En cocktail af abstrakte tanker i Paris

Oktober var uden tvivl måneden for samtids- og moderne kunst i Paris. Ud over FIAC (International Contemporary Art Fair, den mest berømte begivenhed) blomstrede omkring 30 betydningsfulde andre udstillinger og kunstmesser over hele byen, som også har nogle af verdens rigeste museer. I løbet af måneden samledes kunstelskere, samlere og fagfolk fra alle nationer i den franske hovedstad. IdeelArt.com benyttede lejligheden til at invitere nogle af dem, sammen med nogle af sine kunstnere, til en traditionel fransk buffet; Og gæt hvad? De talte lidt om vine og meget om kunst. Her er nogle hovedpunkter fra de mest diskuterede emner.

Hvorfor er mange udstillinger i år dedikeret til den før-popfigurative kunst?

De tre store udstillingscentre i Paris, Centre Pompidou (Nationalt Museum for Moderne Kunst), MAM Paris (Museum for Moderne Kunst i Paris) og Grand-Palais (hovedudstillingsstedet i Paris) viser kunstværker af René Magritte (en surrealistisk belgisk maler, 1898-1967), Bernard Buffet (en fransk ekspressionist engageret i en anti-abstrakt gruppe, 1928-1999) og Hergé (den belgiske tegner, der skabte Tintin, 1907-1983). Derudover præsenterer Fondation Louis Vuitton, det to år gamle private museum, der i teorien er dedikeret til samtidskunst, Chtchoukine-samlingen: 29 Picasso, 22 Matisse, 12 Gauguin og 8 Cézanne blandt andre store moderne (men ikke samtids-) mestre.

Er det en bølge af nostalgi eller en opstand af figurativ kunst, der driver institutionerne til samtidig at fokusere på begyndelsen af moderne kunst og på senere kunstnere, som ikke accepterede, at abstrakt kunst kunne eksistere? Sandsynligvis ikke… Udstillinger forberedes år før de overhovedet annonceres, så i 2013 og 2014 må de tre store statslige institutioner have haft samme mål: at være originale ved at fejre den figurative skabelse gennem det 20. århundrede. Desværre, ved at ende med lignende idéer, lykkedes det dem ikke helt at nå den originalitet, de havde til hensigt.

Et andet formål er at genbalancere den parisiske scene ved at tilbyde offentligheden en kunst, der formodes at være mindre elitær, mere tilgængelig og konsensusvenlig. I den henseende er tidlig moderne kunst mere populær end samtidskunst.

Sidst men ikke mindst er disse institutioner engageret i en hård konkurrence om det højeste antal besøgende. For en enkelt udstilling. I 2010 satte Grand Palais rekorden med 0,9 millioner (med Claude Monet). Før-popfigurativ kunst er tilgængelig for alle, inklusive folkeskole- og gymnasieelever, så at udstille den er en sikker måde at øge antallet af besøgende på, måske ikke den bedste, men helt sikkert en effektiv.

Når man går gennem FIAC og de andre messer langs Champs Elysées (Arts Elysées, 8. Avenue), kan man ikke overse, at gallerier også vælger at præsentere mere figurativ kunst end tidligere år. Abstrakte malerier er talrige, men ofte konceptuelle, video, installationer og minimalisme ses sjældent. En IdeelArt-kunstner, som også har en figurativ street-art-stil, sagde, at hans galleri kun ønskede at udstille hans figurative værker i år. En anden gæst, involveret i auktioner, ser det som et tegn på, at markedet bevæger sig fra sælgernes til købernes side. Gallerier kæmper for at få folk til at blive samlere, og figurativ kunst synes lettere at rekruttere nye samlere til.

Findes der ikke abstrakt kunst?

Hvordan kan vi forholde os til Picassos formel - der findes ikke abstrakt kunst, man må altid starte med noget. Derefter kan man fjerne alle spor af virkeligheden?

Sikkert er det, at menneskehjernen er fuld af billeder og ord, og vores hænder er trænet til at tegne tegn, som repræsenterer eller betyder noget. Når Kandinsky skrev om abstraktion, måtte han trække en parallel til musik: ifølge ham var abstrakt billedkunst tænkelig, på samme måde som musik ikke nødvendigvis fortæller noget til lytteren. Kandinskys tidlige abstrakte værker blev ofte kaldt improvisationer, kompositioner eller fugaer, betegnelser, som var nye i malerkunsten, men almindelige i musikken.

Men ligesom Picasso mener mange store nulevende malere – som David Hockney – stadig i dag, at menneskehjernen ikke er i stand til at skabe rent abstrakte billeder, og at abstraktion er resultatet af at fjerne eller bevare genkendelige eller meningsfulde elementer på værkets overflade. Med andre ord, man bør helst være født blind eller ikke-menneskelig for at skabe ægte ikke-objektiv kunst.

IdeelArts kunstnergæster diskuterede forskellige måder at gå ud over objekter og betydninger.

For Richard van der Aa er et maleri bevis på en proces og, vigtigst af alt, et objekt; kunstværket er resterne af en fysisk aktivitet, der har fundet sted.

Richard van der Aa - On Things To Come, emalje på Dibbon, 90x90cm, 2016, med tilladelse fra kunstneren

Frédéric Prat opfatter maleriet som et sted omgivet af tomhed, hvor former og farver kan udvikle sig frit; at arbejde vandret på store lærreder hjælper dine øjne og din hjerne med ikke at overføre en mening eller en figur til det, der skabes.

Frédéric Prat - Blanc 2 2015, akryl på lærred, 160 x 130 cm, 2015, copyright Ideelart

Daniel G. Hill skaber net med metaltråde og tråde og lader derefter tyngdekraften og mekaniske kræfter forme de former, han har forberedt.

Daniel G. Hill - Sling, rustfri stålvajer, 86 x 61 x 38 cm, 2016, med tilladelse fra kunstneren

Pierre Auville påkalder sig andre kræfter, idet han hovedsageligt bruger mineralcement, sand, vand og… tilfældigheder i sit arbejde; hans abstrakte værk er resultatet af materialets uforudsigelige modstand, viskositet og tørringsproces.

Pierre Auville - Un Dimanche, cement og pigmenter på Ursalite-panel, 60x104cm, 2014, copyright Ideelart

Som allerede diskuteret i dette magasin, findes der ikke – og vil aldrig findes – en enkelt definition af abstraktion. Og om abstrakt kunst overhovedet findes, vil sandsynligvis forblive et åbent spørgsmål. Det vigtige er, at der findes kunstnere, som kalder sig abstrakte, og IdeelArt er stolt af at fremme deres værker, online og globalt!