Franz Kline und seine Aktionsmalerei

Was wäre, wenn wir die ganze Zeit über nicht dazu bestimmt gewesen wären, Hieroglyphen zu deuten? Was wäre, wenn sie keine Symbole wären, sondern einfach ästhetische Formen, die als Kunst geschätzt werden sollten? Sie können sicherlich als solche geschätzt werden, zumindest von denen unter uns, die sie ohnehin nicht lesen können. Das Werk von Franz Kline steht für einen Moment in der Entwicklung des Abstrakten Expressionismus, in dem eine ähnliche Frage gestellt wurde, ob eine Deutung notwendig oder überhaupt möglich sei bei mancher abstrakten Kunst. Klines ikonische gestische Technik, kombiniert mit seinem Gebrauch gewöhnlicher Haushalts-Farbpinsel, führte zu Pinselstrichen, die auf den ersten Blick ganz denen anderer Action-Maler wie Willem de Kooning und Jackson Pollock entsprechen. Doch während diese Maler Werke schufen, die tief in einer zugrundeliegenden Bedeutung verwurzelt waren, schuf Kline Werke, die nur auf sich selbst Bezug nahmen. Die Pinselstriche, die er schuf, waren, wie er erklärte, „unabhängig von jeder Entität außer ihrer eigenen Existenz.“

Die Suche nach Franz Kline

Wenn es je einen Maler gab, der sein ganzes Leben der Erforschung der Tiefen des Unterbewusstseins hätte widmen können, dann war es Franz Kline. Klines frühes Leben war von Schmerz geprägt. Sein Vater starb, als Franz erst sieben Jahre alt war, und seine Mutter gab ihn bald darauf in ein Waisenhaus und heiratete erneut. Später litt Klines eigene Frau häufig an psychischen Erkrankungen und verbrachte Zeit in und außerhalb von Nervenheilanstalten. Zusammen mit den existenziellen Wirren, die die ganze Welt in den 1940er Jahren erlebte, machten Klines persönliche Kämpfe ihn zum idealen Vertreter der Ideen über das Unterbewusstsein und mystische Offenbarungen, die innerhalb der Abstrakten Expressionisten-Gemeinschaft entstanden.

Franz Kline - Ohne Titel II, 1952, Tusche und Öl auf ausgeschnittenen und aufgeklebteten Telefonbuchseiten auf Papier auf Holzplatte, 28 x 23 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Wie viele seiner Zeitgenossen wurde Kline ursprünglich als gegenständlicher Maler ausgebildet. Seine frühen Werke zeigen ein ausgezeichnetes Verständnis formaler Techniken und ein fortgeschrittenes Talent im Zeichnen. Er wandte sich der Abstraktion zu, nachdem er Mitglieder der New Yorker Schule kennengelernt hatte, wie Willem de Kooning, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Hans Hofmann und Philip Guston. Durch ihren Einfluss konzentrierte Kline sich darauf, die Natur der Pinselstriche in großformatigen Action-Gemälden zu erforschen, die aus einer vereinfachten Schwarz-Weiß-Palette bestanden. Ein Blick auf seine früheren Werke, obwohl gegenständlich, wie Puppe in der Farbschachtel, zeigt einige der gleichen Pinselstriche und das rohe Verständnis von Komposition und Farbe, die den abstrakten Stil prägten, der ihn schließlich berühmt machte.

Franz Kline in seinem Atelier, 1954, auf dem Titelblatt des LIFE Magazins mit zwei seiner ikonischen Schwarz-Weiß-Gemälde. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Die Verbindung zum Minimalismus

Obwohl er mit den Gründungsmitgliedern der Abstrakten Expressionisten der New Yorker Schule befreundet war und heute noch mit ihnen in Verbindung gebracht wird, unterscheidet sich Klines Werk in einer wichtigen und spezifischen Weise von deren. Während die anderen Abstrakten Expressionisten ihre eigenen Gefühle, Intuitionen und unterbewussten Emotionen erforschten und diese nutzten, um Werke zu schaffen, die tief persönlich und voller verborgener Bedeutung waren, schuf Kline Werke, die sich mit den formalen Eigenschaften der Malerei beschäftigten, wie Farbe, Pinselstrich, Komposition und Farbe.

Franz Kline - Ohne Titel – Lokomotive. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Er übernahm die gestische Maltechnik, die seine Mit-Abstrakten Expressionisten entwickelt hatten, und entwickelte daraus seinen eigenen, aktiven, körperlichen Stil. Doch in Klines ikonischen Action-Gemälden gab es keinen Mystizismus oder verborgene Bedeutung. Außerdem waren Klines malerische Kompositionen nicht spontan und instinktiv wie die Werke Pollocks, sondern wurden im Voraus geplant, oft detailliert auf Seiten alter Telefonbücher skizziert.

Anstatt den Inhalt seiner Werke zu erklären oder zu analysieren, forderte Kline die Betrachter auf, einfach mit den Zeichen und Kompositionen selbst zu interagieren, ohne nach Symbolik oder Bedeutung zu suchen, sondern sich einfach mit den formalen Eigenschaften der Kunst auseinanderzusetzen. Diese Werke drehten sich ganz um die einzigartige ästhetische Wertschätzung seiner charakteristischen Pinselstriche und des umgebenden negativen Raums. Kline war der Ansicht, dass die emotionale Wirkung des Werks vollständig durch die Wertschätzung dieser formalen Eigenschaften erlebt werden könne, und bestand darauf, dass dies das Wichtigste sei, worauf man sich konzentrieren solle. Durch diesen persönlichen Stil wurde er zu einer Art Verbindung zwischen dem Mystizismus der Abstrakten Expressionisten und dem Formalismus, den die Minimalisten annahmen.

Franz Kline - Ohne Titel – Schaukelstuhl. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Die Verbindung zu de Kooning

Die am häufigsten erzählte Geschichte über Klines Entwicklung zum abstrakten Meister lautet so: Er schuf bereits gestische Action-Gemälde, wenn auch im kleinen Format. Diese Werke, wie Ohne Titel – Lokomotive und Ohne Titel – Schaukelstuhl, beide aus dem Jahr 1946, enthalten alle Rohstoffe von Strich, Linie, Farbe und Komposition, die schließlich seinen späteren Stil prägen sollten. Der Legende nach ermutigte Klines Freund Willem de Kooning ihn, diese kleinen Gemälde großflächig an die Wand zu projizieren, so vergrößert, dass er die einzelnen Pinselstriche einfach für sich allein schätzen konnte.

Franz Kline - Chief, 1950, Öl auf Leinwand, 148 x 187 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Wie bei allen Geschichten aus der Kunstwelt gibt es auch hier Zweifler. Ob es sich um einen Mythos handelt, der auf Tatsachen beruht oder nicht, ist jedoch unerheblich. Aus seinen Werken der späten 1940er Jahre ist ersichtlich, dass Kline bereits in Richtung der Isolierung der formalen Natur und Merkmale seiner Pinselstriche ging. Ob es de Kooning war, der ihm empfahl, groß zu arbeiten und die Pinselstriche monumental in den Fokus zu rücken, oder ob er die Idee selbst hatte, macht kaum einen Unterschied. So oder so hatte er bis 1950 die Idee, groß zu arbeiten, voll angenommen. In jenem Jahr erhielt er seine erste Einzelausstellung in der Charles Egan Galerie in New York, die ihn und seine großformatigen Pinselstrich-Gemälde, wie Chief, Amerika vorstellte.

Cy Twombly - Ohne Titel, 1951, Industrielack auf Leinwand, 85 x 101 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Franz Kline als Lehrer

In den 1950er Jahren wurde Kline immer bekannter und einflussreicher. Er unterrichtete in dieser Zeit an verschiedenen Einrichtungen, darunter das Black Mountain College und das Pratt Institute in Brooklyn. Am deutlichsten zeigt sich bei seinen Schülern ihre Bereitschaft, ihre eigene Beziehung zu Gestik, Zeichen und Körperlichkeit zu erforschen. Einer von Klines berühmtesten Schülern war der abstrakte Maler Cy Twombly, der 1951 bei Kline am Black Mountain College studierte. Twomblys eigener ikonischer Stil ist eine höchst individuelle Form der Action-Malerei, die tief von Klines Technik beeinflusst ist.

Franz Kline - King Oliver, 1958, Öl auf Leinwand, 251,4 x 196,8 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Ende der 1950er Jahre erweiterte Kline seinen Stil um eine breitere Farbpalette. In Werken wie King Oliver, gemalt 1958, ist sein ikonischer persönlicher Stil noch erkennbar, ebenso wie seine gestischen Pinselstriche. Doch die erweiterte Farbpalette fügt dem Werk neue Dimensionen hinzu, die die Aufmerksamkeit von den Eigenschaften der Striche weg und hin zu einer tieferen Betrachtung der anderen formalen Eigenschaften der Malerei lenken. Kline erlangte in dieser Lebensphase internationale Bekanntheit, da seine Werke in einer Wanderausstellung des New Yorker MoMA mit dem Titel The New American Painting gezeigt wurden, die 1958 durch Europa tourte.

Franz Kline starb 1962 plötzlich an Herzversagen. Obwohl er die volle Blüte von Bewegungen wie dem Minimalismus und der postmalerischen Abstraktion nie erlebte, führte sein Fokus auf die formalen Eigenschaften der abstrakten expressionistischen Zeichenführung definitiv zu deren geistiger Entwicklung und ihrem kritischen Erfolg. Durch Klines ikonische Kunstwerke sehen wir eine konzeptuelle Brücke entstehen. Seine Arbeit als Künstler und Lehrer ermutigte viele seiner eigenen und zukünftiger Generationen, Gemälde als Gegenstände zu betrachten und nicht als Mittel oder Vermittler zu transzendentalen Erfahrungen, und unterstützte den Modernismus des späten 20. Jahrhunderts in seinem Bestreben, erfinderisch und frei zu bleiben.

Abgebildetes Bild: Franz Kline - Puppe in der Farbschachtel, 1940, Öl auf Leinwandplatte, 36 x 46 cm.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio