5 Abstrakte Kunstværker Fra 'Soul of a Nation' Udstilling af Afroamerikanske Kunstnere
Den monumentale udstilling Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power åbnede denne måned på Brooklyn Museum i New York. Dette er det tredje sted for dette ekstraordinære show, som åbnede på Tate Modern i 2017 og derefter rejste til Crystal Bridges Museum of American Art i Bentonville, Arkansas. Udstillingen viser mere end 150 værker skabt af over 60 kunstnere. Den dækker et enormt udvalg af medier – fra maleri, tegning og skulptur til tekstiler og beklædning – og spænder over mange æstetiske positioner – fra direkte figurativt til Popkunst til ren abstraktion. Da udstillingen først blev vist på Tate, havde jeg privilegiet at tale med Gerald Williams, medstifter af AFRICOBRA, en indflydelsesrig sort kunstnergruppe, hvis arbejde er et hovedelement i udstillingen. Williams havde nogle fascinerende ting at sige om kuratorernes valg om at inkludere så mange abstrakte værker i udstillingen. Han var nysgerrig efter at høre, hvad beskuerne ville sige om, hvordan disse værker bidrager til samtalen. Mange modernistiske abstrakte æstetiske positioner er dybt forankret i historiske transnationale sorte æstetikker. Alligevel blev sorte abstrakte kunstnere ofte ignoreret af hvidt drevne gallerier på grund af åbenlyse eller subtile fordomme, eller udelukket fra sort drevne gallerier, fordi deres værker ikke figurativt omhandlede sort liv. Det er en stor glæde at se så mange abstrakte kunstnere fremhævet i Soul of a Nation. Mens udstillingen slår sig ned i sit nye midlertidige hjem i Brooklyn, fremhæver vi fem abstrakte værker, du kan holde øje med, hvis du besøger udstillingen, som kan ses frem til 3. februar 2019.
Wadsworth A. Jarrell, Revolutionary (Angela Davis), 1971
En af de fem grundlæggere af AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell var afgørende for at forme gruppens filosofi. Denne filosofi blev skitseret i manifestet fra 1969 Ten In Search of a Nation. Ifølge manifestet søgte AFRICOBRA at skabe værker, der opnåede: “1. definition – billeder, der beskæftiger sig med fortiden; 2. identifikation – billeder, der relaterer til nutiden; og 3. retning – billeder, der ser mod fremtiden.” De vigtigste visuelle elementer i deres stil var brugen af tekst, lysende “cool-aid” farver og en blanding af abstrakte mønstre og positive portrætter af sorte mennesker. “Revolutionary (Angela Davis)” formidler spektakulært hver af disse aspekter. Derudover vækker det tidlige modernistiske bevægelser som futurisme og rayonisme med sine dynamiske skarpe vinkler, og postimpressionistiske bevægelser som divisionisme med sin mobilisering af komplementære former og farveforhold.
Wadsworth A. Jarrell (amerikansk, født 1929). Revolutionary (Angela Davis), 1971. Akryl og mixed media på lærred, 64 x 51 tommer (162,6 x 129,5 cm). Brooklyn Museum, gave fra R. M. Atwater, Anna Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Joseph Fiebiger, Belle Campbell Harris og Emma L. Hyde, ved bytte, Designated Purchase Fund, Mary Smith Dorward Fund, Dick S. Ramsay Fund og Carll H. de Silver Fund, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Foto: Brooklyn Museum)
William T. Williams, Trane, 1969
Fremkomsten af Soul of a Nation i Brooklyn er en slags hjemkomst for William T. Williams. En af de mest dygtige og respekterede nutidige amerikanske abstrakte malere, har Williams undervist i kunst på Brooklyn College siden 1971 – to år efter han malede “Trane.” Denne levende, geometriske komposition er opkaldt efter den amerikanske jazzkomponist og musiker John Coltrane. Værkets dynamiske natur vækker den livlige, intuitive og helt frie lyd, som Coltrane var kendt for. Men dette værk relaterer også til en personlig historie, som Williams har fortalt om. Han kommer fra en familie af tæppequiltere. De tæpper, hans forfædre lavede, var domineret af farverige, lineære, geometriske mønstre. “Trane” er delvist en hyldest til familien, delvist en nik til en musiklegende og delvist et udtryk for den unikke abstrakte vision, Williams formidler i sit arbejde.
