Wie Karel Appel die Regeln durch ein Experiment brach

Heute nehmen wir es als selbstverständlich hin, dass Kunst ein kreatives Feld ist. Aber was bedeutet das? Damit etwas geschaffen werden kann, darf es zuvor nicht existiert haben. Kreativität verlangt Originalität. Künstler sind daher Urheber. Aber das war nicht immer der Fall. Im Jahr 1921, als Karel Appel geboren wurde, begann die Kreativität gerade erst, sich als treibende Kraft der Kunst zu behaupten. Historisch gesehen wurde vor dem Modernismus der Erfolg in der Kunstwelt häufiger durch Dinge wie technische und ästhetische Meisterschaft als durch Kreativität erreicht. Professionelle Künstler wurden erwartet, die beobachtbare Welt nachzuahmen oder sie zumindest zu referenzieren und dies auf eine Weise zu tun, die intellektuell Sinn machte. Selbst abstrakte Künstler mussten in der Lage sein, den Zuschauern und Kritikern zu erklären, was sie taten und warum sie es taten, indem sie auf Ideologien und Methoden verwiesen, die in bestehenden Denkmustern verankert waren. Karel Appel gehörte zu der Generation von Künstlern, die diese Herangehensweise an die Schaffung von Kunst herausforderten. Anstatt Kunst aus der Perspektive dessen zu betrachten, was bereits existiert, plädierte Appel für eine Kunst, die das ausdrückt, was noch nicht existiert. Damit etablierte er ein neues Paradigma für Künstler, das auf Kreativität und Originalität basierte, das nicht nur die Regeln brach, sondern vielleicht auch die Notwendigkeit von Regeln insgesamt abschaffte.

Indeterminierte Experimentation

Wir sind alle wahrscheinlich mit dem Sprichwort vertraut: „Wenn es nicht kaputt ist, repariere es nicht.“ So prägnant und klischeehaft es auch klingt, drückt dieses Gefühl das aus, was im Herzen des Modernismus steht. Am Ende des 19. Jahrhunderts konnte jeder im Westen, der eine globale Perspektive hatte und zu kritischer Beobachtung fähig war, klar erkennen: „Es war kaputt“: das „es“ war der menschliche Fortschritt. Die Logik der westlichen Zivilisation hatte zu einer Atmosphäre intensiver Konkurrenz und Gewalt geführt, die drohte, das Gefüge der Menschheit auseinanderzureißen. Obwohl es zugegebenermaßen viele Menschen gab, die zu dieser Zeit finanziell oder anderweitig von dem kaputten System profitierten, gab es viele mehr, die sehen konnten, dass es Zeit für eine Veränderung war.

Der Modernismus ist der Name, den wir allgemein verwenden, um die Epoche zu bezeichnen, die gegen Ende des 19. Jahrhunderts begann, während der eine Reihe umfassender transformierender Bemühungen von Menschen unternommen wurden, um sich vorzustellen, was die moderne menschliche Gesellschaft ist und sein könnte. Das grundlegende Prinzip des Modernismus wurde am besten vom Autor Ezra Pound ausgedrückt, als er sagte: “Make it new!” Er sprach über das weit verbreitete Verlangen, das so viele Menschen hatten, eine Art alternative kulturelle Realität zu schaffen. Aber die Frage, die jedem Modernisten im Kopf schwebte, war: „Wie machen wir es neu?“ Die meisten der verschiedenen vorgeschlagenen Antworten beinhalteten die Erfindung neuer künstlerischer Stile, die Abstraktion der aktuellen Sichtweise auf die Welt oder die Innovation der Verwendung ästhetischer Elemente wie Farbe, Linie oder Form. Die Lösung, die Karel Appel vorschlug, war einzigartig. Sie ignorierte Ästhetik und Stil völlig und konzentrierte sich auf einen einfachen Faktor: Originalität, ermöglicht durch ungehinderte Freiheit zum Experimentieren.

Karel Appel - Die wilden Feuerwehrmänner, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Stiftung

Die Präsenz der Abwesenheit

Für Appel hatte der Wert des künstlerischen Aktes nichts mit dem Produkt zu tun, das letztendlich als Ergebnis des Aktes geschaffen werden würde. Wichtig war der kreative Prozess. Es ging nicht darum, dass ein Künstler darüber spricht, was gemacht werden sollte, oder zu beurteilen oder zu erklären, was schließlich gemacht wurde. Es ging einfach darum, zu schaffen: etwas Unbekanntes zu manifestieren, das Unreale real werden zu lassen. Wie Appel es ausdrückte: „Wenn der Pinselstrich so wichtig ist, dann deshalb, weil er genau das ausdrückt, was nicht da ist." 

Karel Appel - Untitled Sculpture, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Es wurde oft festgestellt, dass Appels früheste Bemühungen um ungebundene experimentelle ästhetische Schöpfung Bilder ähneln, die von Kindern gemacht wurden. Ihre quasi-figurativen, quasi-abstrakten Kompositionen nutzen ein scheinbar chaotisches Vokabular von Farbe und primären Ausdrucksformen von Linie und Form. Sie wurden ursprünglich so missverstanden, dass sie bei ihrer ersten Ausstellung in den späten 1940er Jahren öffentlich verspottet wurden. Aber Appel ließ sich nicht entmutigen. Er war nicht von öffentlicher Zustimmung motiviert. Er war entschlossen, Abwesenheit durch einen Prozess der Manifestation von Präsenz zu konfrontieren. Er war auf einer Reise zur Originalität, ohne Rücksicht darauf, wo diese Reise endete oder wie sie aussah.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Stiftung

Karel Appel und die CoBrA-Gruppe

Was war so schockierend an Appels Gemälden? War es die Tatsache, dass er scheinbar nicht um die ästhetischen Ergebnisse seines Prozesses kümmerte? Oder war es die Freiheit, mit der er schuf, die so verstörend war? Die Antwort könnte in den Umständen der Welt gefunden werden, in die Appels Kunst eingeführt wurde. Seine erste Ausstellung fand 1946 statt, als Europa gerade aus dem Zweiten Weltkrieg hervorgegangen war. Der weit verbreitete Glaube war, dass die Welt verrückt geworden war. Die Praktikabilität des Wiederaufbaus des Kontinents und der Umgang mit den erschütternden Verlusten zwangen die Kultur zu einem ausgeprägten Gefühl existenzieller Angst. Es gab ein starkes metaphysisches Verlangen, den Krieg zu kontextualisieren, damit die Überlebenden das Gefühl hatten, das Opfer sei den Preis wert gewesen. 

Während des Krieges waren die Einwohner Dänemarks, der Niederlande und Belgiens durch die deutsche Besetzung ihres Gebiets effektiv vollständig von der restlichen Welt abgeschnitten. Unmittelbar nach dem Krieg wurde deutlich, dass eine kleine Gruppe von Künstlern, die den Krieg in Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam verbracht hatte, zu einem ähnlichen Ansatz in der Kunstproduktion gelangt war. Die Gruppe, zu der auch Appel gehörte, wies die Logik und die Rationalität bestehender westlicher Institutionen zurück. Sie ließen sich von primitiver Volkskunst und der Kunst von Kindern inspirieren. Sie schufen Kunst, die in Intuition, Spontaneität und Freiheit des Ausdrucks verwurzelt war. Als diese Künstler begannen, gemeinsam auszustellen, wurden sie die CoBrA-Gruppe genannt, ein Etikett, das von den ersten Buchstaben ihrer Heimatstädte abgeleitet wurde.

Karel Appel - Fragende Kinder, 1949. Gouache auf Holz. Objekt: 873 x 598 x 158 mm, Rahmen: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Stiftung

Eine Konvergenz von Einflüssen

Appel kam nicht in einem Vakuum zu seinem Ansatz. In seinen Schriften erwähnt er, eine Kurt Schwitters-Ausstellung gesehen zu haben, seine erste Erfahrung, ein objet trouvé zu erleben, ein Kunstwerk, das aus gefundenen Objekten besteht. Er bezeichnet die Erfahrung als „erschütternd.“ Sie befreite ihn von der Notwendigkeit, historischen Traditionen bezüglich der Medien zu folgen, und befreite ihn damit von allen historischen Traditionen überhaupt. Die intuitive, kindliche Freiheit, mit der Appel schafft, schuldet auch Künstlern wie Paul Klee und Joan Miro einen Tribut, die beide einen Geist der ungehinderten Freiheit in ihrer Arbeit vermittelten.

Neben künstlerischen Einflüssen schreibt Appel auch über drei weitere Einflüsse auf sein Denken. Er erwähnt das Buch Leaves of Grass des amerikanischen Dichters Walt Whitman, das Langgedicht The Songs of Maldoror des uruguayisch-französischen Schriftstellers Comte de Lautréamont und die Schriften von Jiddu Krishnamurti, einem einflussreichen Denker über die Natur der Menschheit. Zusammen zeigen diese Einflüsse ein breites Spektrum an Denken. Leaves of Grass ist eine der eloquentesten und optimistischsten Feiern von Freiheit und Offenheit, die je geschrieben wurden. The Songs of Maldoror hingegen ist eine der markantesten Erkundungen des totalen Bösen, die je komponiert wurden. In der Zwischenzeit ermutigte Jiddu Krishnamurti zur Hingabe nur an das persönliche Bewusstsein, um die Wahrheit zu erfahren und frei zu werden.

Karel Appel - aus der Nude-Serie, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Appels Vermächtnis

Durch die Beobachtung der ungebremsten Begeisterung von Kindern und Volkskünstlern fand Appel einen Weg, in sich selbst dasselbe Gefühl von Freiheit zu entdecken. Er legte großen Wert auf den Wert eines freien menschlichen Geistes. Er zeigte auf praktische Weise, wie Künstler ihre innere Erfahrung der eigenen Wahrheit frei und spontan ausdrücken konnten. Allein dieser Akt inspirierte eine ganze Generation von Künstlern, darunter so wichtige Persönlichkeiten wie Willem de Kooning und Jackson Pollock, die die Welt durch Bewegungen wie Art Informel und Abstract Expressionism veränderten. 

Aber jenseits der einzelnen Künstler und Stile, die er beeinflusste, kann das wahre Erbe von Appels Beitrag mit den Worten „kreativer Prozess“ zusammengefasst werden. Es ist ganz den Künstlern wie Appel zu verdanken, dass wir heute als selbstverständlich ansehen, dass der wichtigste Aspekt der Kunst Originalität und nicht Nachahmung sein sollte. 1989 fasste Appel seine Erfahrungen zusammen und sagte: „Kreativität ist sehr zerbrechlich. Sie ist wie ein Blatt im Herbst; es hängt und wenn es fällt, weiß man nicht, wohin es driftet… Als Künstler muss man kämpfen und in der Wildnis überleben, um seine kreative Freiheit zu bewahren.“ Indem er wahre Originalität umarmte, beseitigte Appel die Notwendigkeit, sich an einen anderen Weg als den der freien Ausdrucksweise zu halten. Durch sein Werk lernen wir, dass es nicht nur darum geht, die Produkte der Arbeit eines Künstlers zu sammeln, zu kategorisieren und zu bewundern, sondern die Originalität und Freiheit zu bestaunen, aus der diese Objekte hervorgegangen sind, und ihre Quelle als den wirklich kostbaren und unendlichen Prozess der Kreativität zu umarmen.

Vorgestelltes Bild: Karel Appel - Kleine Mondmänner, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Stiftung
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio