Wie Karel Appel die Regeln durch ein Experiment brach

Heute halten wir es für selbstverständlich, dass Kunst ein schöpferisches Feld ist. Aber was bedeutet das? Damit etwas geschaffen wird, darf es zuvor nicht existiert haben. Kreativität verlangt Originalität. Künstler sind daher Urheber. Doch das war nicht immer so. Im Jahr 1921, als Karel Appel geboren wurde, begann sich Kreativität gerade erst als treibende Kraft der Kunst durchzusetzen. Historisch gesehen wurde vor der Moderne Erfolg in der Kunstwelt eher durch technische und ästhetische Meisterschaft als durch Kreativität erreicht. Von Berufskünstlern wurde erwartet, dass sie die sichtbare Welt nachahmen oder zumindest darauf Bezug nehmen und dies auf eine Weise tun, die intellektuell nachvollziehbar war. Selbst abstrakte Künstler mussten in der Lage sein, Betrachtern und Kritikern zu erklären, was sie taten und warum, indem sie sich auf Ideologien und Methoden bezogen, die in bestehenden Denkmustern verankert waren. Karel Appel gehörte zu der Künstlergeneration, die diese Herangehensweise an die Kunstschaffung infrage stellte. Anstatt Kunst aus der Perspektive des bereits Existierenden zu betrachten, setzte sich Appel für eine Kunst ein, die das ausdrückt, was noch nicht existiert. Damit schuf er ein neues Paradigma für Künstler, das auf Kreativität und Originalität basierte, das nicht nur die Regeln brach, sondern vielleicht sogar die Notwendigkeit von Regeln ganz abschaffte.

Unbestimmte Erprobung

Wir kennen wahrscheinlich alle das Sprichwort: „Wenn es nicht kaputt ist, repariere es nicht.“ So prägnant und abgedroschen es klingt, drückt dieser Satz das Gefühl aus, das im Kern der Moderne steht. Ende des 19. Jahrhunderts konnte jeder mit globaler Perspektive und kritischem Blick in der westlichen Welt klar erkennen, dass „es kaputt war“ – das „es“ bezog sich auf den menschlichen Fortschritt. Die Logik der westlichen Zivilisation hatte zu einer Atmosphäre intensiven Wettbewerbs und Gewalt geführt, die drohte, das Gefüge der Menschheit zu zerreißen. Zwar profitierten damals viele Menschen finanziell oder anderweitig vom zerbrochenen System, doch noch viel mehr sahen, dass es Zeit für eine Veränderung war.

Moderne ist der Begriff, den wir allgemein für die Epoche verwenden, die gegen Ende des 19. Jahrhunderts begann, in der eine Reihe umfassender Umgestaltungsbemühungen unternommen wurden, um sich vorzustellen, was die moderne menschliche Gesellschaft ist und sein könnte. Das grundlegende Prinzip der Moderne brachte der Autor Ezra Pound am besten zum Ausdruck, als er sagte: „Mach es neu!“ Er sprach von dem weit verbreiteten Wunsch vieler Menschen, eine alternative kulturelle Wirklichkeit zu schaffen. Doch die Frage, die jeden Modernisten beschäftigte, lautete: „Wie machen wir es neu?“ Die meisten vorgeschlagenen Antworten beinhalteten die Erfindung neuer künstlerischer Stile, die Abstraktion der gegenwärtigen Weltsicht oder die Neuerung im Gebrauch ästhetischer Elemente wie Farbe, Linie oder Form. Die Lösung, die Karel Appel vorschlug, war einzigartig. Sie ignorierte Ästhetik und Stil völlig und konzentrierte sich auf einen einfachen Faktor: Originalität, ermöglicht durch uneingeschränkte Freiheit zum Experimentieren.

Karel Appel - The Wild Firemen, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Die Gegenwart der Abwesenheit

Für Appel hatte der Wert des künstlerischen Handelns nichts mit dem Produkt zu tun, das letztlich durch das Handeln geschaffen wurde. Wichtig war der schöpferische Prozess. Es ging nicht darum, dass ein Künstler darüber spricht, was geschaffen werden soll, oder das Ergebnis beurteilt oder erklärt. Es ging einfach darum zu schaffen: etwas Unbekanntes manifest werden zu lassen, das Unwirkliche Wirklichkeit werden zu lassen. Wie Appel sagte: „Wenn der Pinselstrich so wichtig ist, dann weil er genau das ausdrückt, was nicht da ist.“

Karel Appel - Untitled Sculpture, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Es wurde oft bemerkt, dass Appels früheste Versuche in uneingeschränkter experimenteller ästhetischer Schöpfung Bildern ähneln, die von Kindern gemacht wurden. Ihre quasi-figurativen, quasi-abstrakten Kompositionen verwenden einen scheinbar chaotischen Wortschatz aus Farbe und ursprünglichen Ausdrucksformen von Linie und Form. Sie wurden ursprünglich so missverstanden, dass sie bei ihrer ersten Ausstellung Ende der 1940er Jahre öffentlich verspottet wurden. Doch Appel ließ sich nicht entmutigen. Er war nicht auf öffentliche Anerkennung aus. Er widmete sich der Konfrontation mit der Abwesenheit durch den Prozess der Manifestation von Gegenwart. Er war auf einer Reise zur Originalität, ohne Rücksicht darauf, wo diese Reise endete oder wie sie aussah.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Karel Appel und die CoBrA-Gruppe

Was war so schockierend an Appels Gemälden? War es die Tatsache, dass es ihm scheinbar egal war, wie das ästhetische Ergebnis seines Prozesses ausfiel? Oder war es die Freiheit, mit der er schuf, die so beunruhigend war? Die Antwort findet sich vielleicht in den Umständen der Welt, in die Appels Kunst eingeführt wurde. Seine erste Ausstellung fand 1946 statt, als Europa gerade aus dem Zweiten Weltkrieg hervorgegangen war. Die weit verbreitete Überzeugung war, dass die Welt verrückt geworden war. Die praktischen Aufgaben des Wiederaufbaus des Kontinents und die Konfrontation mit den erschütternden Verlusten zwangen die Kultur zu einem scharfen Gefühl existenzieller Angst. Es gab ein starkes metaphysisches Verlangen, den Krieg in einen Zusammenhang zu stellen, damit die Überlebenden das Gefühl hatten, das Opfer habe sich gelohnt.

