Georg Herold og Det Luminøse Vest ved Kunstmuseum Bonn

De fleste ville nok kategorisere Georg Herold som medlem af den såkaldte “ældre generation”. Han er trods alt 70 år. Og faktisk påsatte Kunstmuseum Bonn for syv år siden officielt Herold dette uheldige og noget meningsløse mærkat, da de inkluderede ham i en ambitiøs gruppeudstilling kaldet The Luminous West. Udstillingen viste værker af 33 kunstnere, som alle stammede fra Rhinlandet/Nordrhein-Westfalen i Tyskland. Målet med udstillingen var at etablere en sammenhængende vision for den æstetiske arv i denne del af Tyskland og forbinde den med en forudsigende undersøgelse af, hvad regionens fremtid kunne bringe. For at løse denne monumentale opgave anvendte museet en unik kuratorisk tilgang. Først gav de deres akademiske team på fem personer til opgave at udvælge 19 kunstnere, som med deres ord repræsenterede “den ældre generation”. Teamet tog udgangspunkt i det, de kaldte regionens “historiske kerne”, som bestod af fem kunstnere: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter og Blinky Palermo. Derefter udvalgte de yderligere 14 “ældre” kunstnere, heriblandt Georg Herold. Dernæst inviterede museet disse såkaldte “ældre” kunstnere, eller i det mindste dem, der stadig var i live, til at anbefale kunstnere fra den “yngre generation”, hvis værker de mente fortjente at blive inkluderet i udstillingen. Eftersom han var 63 år på det tidspunkt, virker det måske ikke fornærmende, at Georg Herold blev udvalgt som repræsentant for den ældre generation. Men ikke desto mindre virker der noget forkert ved denne betegnelse. Det er ikke så længe siden, at Herold var helt ny på scenen. Og den dag i dag forbliver hans værker fascinerende, friske, vittige, respektløse og provokerende – i mange tilfælde langt mere end værkerne af de kronologisk yngre kunstnere, som angiveligt repræsenterede fremtiden i The Luminous West. Det forhold træder skarpt frem i den nye monografiske udstilling med Georg Herold, som netop nu vises i de samme lokaler på Kunstmuseum Bonn. Værkerne forbliver dynamiske og repræsenterer stadig kunstens yderste frontlinje. Det får mig til at spekulere på, om biologisk alder virkelig bør være det eneste mål for “alder” i kunsten. Som Herold demonstrerer, er det nogle gange med tidens gang, at de bedste idéer og mest kraftfulde værker vokser frem hos en kunstner, og at tidligere værkers fulde betydning og potentiale endelig åbenbares.

En sen debut

Georg Herold blev født i 1947 i Jena i Tyskland, en universitetsby med omkring 100.000 indbyggere. Han blev først uddannet som smedelærling, hvorefter han gik på universitetet og begyndte seriøst at studere for at blive kunstner. Først studerede han på Kunst- og Designuniversitetet i Halle i byen Halle, tæt på det sted hvor han voksede op. Derefter flyttede han til den sydlige del af landet, til München, hvor han gik på Kunstakademiet fra 1974 til 1976. Så drog han nordpå til Hamborg, hvor han studerede på Kunstuniversitetet under Sigmar Polke fra 1977 til 1981. Mens han var i Hamborg, stiftede Herold bekendtskab med flere andre studerende kunstnere, især Martin Kippenberger og Albert Oehlen, som allerede var begyndt at gøre sig bemærket med deres punkprægede tilgang til kunsten.

Sammen med disse nye vildbasser blev Herold kendt som en af de fremvoksende “bad boys” på den tyske kunstscene i 1980’erne. Da han blev færdig på universitetet, var Herold 34 år. Ikke desto mindre blev han betragtet som en del af den nye, unge og frembrusende generation. En af disse “bad boys” overlevede ikke længe. Kippenberger døde i 1997, 44 år gammel, men nåede i løbet af sin korte karriere at få enorm indflydelse på kunstverdenen og næsten egenhændigt genopfinde betydningen af at være samtidskunstner. Oehlen er stadig aktiv som kunstner og underviser. Hans abstrakte malerier er elskede, og hans undersøgelser af processer har vist sig at være særdeles indflydelsesrige for nye generationer af kunstnere. Og så er der Herold, den ældste af de “bad boys”. Han brugte længst tid på at modnes kunstnerisk og har på nogle måder modstået kategorisering længst. Som han engang sagde: “Jeg har til hensigt at nå frem til en tilstand, der er tvetydig og tillader alle mulige fortolkninger.” I overensstemmelse med dette mål trodser hans samlede værk enhver form for kategorisering, og ingen enkeltstående værk i det er endnu blevet endeligt diagnosticeret.

Georg Herold - Uden titel (Kaviar), 1990, kaviar, lak, blæk på lærred, 31 1/2 × 43 1/4 tommer, 80 × 109,9 cm, foto: Magenta Plains, New York

At holde fast

Det første kunstværk, som Georg Herold huskes for, var en tynd træliste af den slags, man bruger i byggeriet, skruet fast på væggen. Han kaldte værket Präsentation der ersten Latte, eller Præsentation af den første planke.Værket blev skabt i 1977, mens han stadig gik på kunstskolen, som en opgave i en klasse undervist af Sigmar Polke. Værket var i strengt formelle termer uomtvisteligt. Det repræsenterede linje og form. Som et tredimensionelt objekt, der hang på væggen, udfordrede det maleriets og skulpturens roller. Det var både minimalistisk og konceptuelt. Titlen antydede noget ceremonielt. Dets historie som materiale antydede, at det var en bestanddel af noget større, der skulle komme. Dets status som fundet objekt henviste til Marcel Duchamp og Robert Rauschenberg. Men der var også noget finurligt ved det, og måske noget absurd.

Med tiden skulle titlen på dette første værk imidlertid vise sig at være profetisk. Herold er igen og igen vendt tilbage til byggelister som materiale. Han har brugt dem i større skulpturer, hængt dem på væggen i forskellige konfigurationer, brugt dem som underlag for malerier og andre værker og anvendt dem som råmateriale i konstruktionen af en serie hjemsøgende figurative skulpturer. For at konstruere disse former binder Herold byggelister sammen med tråd og skruer. Derefter spænder han lærred over de sammenbundne stave for at skabe en slags kokon omkring formen af en menneskekrop. Han lader lærredet tørre og krympe med tiden, hvorefter han maler og lakerer formen. I nogle tilfælde fremstiller han derefter bronzestøbninger af formerne i begrænset oplag. Set i sammenhæng med hans tidlige arbejde i klassen hos Sigmar Polke er disse figurative former poetiske i deres dybde af mulige betydninger. Men selv uden kendskab til deres materielle ophav fremkalder deres tilstedeværelse en række følelser, fra lidelse til sensualitet. De er både menneskeliggørende og umenneskeliggørende og fremkalder utallige fortolkninger, fra billeder af dans til billeder af død.

Georg Herold - Uden titel, 2011, lægte, lærred, lak, tråd og skruer, 115 x 510 x 65 cm, billede © Saatchi Gallery, alle rettigheder forbeholdes

Kaviar og mursten

En anden serie værker, som Herold er blevet kendt for, er en række malerier, hvor fiskerogn bruges som det primære medium. Disse abstrakte kaviarmalerier har en rolig, naturlig kvalitet i stil med koreanske dansaekhwa-malerier. De er næsten monokrome, let teksturerede og smukke. Men det er deres medium, der rejser spørgsmål. De millioner, måske milliarder, af fiskeæg, der indgik i deres tilblivelse, betyder, at de bogstaveligt talt er drabsmarker. De repræsenterer potentielt bogstaveligt talt spildt potentiale. Men kaviar er jo bare mad, og ikke ligefrem nødvendig mad. Det er en dyr luksus. Der er potentielt meget at diskutere om det budskab, disse malerier sender om handel, kunst og udnyttelse. Men måske er der ikke noget at sige. Måske er de ganske enkelt smukke malerier.

Georg Herold - Uden titel, 2011, kaviar (nummereret), akryl, lak på lærred, 2 dele, hver 350 x 203 cm, billede venligst udlånt af Galerie Bärbel Grässlin

Et andet materiale, som Herold ofte vender tilbage til, er mursten. Han fastgør mursten direkte på de opspændte lærredsoverflader på sine malerier. Murstenenes vægt trækker ofte overfladen ned, strækker den og skaber rynker og bølger i stoffet. Udtrykket er ofte som et delvist ødelagt kunstværk. Der ligger en iboende spænding i værket, når beskuerne ser på det og spekulerer på, om murstenene til sidst vil falde ned. Disse værker ligner katastrofer, der venter på at indtræffe. De er også fascinerende undersøgelser af materialitet, tekstur, dimensionalitet og rum. De er morsomme, og på en måde har de endda en hånende karakter. De er også sublimt tvetydige. Der er en stor kløft mellem det, de viser os, og det, de fortæller os. Men igen er de blot en konstruktion, endnu et skridt videre fra præsentationen af den første planke. Mest bemærkelsesværdigt er de friske. De er fortsat et bevis på, at Georg Herold ikke er en kunstner, der fortjener at blive betegnet som en del af nogen ældre generation. Faktisk bør ingen nulevende kunstner det.

Georg Herold på Kunstmuseum Bonn kan ses indtil 7. januar 2018.

Fremhævet billede: Georg Herold - Herrenperspektive (Mænds perspektiv), 2002, skulptur af taglægter, glas og sejlgarn, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Alle billeder bruges udelukkende til illustrerende formål

Af Phillip Barcio