100 Jahre Kunst und abstrakte Fotografie in der Tate

Die Diskussion über abstrakte Fotografie ist in den letzten Jahrzehnten ziemlich interessant geworden, da digitale Fotografie und Fotomanipulation allgegenwärtig geworden sind. Nun verspricht eine neue Ausstellung, die im Mai 2018 in der Tate eröffnet wird, diese Diskussion noch weiter auszubauen. Shape of Light: 100 Jahre Fotografie und abstrakte Kunst wird mehr als 300 Werke von über 100 Künstlern präsentieren. Sie wird die Geschichte der abstrakten Fotografie in Verbindung mit der Entwicklung der Abstraktion in Malerei und Skulptur untersuchen. Reine Abstraktion manifestierte sich weit verbreitet in der westlichen Malerei und Skulptur um das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Aber die Fotografie war etwas weiter zurück. Obwohl sie zu diesem Zeitpunkt fast ein Jahrhundert Zeit hatte, sich zu entwickeln, wurde sie immer noch nicht wirklich als Kunstform angesehen. Ihre einzige Verwendung wurde als Möglichkeit wahrgenommen, die Realität zu zeigen – ein eingefrorener Moment der Zeit, der in Silbernitrat gebrannt wurde. Aber einige der philosophischeren frühen Fotografen erkannten, dass anstatt Bilder einzufangen, der fotografische Prozess tatsächlich Licht einfängt. Sie sahen, dass Fotografen potenziell rein abstrakte Kompositionen schaffen könnten, genau wie ein Maler oder ein Bildhauer, indem sie Licht anstelle von Farbe, Holz, Graphit oder Stein verwenden. Während verschiedene Fotografen im Laufe der Jahrzehnte mit unterschiedlichen Methoden experimentiert haben, um Abstraktion zu erreichen, haben sie viele fruchtbare Debatten darüber angestoßen, was ein Foto definiert und was genau ein Bild abstrakt macht. Durch die Gegenüberstellung der Früchte dieser Debatten neben den Fortschritten in anderen Arten abstrakter Kunst bietet Shape of Light eine faszinierende Gelegenheit zu entdecken, wie die abstrakte Fotografie manchmal den Fußstapfen von Malerei und Skulptur folgte und wie sie zu anderen Zeiten den Weg ebnete.

Geben Sie den Vortograph ein

Einer der entscheidenden Wendepunkte in der Geschichte der abstrakten Fotografie fand um die Jahrhundertwende statt, als zwei Gruppen von Fotografen – bekannt als Photo Succession und der Linked Ring – begannen, sich für die Akzeptanz der Fotografie als Kunstform einzusetzen. Alvin Langdon Coburn war ein Schlüsselmitglied beider Gruppen. Coburn wird in Shape of Light prominent vertreten sein, da er als Erfinder des Vortographen gilt – der ersten Art von rein abstrakter Fotografie. Die ersten Vortographen wurden aufgenommen, als Coburn drei Spiegel in einer dreieckigen Formation an der Vorderseite seiner Kamera anbrachte. Im Wesentlichen fungierten die Spiegel als Kaleidoskop. Die resultierenden Fotografien zeigen eine gebrochene Realität, voller starker diagonaler Linien und dreieckiger Formen. Diese Sprache von Linie und Form führte dazu, dass Ezra Pound die Bilder Vortographen nannte, da sie Vorticist-Gemälden ähneln.

László Moholy-Nagy - Photogramm, ca. 1925, Fotografie, Gelatine-Silberdruck auf Papier, 181 x 238 mm, Jack Kirkland Sammlung, Nottingham

Die Tate wird Vorticist-Gemälde von Künstlern wie Wyndham Lewis zusammen mit Vortographien von Coburn ausstellen. Diese werden auch mit Werken von kubistischen Malern, wie Georges Braque, gegenübergestellt. Der Vergleich zu Kubismus mag bereits klar sein, da sowohl der Kubismus als auch die Vortographien den visuellen Raum in mehrere gleichzeitige Perspektiven unterteilen. Aber der Vergleich zu Vorticist-Gemälden könnte etwas unklarer sein. Vorticism war eine Mischung aus Kubismus und Futurismus. Es war ein rein formaler Versuch, das Aussehen der beiden zu kombinieren. Als er den Vortographen erfand, tat Coburn etwas völlig Einzigartiges. Er versuchte nicht, Trends nachzuahmen. Er wollte beweisen, dass Fotografie verwendet werden kann, um etwas anderes als die objektive Realität festzuhalten. Aus diesem Grund erläutert Shape of Light, wie Coburn viel mehr ein Innovator war als seine vorticistischen Kollegen und beleuchtet eine Weise, in der abstrakte Fotografie Anspruch auf unverwechselbare Wurzeln erhebt.

