuancer. Det blev malet samme år, som Bowling offentliggjorde artiklen It Is Not Enough to Say Black Is Beautiful i ARTnews. Det stykke adresserer de komplekse synspunkter, Bowling og mange kunstnere har haft om etiketter som "black arts", "black artists" eller for den sags skyld "abstract art" og "abstract artists". Det er værd at læse det essay igen nu, især hvis du har til hensigt at besøge denne udstilling og se dette vigtige værk.

Frank BowIing (amerikansk, født 1936). Texas Louise, 1971. Akryl på lærred, 111 x 261 3⁄4 tommer (282 x 665 cm).
Med venlig hilsen fra Rennie-samlingen, Vancouver. © Frank Bowling. Billede med venlig hilsen fra kunstneren og Hales Gallery.

Norman Lewis, Processional (også kendt som Procession), 1965

"Processional (også kendt som Procession)" er emblematiske for den signatur evne, Norman Lewis havde til at blande metoderne for abstraktion med symbolske eller filosofiske koncepter. Lewis startede som figurativ maler. Hans abstraktioner opstod ofte ud fra et realistisk udgangspunkt. Dette maleri har følelsesladede, gestural, kalligrafiske penselstræk. Titlen og billedet vækker en linje af mennesker, der går, hvilket måske antyder ideen om en begravelse. Integreret i enhver figurativ læsning af værket er spørgsmålet om, hvis disse penselstræk er ment at antyde mennesker, om menneskerne så er hvide, sorte eller begge dele? Dette billede kunne repræsentere døden af forestillingen om, at der er nogen forskel; eller en procession fremad mod en mere oplyst æra.

Norman Lewis (1909-1979), Processional (også kendt som Procession), 1965. Olie på lærred, 38 3/8 x 57 5/8 tommer (97,5 x 146,4 cm).
Privat samling; © Ejendom af Norman W. Lewis; Venligst udlånt af Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Jack Whitten, Hyldest til Malcolm, 1970

Født i landlige Alabama i 1939, brugte Jack Whitten ofte at sige, at han voksede op i "amerikansk apartheid." Hans abstrakte stil var rodfæstet i symbolik. Det fungerede som et middel, hvormed kunstneren kunne konfrontere sine følelser om kultur, politik og personlig kamp. Whitten døde i januar 2018, men ikke før han kunne se sin skarpe og kraftfulde "Homage to Malcolm" hænge i Tate Modern. Da han mindedes skabelsen af det lige efter Malcolm X blev myrdet, sagde Whitten: "Malcolm-maleriet, det er symbolsk abstraktion. Malcolm X havde en forståelse for den universelle aspekt af den kamp, han var involveret i. Det er den omdannelse til det universelle, der gav ham mere magt. Det maleri måtte være mørkt. Det måtte være stemningsfuldt. Det måtte være dybt."

Jack Whitten (1939 - 2018). Hyldest til Malcolm, 1970. Akryl på lærred, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 tommer. (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Courtesy kunstnerens bo og Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Foto: Christopher Burke)

Fremhævet billede: Sjælen af en nation: Kunst i Black Power-æraen. Installationsvisning på Brooklyn Museum i New York

Af Phillip Barcio