Met udforsker den dybe arv af abstrakt ekspressionisme

Met Fifth Avenue i New York åbnede Epic Abstraction: Pollock to Herrera i denne uge. Udstillingen præsenterer mere end 50 store værker af nogle af de mest fængslende abstrakte kunstnere fra det forgangne århundrede, og den får sit navn, fordi den udforsker indflydelsen af grandios skala. Grandiositet udtrykkes nogle gange gennem massive kunstværker — såsom den galleri-dominerende Louise Nevelson skulptur “Mrs. N’s Palace” (1964–77) — nogle gange gennem massive ideer — såsom at anvende automatisk tegning til at skabe malerier, der kanaliserer hemmelighederne fra det ubevidste sind — og nogle gange gennem teknisk metode, såsom med det enormt komplekse assemblage-arbejde af Thornton Dial. I mellemtiden refererer undertitlen til udstillingen, Pollock to Herrera, til to generelle ideer. Den første er teorien om, at det arbejde, Jackson Pollock udførte i 1940'erne, det årti, hvor kurateringen begynder, betegnede en havændring i verden af abstrakt kunst: et øjeblik hvor større virkelig kom til at blive betragtet som bedre. For det andet, at arbejdet fra relativt undervurderede kunstnere som Carmen Herrera — den cubansk-fødte minimalistiske kunstner, der i en alder af 101 modtog sin første retrospektiv på Whitney Museum of American Art i 2016 — er lige så vigtigt som de velkendte superstjerner. Faktisk er der værker tilgængelige af mange underbelyste kunstnere, såsom den førnævnte found-object assemblage kunstner Thornton Dial; den berygtede Gutai Group medlem Kazuo Shiraga, der skabte det banebrydende (bogstaveligt talt) performanceværk “Challenging the Mud” (1955); og den innovative ungarske abstrakte maler Ilona Keserü. Kurateringen strækker sig også til nutiden med værker af yngre abstrakte kunstnere som Chakaia Booker og Mark Bradford. Den anden kerneformodning, som kuratorerne angiver i deres didaktik for udstillingen, er, at eksistentiel angst var den drivende kraft, der inspirerede abstrakte kunstnere til at begynde at lave episke værker for 70 år siden. Udstillingen kunne så få dig til at spørge: har episk abstraktion gjort noget for at lindre vores angst? Eller har det blot hjulpet os med at acceptere eksistentiel angst som grundlæggende for vores menneskelige tilstand?

Et sted i historien

Rollelisten over berømte kunstnere, der er inkluderet i Epic Abstraction, vil få enhver kunsthistorieentusiast til at blive begejstret: udover de nævnte giganter er der værker af Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold og Morris Louis. Og der er masser af eksempler på værker af kunstnere, der vil være nye for de fleste besøgende, såsom den japanske kalligrafiske abstraktionist Inoue Yūichi, den filippinske abstrakte kunstner Alfonso Ossorio, den minimalistiske skulptør Anne Truitt og den argentinske kromatiske geni Alejandro Puente. Men bortset fra omfanget af denne historiske offensiv, er det, jeg fandt mest episk ved kurateringen, hvordan to værker i særdeleshed faktisk undergraver den fortælling, der gemmer sig i undertitlen til udstillingen. Ved at nævne Pollock og Herrera og adskille dem fra alle de andre kunstnere, synes det for mig, at kuratorerne antyder, at Abstract Expressionism og Minimalism er de mest indflydelsesrige bevægelser, der overvejes, og at maleri er det primære fokus for udstillingen. Men arbejdet, metoderne og præstationerne af Pollock og Herrera, så vidunderlige som de er, er slet ikke de mest episke i denne udstilling.

Den ære, efter min mening, går til Louise Nevelson og Thornton Dial. Nevelson-skulpturen, der er udstillet, vil få seere, der aldrig har mødt hendes arbejde før, til at spørge, hvorfor i alverden nogen taler om Pollock, når Nevelson var hans samtidige. Hendes arbejde er mere teknisk krævende, mere konceptuelt interessant og mere relevant for ånden i New York, hvor både hun og Pollock arbejdede. Pollock, for alle praktiske formål, brød en smule ny grund ved at låne og perfektionere ideerne og metoderne fra andre kunstnere. Derefter, efter at være blevet berømt for at tage det næste logiske skridt, fordi han var venner med en indflydelsesrig kritiker, selvdestruerede Pollock. Hans malerier er fascinerende, men Nevelson opnåede meget mere end Pollock, var mere original og arbejdede i meget længere tid, hvilket efterlod en langt mere interessant og tankevækkende arv af kunst og ideer.

En Længe Manglende Stemme

Så er der Thornton Dial. Hans "Shadows of the Field" (2008) er, efter min mening, det mest hjemsøgte værk i udstillingen. Dets episke natur er indeholdt i dets materialer, dets konstruktion, dets farver og de skjulte verdener — både fysiske og metafysiske — der lurer inden i dets form. Samlet af fundne og kasserede affaldsmaterialer, er stykket beregnet til at fremkalde arven fra andelslandbrug, det uretfærdige og ofte brutale system af landbrug, som Dial blev født ind i i 1928. En massiv samling af snor, syntetisk bomuldsfyld, jute, pladejern, klæde og metal, har det en fysisk tilstedeværelse af udmattelse. Det legemliggør sammensmeltningen af hårdhed og sårbarhed. Skabt da kunstneren var 80 år gammel, afslører det også hans selvuddannede hånd. Faktisk, mens Pollock blev rig og drak sig selv ihjel, levede Dial i fattigdom, arbejdede sig selv til døde bare for at overleve i et racistisk socialt system, der holdt de fleste sorte amerikanere ude af museer, ikke kun som kunstnere, men endda som betalende besøgende.

Måske, som denne udstilling bevæger sig fremad i tiden, kan andre definitioner af, hvad der er episk, dukke op, og andre endnu mere magtfulde og mere fascinerende værker vil komme ind i kampen — udstillingsdatoerne er trods alt åbne, og de værker, der vises, taget fra den permanente samling af The Met, vil blive skiftet ud periodisk. Men for nu, "Shadows of the Field," som er et af ti værker af Dial, som Met for nylig har erhvervet, gør den mest episke erklæring. Den siger, at en utrænet sydstats sort andelslandmand har lavet nogle af de mest magtfulde og meningsfulde abstrakte kunstværker i de sidste 70 år, der overgår arbejdet fra kunstnere, der nød langt mere privilegium og muligheder end han. Den signalerer også, at mens angst måske faktisk er en uundgåelig del af vores menneskelige tilstand, kan kunsten, der strømmer fra den, være, og ofte er, en frelsende nåde.

Fremhævet billede: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Malet træ, spejl, 140 x 239 x 180 tommer. (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). The Metropolitan Museum of Art, Gave fra kunstneren, 1985 © 2018 Estate of Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Af Phillip Barcio