Während des Krieges waren die Bewohner Dänemarks, der Niederlande und Belgiens durch die deutsche Besetzung ihres Gebietes faktisch vollständig von der übrigen Welt abgeschnitten. Unmittelbar nach dem Krieg wurde deutlich, dass eine kleine Gruppe von Künstlern, die den Krieg in Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam verbracht hatten, zu einer ähnlichen Herangehensweise an die Kunst gelangt war. Die Gruppe, zu der auch Appel gehörte, lehnte die Logik und Begründung der bestehenden westlichen Institutionen ab. Sie ließen sich von primitiver Volkskunst und der Kunst von Kindern inspirieren. Sie schufen Kunst, die auf Intuition, Spontaneität und freiem Ausdruck beruhte. Als diese Künstler begannen, gemeinsam auszustellen, wurden sie die CoBrA-Gruppe genannt, ein Name, der sich aus den Anfangsbuchstaben ihrer Heimatstädte zusammensetzt.

Karel Appel - Questioning Children, 1949. Gouache auf Holz. Objekt: 873 x 598 x 158 mm, Rahmen: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Ein Zusammenfluss von Einflüssen

Appel kam nicht aus dem Nichts zu seiner Herangehensweise. Er erwähnt in seinen Schriften, dass er eine Ausstellung von Kurt Schwitters gesehen hat, seine erste Erfahrung mit dem, was er ein objet trouvé nennt, ein Kunstwerk aus gefundenen Gegenständen. Er bezeichnet die Erfahrung als „erschütternd“. Sie befreite ihn von der Notwendigkeit, historischen Traditionen bezüglich der Materialien zu folgen, und überhaupt von allen historischen Traditionen. Die intuitive, kindliche Freiheit, mit der Appel schafft, verdankt er auch Künstlern wie Paul Klee und Joan Miró, die beide einen Geist ungehemmter Freiheit in ihrer Arbeit vermittelten.

Neben künstlerischen Einflüssen schreibt Appel auch über drei weitere Einflüsse auf sein Denken. Er erwähnt das Buch Leaves of Grass des amerikanischen Dichters Walt Whitman, das lange Gedicht The Songs of Maldoror des uruguayisch-französischen Schriftstellers Comte de Lautréamont und die Schriften von Jiddu Krishnamurti, einem einflussreichen Denker über die Natur des Menschen. Zusammengenommen zeigen diese Einflüsse ein breites Spektrum an Gedanken. Leaves of Grass ist eine der beredtesten und optimistischsten Feierlichkeiten von Freiheit und Offenheit, die je geschrieben wurden. The Songs of Maldoror hingegen ist eine der markantesten Erkundungen des absoluten Bösen, die je verfasst wurden. Jiddu Krishnamurti wiederum forderte die Hingabe nur an das persönliche Bewusstsein, um Wahrheit zu erfahren und frei zu werden.

Karel Appel - aus der Serie Nackte, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Appels Vermächtnis

Indem er die uneingeschränkte Begeisterung von Kindern und Volkskünstlern beobachtete, fand Appel einen Weg, in sich selbst dasselbe Gefühl von Freiheit zu entdecken. Er legte großen Wert auf den Wert eines freien menschlichen Geistes. Er zeigte praktisch, wie Künstler frei und spontan den inneren Ausdruck ihrer eigenen Wahrheit darstellen können. Allein diese Tat inspirierte eine ganze Künstlergeneration, darunter so bedeutende Persönlichkeiten wie Willem de Kooning und Jackson Pollock, die durch Bewegungen wie Art Informel und Abstrakten Expressionismus die Welt veränderten.

Doch über die einzelnen Künstler und Stile hinaus lässt sich das wahre Vermächtnis von Appels Beitrag mit den Worten „schöpferischer Prozess“ zusammenfassen. Es ist ganz und gar Künstlern wie Appel zu verdanken, dass wir heute als selbstverständlich ansehen, dass der wichtigste Aspekt der Kunst Originalität sein sollte und nicht Nachahmung. 1989 fasste Appel seine Erfahrung zusammen mit den Worten: „Kreativität ist sehr zerbrechlich. Sie ist wie ein Blatt im Herbst; es hängt und wenn es fällt, weiß man nicht, wohin es treibt… Als Künstler muss man kämpfen und die Wildnis überleben, um seine schöpferische Freiheit zu bewahren.“ Indem er wahre Originalität annahm, beseitigte Appel die Notwendigkeit, einem anderen Weg als dem freien Ausdruck zu folgen. Durch seine Arbeit lernen wir, dass es nicht nur darum geht, die Produkte der Arbeit eines Künstlers zu sammeln, zu ordnen und zu bewundern, sondern die Originalität und Freiheit zu bewundern, aus der diese Werke entstanden sind, und ihre Quelle als den wirklich kostbaren und unendlichen Prozess der Schöpfung zu umarmen.

Abgebildetes Bild: Karel Appel - Kleine Mondmänner, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio