Hvordan Karel Appel Brød Reglerne Gennem et Eksperiment

Vi tager det for givet i dag, at kunst er et kreativt felt. Men hvad betyder det? For at noget kan blive skabt, må det ikke have eksisteret før. Kreativitet kræver originalitet. Kunstnere er derfor ophavsmænd. Men det har ikke altid været tilfældet. I 1921, da Karel Appel blev født, begyndte kreativitet lige så stille at hævde sig som den drivende kraft i kunsten. Historisk set, før modernismen, blev succes i kunstverdenen oftere opnået gennem ting som teknisk og æstetisk mestring end kreativitet. Professionelle kunstnere blev forventet at efterligne den observerbare verden, eller i det mindste referere til den, og gøre det på en måde, der gav intellektuel mening. Selv abstrakte kunstnere skulle være i stand til at forklare for seere og kritikere, hvad de lavede, og hvorfor de gjorde det ved at referere til ideologier og metoder, der var forankret i eksisterende tankemønstre. Karel Appel var en del af den generation af kunstnere, der udfordrede denne tilgang til skabelsen af kunst. I stedet for at nærme sig kunsten fra perspektivet af, hvad der allerede eksisterer, advokerede Appel for en kunst, der udtrykte det, der endnu ikke eksisterer. Ved at gøre dette indførte han et nyt paradigme for kunstnere baseret på kreativitet og originalitet, som ikke kun brød reglerne, men måske også afskaffede behovet for regler helt.

Indeterministisk Eksperimentation

Vi er alle sandsynligvis bekendt med ordsproget: "Hvis det ikke er i stykker, så reparation det ikke." Så klichéagtigt og kortfattet som det lyder, udtrykker den følelse, der er kernen i modernismen. I slutningen af det 19. århundrede kunne enhver i den vestlige verden, der havde et globalt perspektiv og var i stand til kritisk observation, tydeligt se, "det var i stykker:" "det" var menneskelig fremgang. Logikken i den vestlige civilisation havde ført til en atmosfære af intens konkurrence og vold, der truede med at rive menneskehedens væv fra hinanden. Selvom der utvivlsomt var mange mennesker på det tidspunkt, der økonomisk eller på anden måde nød godt af det brudte system, var der mange flere, der kunne se, at det var tid til en forandring.

Modernisme er det navn, vi bredt bruger til at henvise til den epoke, der begyndte nær slutningen af det 19. århundrede, hvor en række brede transformative bestræbelser blev gjort af mennesker for at genforestille, hvad moderne menneskesamfund er og kan være. Den grundlæggende tese i modernismen blev bedst udtrykt af forfatteren Ezra Pound, da han sagde, “Make it new!” Han talte om det udbredte ønske, som så mange mennesker havde, om at bringe en slags alternativ kulturel virkelighed til eksistens. Men spørgsmålet i hver modernists sind var: “Hvordan gør vi det nyt?” De fleste af de forskellige svar, der blev foreslået, involverede at opfinde nye kunstneriske stilarter, eller abstrahere den nuværende måde at se verden på, eller innovere brugen af æstetiske elementer som farve, linje eller form. Den løsning, Karel Appel foreslog, var unik. Den ignorerede æstetik og stil helt og holdent og fokuserede på én simpel faktor: originalitet, muliggjort af ubegribelig frihed til at eksperimentere.

Karel Appel - De vilde brandmænd, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Fraværet af tilstedeværelse

For Appel havde værdien af den kunstneriske handling intet at gøre med det produkt, der til sidst ville blive skabt som et resultat af handlingen. Det vigtige var den kreative proces. Pointen var ikke, at en kunstner skulle tale om, hvad der skulle laves, eller at bedømme eller forklare, hvad der til sidst blev lavet. Pointen var simpelthen at skabe: at lade noget ukendt manifestere sig, så det uvirkelige kunne blive virkeligt. Som Appel sagde: “Hvis penselstrøget er så vigtigt, er det fordi det præcist udtrykker det, der ikke er der.” 

Karel Appel - Uden titel Skulptur, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Det er ofte blevet bemærket, at Appels tidligste bestræbelser på uhindret eksperimentel æstetisk skabelse ligner billeder lavet af børn. Deres kvasi-figurative, kvasi-abstrakte kompositioner udnytter et tilsyneladende kaotisk ordforråd af farve og primale udtryk for linje og form. De blev oprindeligt så misforstået, faktisk, at da de først blev udstillet i slutningen af 1940'erne, blev de offentligt latterliggjort. Men Appel var ikke afskrækket. Han var ikke motiveret af offentlig godkendelse. Han var dedikeret til at konfrontere fravær gennem en proces med at manifestere tilstedeværelse. Han var på en rejse mod originalitet, uden hensyn til hvor denne rejse endte eller hvordan den så ud.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Karel Appel og CoBrA Gruppen

Hvad var det, der var så chokerende ved Appels malerier? Var det det faktum, at han syntes ikke at bekymre sig om de æstetiske resultater af sin proces? Eller var det den frihed, hvormed han skabte, der var så foruroligende? Svaret kan findes i omstændighederne i den verden, som Appels kunst blev introduceret til. Hans første udstilling fandt sted i 1946, da Europa lige var kommet ud af Anden Verdenskrig. Den udbredte opfattelse var, at verden var blevet skør. Praktikaliteterne ved at genopbygge kontinentet og konfrontere de svimlende tab pålagde kulturen en skarp følelse af eksistentiel angst. Der var et stærkt metafysisk ønske om at kontekstualisere krigen, så overleverne kunne føle, at ofret havde været det værd. 

Under krigen blev indbyggerne i Danmark, Holland og Belgien effektivt helt afskåret fra resten af verden på grund af den tyske besættelse af deres territorium. Umiddelbart efter krigen blev det klart, at en lille gruppe kunstnere, der havde tilbragt krigen i København, Bruxelles og Amsterdam, var nået frem til en lignende tilgang til kunstnerisk skabelse. Gruppen, som inkluderede Appel, afviste logikken og rationalet fra eksisterende vestlige institutioner. De blev inspireret af primitiv folkekunst og børns kunstværker. De skabte kunst, der var forankret i intuition, spontanitet og ytringsfrihed. Da disse kunstnere begyndte at udstille sammen, blev de kaldt CoBrA-gruppen, et navn taget fra de første bogstaver i deres hjemsteder.

Karel Appel - Spørgende Børn, 1949. Gouache på træ. Objekt: 873 x 598 x 158 mm, ramme: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

En konvergens af påvirkninger

Appel kom ikke til sin tilgang i et vakuum. Han nævner i sin skrivning, at han så en Kurt Schwitters-udstilling, hans første oplevelse med at være vidne til, hvad han kalder et objet trouvé, et kunstværk lavet af fundne genstande. Han kalder oplevelsen "shattering." Det befriede ham fra behovet for at følge historiske traditioner vedrørende medier, og for den sags skyld befriede det ham fra alle historiske traditioner overhovedet. Den intuitive, barnlige frihed, som Appel skaber med, skylder også en gæld til kunstnere som Paul Klee og Joan Miro, som begge formidlede en ånd af uhemmet frihed i deres arbejde.

Udover kunstneriske påvirkninger skriver Appel også om tre andre påvirkninger på sin tænkning. Han nævner bogen Leaves of Grass af den amerikanske digter Walt Whitman, det lange digt The Songs of Maldoror af den uruguayansk-franske forfatter Comte de Lautréamont, og skrifterne af Jiddu Krishnamurti, en indflydelsesrig tænker om menneskehedens natur. Samlet set viser disse påvirkninger et bredt spektrum af tænkning. Leaves of Grass er en af de mest veltalende og optimistiske fejring af frihed og åbenhed, der nogensinde er skrevet. The Songs of Madoror er derimod en af de mest karakteristiske udforskninger af total ondskab, der nogensinde er komponeret. I mellemtiden opfordrede Jiddu Krishnamurti til dedikation kun til personlig bevidsthed for at opleve sandheden og blive fri.

Karel Appel - fra Nude serien, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Appels arv

Ved at observere den ubegrænsede entusiasme hos børn og folkunstnere fandt Appel en vej til at opdage den samme følelse af frihed inden i sig selv. Han satte pris på værdien af et frit menneskes sind. Han demonstrerede i praksis, hvordan kunstnere kunne udtrykke deres indre oplevelse af deres egen sandhed frit og spontant. Den handling alene inspirerede en hel generation af kunstnere, herunder så vigtige skikkelser som Willem de Kooning og Jackson Pollock, som gik videre med at ændre verden gennem bevægelser som Art Informel og Abstract Expressionism. 

Men ud over de enkelte kunstnere og stilarter, han har påvirket, kan Appels sande arv opsummeres med ordene "kreativ proces." Det er helt takket være kunstnere som Appel, at vi i dag tager for givet, at den vigtigste aspekt af kunst bør være originalitet og ikke efterligning. I 1989 opsummerede Appel sin erfaring med at sige: "Kreativitet er meget skrøbelig. Det er som et blad om efteråret; det hænger, og når det falder, ved du ikke, hvor det driver hen... Som kunstner skal du kæmpe og overleve i vildmarken for at bevare din kreative frihed." Ved at omfavne ægte originalitet eliminerede Appel behovet for at følge nogen anden vej end den frie udtryk. Gennem sit arbejde lærer vi, at det vigtige ikke bare er at samle, kategorisere og beundre produkterne af en kunstners arbejde, men at undre sig over den originalitet og frihed, som disse objekter kom fra, og at omfavne deres kilde som den virkelig dyrebare og uendelige proces af kreativitet.

Fremhævet billede: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio