Met udforsker den dybe arv af abstrakt ekspressionisme

The Met Fifth Avenue i New York åbnede Epic Abstraction: Pollock to Herrera denne uge. Udstillingen, der viser mere end 50 store værker af nogle af de mest fængslende abstrakte kunstnere fra det forgangne århundrede, har fået sit navn, fordi den udforsker virkningen af storslået skala. Storslåethed udtrykkes nogle gange gennem massive kunstværker — som den galleri-dominerende Louise Nevelson-skulptur “Mrs. N’s Palace” (1964–77) — nogle gange gennem store idéer — som idéen om at anvende automatisk tegning til at skabe malerier, der kanaliserer det ubevidstes hemmeligheder — og nogle gange gennem teknisk metode, som med det enormt komplekse sammensatte værk af Thornton Dial. Undervejs henviser udstillingens undertitel, Pollock to Herrera, til to overordnede idéer. Den første er teorien om, at det arbejde Jackson Pollock udførte i 1940’erne, det årti hvor kurateringen begynder, markerede et vendepunkt i den abstrakte kunsts verden: et øjeblik, hvor større virkelig begyndte at blive betragtet som bedre. For det andet, at arbejdet fra relativt undervurderede kunstnere som Carmen Herrera — den cubanskfødte minimalistiske kunstner, der som 101-årig i 2016 fik sin første retrospektive udstilling på Whitney Museum of American Art — er lige så vigtigt som de velkendte superstjerners. Faktisk er der værker på udstillingen af mange underbelyste kunstnere, såsom den førnævnte fund-objekt-samler Thornton Dial; den berygtede Gutai-gruppemedlem Kazuo Shiraga, som skabte det banebrydende (bogstaveligt talt) performanceværk “Challenging the Mud” (1955); og den nyskabende ungarske abstrakte maler Ilona Keserü. Kurateringen rækker også frem til nutiden med værker af yngre abstrakte kunstnere som Chakaia Booker og Mark Bradford. En anden grundlæggende antagelse, som kuratorerne fremhæver i deres forklarende tekst til udstillingen, er, at eksistentiel angst var den drivende kraft, der inspirerede abstrakte kunstnere til at begynde at lave episke værker for 70 år siden. Udstillingen kan derfor få dig til at spørge: har episk abstraktion gjort noget for at lindre vores angst? Eller har den blot hjulpet os til at acceptere eksistentiel angst som en grundlæggende del af vores menneskelige vilkår?

En plads i historien

Den lange række af berømte kunstnere, der indgår i Epic Abstraction, vil begejstre enhver kunsthistoriker: ud over de giganter, der allerede er nævnt, er der værker af Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold og Morris Louis. Og der er mange eksempler på værker af kunstnere, som vil være nye for de fleste besøgende, såsom den japanske kalligrafiske abstraktionist Inoue Yūichi, den filippinske abstrakte kunstner Alfonso Ossorio, den minimalistiske billedhugger Anne Truitt og den argentinske farvegeni Alejandro Puente. Men udover omfanget af denne historiske overflod, er det, jeg fandt mest episk ved kurateringen, hvordan to værker især faktisk undergraver den fortælling, der gemmer sig i udstillingens undertitel. Ved at nævne Pollock og Herrera og adskille dem fra alle de andre kunstnere, synes kuratorerne at antyde, at abstrakt ekspressionisme og minimalisme er de mest indflydelsesrige bevægelser, der tages i betragtning, og at maleri er udstillingens primære fokus. Men Pollocks og Herreras værker, metoder og bedrifter, så vidunderlige de end er, er slet ikke de mest episke i denne udstilling.

Den ære, mener jeg, tilfalder Louise Nevelson og Thornton Dial. Nevelson-skulpturen, der vises, vil få tilskuere, som aldrig har mødt hendes arbejde før, til at spørge, hvorfor nogen overhovedet taler om Pollock, når Nevelson var hans samtidige. Hendes arbejde er mere teknisk krævende, mere konceptuelt spændende og mere relevant for New Yorks ånd, hvor både hun og Pollock arbejdede. Pollock brød, for praktiske formål, lidt ny grund ved at låne og perfektionere idéer og metoder fra andre kunstnere. Derefter, efter at være blevet berømt for at tage det næste logiske skridt, ødelagde Pollock sig selv, fordi han var venner med en indflydelsesrig kritiker. Hans malerier er fængslende, men Nevelson opnåede meget mere end Pollock, var mere original og arbejdede i langt længere tid, og efterlod sig en langt mere spændende og tankevækkende arv af kunst og idéer.

En længe savnet stemme

Så er der Thornton Dial. Hans “Shadows of the Field” (2008) er efter min mening et af de mest hjemsøgte værker i udstillingen. Dets episke karakter ligger i dets materialer, dets opbygning, dets farver og de skjulte verdener — både fysiske og metafysiske — som lurer i dets form. Sammensat af fundne og kasserede affaldsmaterialer, er værket tænkt til at vække mindet om arven fra delingslandbrug, det uretfærdige og ofte brutale landbrugssystem, som Dial blev født ind i i 1928. En massiv samling af snor, syntetisk bomuldsuld, jutesæk, blikplader, kludrester og metal, har det en fysisk tilstedeværelse af udmattelse. Det indkapsler sammenføjningen af hårdhed og sårbarhed. Skabt da kunstneren var 80 år gammel, afslører det også hans selvlærte hånd. Mens Pollock blev rig og drak sig ihjel, levede Dial i fattigdom og arbejdede sig halvt ihjel bare for at overleve i et racistisk samfundssystem, der holdt de fleste sorte amerikanere ude af museer, ikke blot som kunstnere, men endda som betalende besøgende.

Måske vil andre definitioner af, hvad der er episk, dukke op, efterhånden som denne udstilling bevæger sig frem i tiden, og andre endnu mere kraftfulde og spændende værker vil komme til — udstillingens datoer er trods alt åbne, og værkerne, som er udvalgt fra The Mets faste samling, vil blive udskiftet med jævne mellemrum. Men for nu gør “Shadows of the Field,” som er et af ti værker af Dial, som Met for nylig har erhvervet, det mest episke udsagn. Det siger, at en uskoleret sort delingsbonde fra sydstaterne skabte nogle af de mest magtfulde og meningsfulde abstrakte kunstværker i de sidste 70 år, og overgik værker af kunstnere, der nød langt mere privilegium og muligheder end han. Det signalerer også, at selvom angst måske virkelig er en uundgåelig del af vores menneskelige vilkår, kan den kunst, der udspringer af den, være, og ofte er, en redning.

Fremhævet billede: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Malet træ, spejl, 140 x 239 x 180 tommer (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). The Metropolitan Museum of Art, gave fra kunstneren, 1985 © 2018 Estate of Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Af Phillip Barcio