William T. Williams (amerikansk, født 1942). Trane, 1969. Akryl på lærred, 108 x 84 tommer (274,3 x 213,4 cm).
Studio Museum i Harlem, New York. © William T. Williams. Med tilladelse fra Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York
Frank BowIing, Texas Louise, 1971
Selvom Frank Bowling er født i Guyana og har britisk statsborgerskab, er hans bidrag til amerikansk abstrakt kunst dybtgående. Bowling kom første gang til New York i midten af 1960’erne og blev hurtigt en af de førende udøvere af lyrisk abstraktion. De fleste af hans værker befinder sig visuelt et sted mellem abstrakt ekspressionisme og farvefeltmaleri. Af og til hjemsøges hans billeder af figurative motiver, som spøgelsesagtige konturer af kontinenter. “Texas Louise” er et monumentalt værk, der omslutter beskueren i sine glødende, teksturerede røde nuancer. Det blev malet samme år, som Bowling udgav artiklen It Is Not Enough to Say Black Is Beautiful i ARTnews. Den artikel behandler de komplekse synspunkter, Bowling og mange kunstnere har haft om betegnelser som “sort kunst,” “sorte kunstnere” eller for den sags skyld “abstrakt kunst” og “abstrakte kunstnere.” Det er værd at læse den artikel igen nu, især hvis du har tænkt dig at besøge denne udstilling og se dette vigtige værk.
Frank BowIing (amerikansk, født 1936). Texas Louise, 1971. Akryl på lærred, 111 x 261 3⁄4 tommer (282 x 665 cm).
Med tilladelse fra Rennie Collection, Vancouver. © Frank Bowling. Billede med tilladelse fra kunstneren og Hales Gallery.
Norman Lewis, Processional (også kaldet Procession), 1965
“Processional (også kaldet Procession)” er emblem for Norman Lewis’ særlige evne til at blande abstraktionsmetoder med symbolske eller filosofiske begreber. Lewis startede som figurativ maler. Hans abstraktioner udsprang ofte af et realistisk udgangspunkt. Dette maleri har følelsesladede, gestiske, kalligrafiske penselstrøg. Titlen og billedet vækker en række mennesker, der går, hvilket måske antyder en begravelse. En vigtig del af enhver figurativ fortolkning af værket er spørgsmålet om, hvis disse penselstrøg skal forestille mennesker, er de så hvide, sorte eller begge dele? Dette billede kunne repræsentere døden for forestillingen om, at der er nogen forskel; eller en procession frem mod en mere oplyst tid.
Norman Lewis (1909-1979), Processional (også kaldet Procession), 1965. Olie på lærred, 38 3/8 x 57 5/8 tommer (97,5 x 146,4 cm).
Privat samling; © Boet efter Norman W. Lewis; Med tilladelse fra Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY
Jack Whitten, Homage to Malcolm, 1970
Født på landet i Alabama i 1939, sagde Jack Whitten, at han voksede op i “amerikansk apartheid.” Hans abstrakte stil var rodfæstet i symbolik. Den tjente som et redskab, hvorigennem kunstneren kunne konfrontere sine følelser om kultur, politik og personlig kamp. Whitten døde i januar 2018, men nåede at se sit barske og kraftfulde “Homage to Malcolm” hænge på Tate Modern. Om skabelsen kort efter Malcolm X’s mord sagde Whitten: “Maleri til Malcolm, det er symbolsk abstraktion. Malcolm X havde fat i den universelle side af den kamp, han var en del af. Det er den omdannelse til det universelle, der gav ham mere magt. Det maleri måtte være mørkt. Det måtte være stemningsfuldt. Det måtte være dybt.”
Jack Whitten (1939 - 2018). Homage to Malcolm, 1970. Akryl på lærred, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 tommer (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Med tilladelse fra kunstnerens bo og Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Foto: Christopher Burke)
Fremhævet billede: Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power. Installationsudsigt på Brooklyn Museum i New York
Af Phillip Barcio