Barbara Kasten - Photogenische Malerei, Untitled 74/13 (ID187), 1974, Fotografie, gesalzenes Papierabzug, 558 x 762 mm, Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Thomas Dane Gallery und Bortolami Gallery, New York, © Barbara Kasten

Abstrakte Fotografie durch die Jahrzehnte

Eine weitere faszinierende Gegenüberstellung, die in Shape of Light angeboten wird, ist die Platzierung von Fotografien von André Kertesz im Kontext mit den Werken surrealistischer Maler. 1933 schuf Kertesz eine Serie von Fotografien mit dem Titel Distortions, in der Spiegel verwendet wurden, um verzerrte, verlängerte und biomorphe Bilder menschlicher Körper zu erzeugen. Die Fotografien haben viel gemeinsam mit den surrealistischen menschlichen Formen in Gemälden von Picasso, Miro und anderen. Da die Distortions mehr als ein Jahrzehnt nach Beginn der surrealistischen Bewegung entstanden, könnte man meinen, Kertesz habe die Surrealisten kopiert. Aber das erste Mal, dass Kertesz ein verzerrtes Foto veröffentlichte, war tatsächlich schon 1917. Betitelt Unterwasser-Schwimmer, zeigt dieses Bild eine wellenförmige, gestreckte menschliche Gestalt in einer unheimlichen Landschaft. Es würde sich natürlich in ein Gemälde von Salvador Dali einfügen. Datiert drei Jahre vor dem Beginn des Surrealismus, wirft es erneut Fragen auf, ob und wie die Fotografie tatsächlich für die Beeinflussung der Entwicklung der abstrakten Kunst im Allgemeinen verantwortlich war.

Shape of Light stellt auch die Werke zweier Mid-Century-Künstler gegenüber: Otto Steinert und Jackson Pollock. Steinert hinterließ ein vielfältiges Erbe in der Welt der Fotografie, aber einer seiner wichtigsten Beiträge war die Organisation einer Reihe von Wanderausstellungen in den 1950er Jahren, die den Titel Subjektive Fotografie trugen. Die Idee der Ausstellungen zur Subjektiven Fotografie war zu demonstrieren, dass ein Foto, anstatt die Außenwelt festzuhalten, in der Lage war, die innere Welt des Fotografen auszudrücken. Durch die Ausstellung von Luminogrammen von Steinert aus den 1950er Jahren neben Spritz- und Tropfmalereien von Jackson Pollock wird Shape of Light die Verbindung zwischen der Philosophie und Ästhetik des Abstrakten Expressionismus und der Subjektiven Fotografie aufzeigen. Und es gibt noch viel mehr in dieser Ausstellung. Neben der Untersuchung von Modernisten-Legenden wie László Moholy-Nagy, Bill Brandt, Guy Bourdin und Jacques Mahé de la Villeglé werden auch viele zeitgenössische abstrakte Fotografen wie Barbara Kasten und James Welling betrachtet. Diese vielfältigen Künstler zusammen zu zeigen, ist eine visionäre Idee. Es bietet uns nicht nur die Möglichkeit, uns entweder mit der Geschichte der abstrakten Fotografie vertraut zu machen oder sie neu zu überdenken. Es bietet auch die Chance, unsere vorgefassten Meinungen darüber, was Fotografie ist, was Abstraktion definiert und welche Künstler wirklich dafür verantwortlich waren und sind, die Geschichte der abstrakten Kunst zu gestalten, zu zerschlagen.

Form des Lichts: 100 Jahre Fotografie und abstrakte Kunst findet vom 2. Mai bis 14. Oktober 2018 im Tate Modern, London, statt.

Titelbild: Otto Steinert - Luminogramm II, 1952, Fotografie, Gelatinsilberdruck auf Papier, 302 x 401 mm, Jack Kirkland Sammlung Nottingham, © Nachlass Otto Steinert, Museum Folkwang, Essen

Von Phillip Barcio