100 Jahre Kunst und abstrakte Fotografie in der Tate

Die Diskussion über abstrakte Fotografie ist in den letzten Jahrzehnten sehr interessant geworden, da die digitale Fotografie und Bildbearbeitung allgegenwärtig geworden sind. Nun verspricht eine neue Ausstellung, die im Mai 2018 in der Tate eröffnet wird, diese Diskussion noch weiter zu vertiefen. Form des Lichts: 100 Jahre Fotografie und abstrakte Kunst zeigt mehr als 300 Werke von über 100 Künstlern. Sie untersucht die Geschichte der abstrakten Fotografie im Zusammenhang mit der Entwicklung der Abstraktion in Malerei und Bildhauerei. Reine Abstraktion trat in der westlichen Malerei und Bildhauerei um das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts weit verbreitet auf. Die Fotografie hinkte jedoch etwas hinterher. Obwohl sie bis dahin fast ein Jahrhundert Zeit zur Entwicklung hatte, wurde sie noch nicht wirklich als bildende Kunst angesehen. Ihre einzige Verwendung wurde als Darstellung der Wirklichkeit verstanden – ein eingefrorener Moment in der Zeit, festgehalten in Silbernitrat. Doch einige der philosophischeren frühen Fotografen erkannten, dass der fotografische Prozess nicht einfach Bilder einfängt, sondern tatsächlich Licht. Sie sahen, dass Fotografen rein abstrakte Kompositionen schaffen könnten, genauso wie ein Maler oder Bildhauer, nur mit Licht statt mit Farbe, Holz, Graphit oder Stein. Während verschiedene Fotografen im Laufe der Jahrzehnte mit unterschiedlichen Methoden der Abstraktion experimentierten, entfachten sie viele fruchtbare Debatten darüber, was ein Foto ausmacht und was genau ein Bild abstrakt macht. Indem Form des Lichts die Ergebnisse dieser Debatten neben Fortschritten in anderen Arten abstrakter Kunst stellt, bietet die Ausstellung eine faszinierende Gelegenheit zu entdecken, wie die abstrakte Fotografie manchmal den Spuren von Malerei und Bildhauerei folgte und zu anderen Zeiten den Weg bahnte.

Einführung des Vortographen

Einer der entscheidenden Wendepunkte in der Geschichte der abstrakten Fotografie ereignete sich um die Jahrhundertwende, als zwei Fotografengruppen – bekannt als Photo Succession und der Linked Ring – begannen, die Anerkennung der Fotografie als bildende Kunst zu fordern. Alvin Langdon Coburn war ein wichtiges Mitglied beider Gruppen. Coburn wird in Form des Lichts prominent vertreten sein, da er als Erfinder des Vortographen gilt – der ersten rein abstrakten Fotografie. Die ersten Vortographen entstanden, als Coburn drei Spiegel in einer dreieckigen Anordnung an der Vorderseite seiner Kamera befestigte. Im Grunde wirkten die Spiegel wie ein Kaleidoskop. Die resultierenden Fotografien zeigen eine zerbrochene Wirklichkeit, voller starker Diagonallinien und dreieckiger Formen. Diese Sprache aus Linien und Formen veranlasste Ezra Pound, die Bilder Vortographen zu nennen, da sie Vorticist-Gemälden ähneln.

László Moholy-Nagy - Photogramm, um 1925, Fotografie, Gelatinesilberabzug auf Papier, 181 x 238 mm, Jack Kirkland Sammlung, Nottingham

Die Tate wird Vorticist-Gemälde von Künstlern wie Wyndham Lewis neben Vortographen von Coburn zeigen. Sie werden auch neben Werken von kubistischen Malern wie Georges Braque gestellt. Der Vergleich mit Kubismus ist vielleicht schon klar, da sowohl Kubismus als auch Vortographen den Bildraum in mehrere gleichzeitige Perspektiven aufteilen. Der Vergleich mit Vorticist-Gemälden ist vielleicht etwas unklarer. Vorticismus war eine Mischung aus Kubismus und Futurismus. Es war ein rein formaler Versuch, das Aussehen der beiden zu verbinden. Als er den Vortographen erfand, tat Coburn etwas völlig Einzigartiges. Er versuchte nicht, Trends nachzuahmen. Er wollte beweisen, dass Fotografie etwas anderes als die objektive Wirklichkeit festhalten kann. Aus diesem Grund zeigt Form des Lichts, wie Coburn viel mehr ein Neuerer war als seine Vorticist-Kollegen und beleuchtet eine Weise, in der die abstrakte Fotografie eigene Wurzeln beansprucht.

Barbara Kasten - Photogenes Gemälde, Untitled 74/13 (ID187), 1974, Fotografie, Salzpapierabzug, 558 x 762 mm, Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Thomas Dane Galerie und Bortolami Galerie, New York, © Barbara Kasten

Abstrakte Fotografie im Wandel der Jahrzehnte

Eine weitere faszinierende Gegenüberstellung, die in Form des Lichts geboten wird, ist die Platzierung von Fotografien von André Kertész im Zusammenhang mit Werken surrealistischer Maler. 1933 schuf Kertész eine Fotoserie namens Verzerrungen, in der Spiegel verwendet wurden, um verdrehte, gestreckte und biomorphe Bilder menschlicher Körper zu erzeugen. Die Fotografien haben viel gemeinsam mit den surrealistischen menschlichen Formen in Gemälden von Picasso, Miró und anderen. Da die Verzerrungen mehr als ein Jahrzehnt nach Beginn der surrealistischen Bewegung entstanden, könnte man meinen, Kertész habe die Surrealisten kopiert. Doch das erste Mal, dass Kertész ein verzerrtes Foto veröffentlichte, war tatsächlich schon 1917. Unter dem Titel Unterwasser-Schwimmer zeigt dieses Bild eine wellige, gestreckte menschliche Form in einer unheimlichen Landschaft. Es würde natürlich in ein Gemälde von Salvador Dalí passen. Drei Jahre vor Beginn des Surrealismus datiert, wirft es erneut Fragen auf, ob und wie die Fotografie tatsächlich den Verlauf der abstrakten Kunst im Allgemeinen beeinflusst hat.

Form des Lichts stellt auch die Werke zweier Künstler der Mitte des Jahrhunderts gegenüber: Otto Steinert und Jackson Pollock. Steinert hinterließ ein vielfältiges Erbe in der Welt der Fotografie, doch einer seiner wichtigsten Beiträge war die Organisation einer Reihe von Wanderausstellungen in den 1950er Jahren unter dem Titel Subjektive Fotografie. Die Idee der Subjektiven Fotografie war zu zeigen, dass ein Foto nicht die Außenwelt einfängt, sondern die innere Welt des Fotografen ausdrücken kann. Indem Luminogramme von Steinert aus den 1950er Jahren neben Spritz- und Tropfbildern von Jackson Pollock gezeigt werden, demonstriert Form des Lichts die Verbindung zwischen der Philosophie und Ästhetik des abstrakten Expressionismus und der Subjektiven Fotografie. Und es gibt noch viel mehr in dieser Ausstellung. Neben der Untersuchung von Modernisten-Legenden wie László Moholy-Nagy, Bill Brandt, Guy Bourdin und Jacques Mahé de la Villeglé werden auch viele zeitgenössische abstrakte Fotografen wie Barbara Kasten und James Welling betrachtet. Diese vielfältigen Künstler zusammen zu zeigen, ist eine visionäre Idee. Sie bietet uns nicht nur die Gelegenheit, uns mit der Geschichte der abstrakten Fotografie vertraut zu machen oder sie neu zu betrachten. Sie bietet auch die Chance, unsere vorgefassten Vorstellungen darüber, was Fotografie ist, was Abstraktion ausmacht und welche Künstler wirklich die Geschichte der abstrakten Kunst geprägt haben, zu hinterfragen.

Form des Lichts: 100 Jahre Fotografie und abstrakte Kunst läuft vom 2. Mai bis 14. Oktober 2018 in der Tate Modern in London.

Titelbild: Otto Steinert - Luminogramm II, 1952, Fotografie, Gelatinesilberabzug auf Papier, 302 x 401 mm, Jack Kirkland Sammlung Nottingham, © Nachlass Otto Steinert, Museum Folkwang, Essen

Von Phillip Barcio