Wie die 9th Street Art Exhibition 1951 aus den New Yorker Kunstkanons heraustrat

Einige Leute sagen, die 9. Straßenkunstausstellung sei ein radikaler Akt des Kultur-Jammings gewesen. Andere sagen, es sei ein verzweifelter Akt gewesen, initiiert von einer Gruppe hungernder Künstler, die keinen anderen Ort hatten, um ihre Arbeiten zu zeigen. In Wahrheit könnte es eine Mischung aus beidem gewesen sein. Unabhängig davon ist die Ausstellung legendär. Sie fand 1951 in einem verlassenen Ladenlokal in Lower Manhattan statt, in einem Gebäude, das zum Abriss vorgesehen war, und zeigte die Arbeiten von etwa 70 Künstlern. Fast alle Teilnehmer waren zu dieser Zeit praktisch anonym, da sie von den Galerien, Museen und Sammlern, die die New Yorker Szene dominierten, ausgeschlossen worden waren. Ihre Ablehnung resultierte größtenteils daraus, dass ihre Arbeiten experimentell waren und dazu tendierten, abstrakt zu sein, was im Widerspruch zu den Vorlieben des amerikanischen Marktes stand. Fast alle Künstler der Ausstellung waren auch Teil eines sozialen Kreises, der sich um "The Club" drehte, ein loses Kollektiv von avantgardistischen Künstlern und Intellektuellen, das sich regelmäßig in einem Gebäude in der 39 East 8th Street traf. Eine Reihe von Gesprächen im Club darüber, wie man die Institution dazu bringen könnte, ihre Arbeiten zu respektieren, führte zu der Idee, dass sie, wenn sie eine große Gruppenausstellung organisieren und genug Aufsehen in der Stadt erzeugen könnten, möglicherweise den kritischen Nebel durchbrechen und schließlich ihre Arbeiten und Ideen ehrlich und fair vom amerikanischen Publikum beurteilen lassen könnten. Mit fast kein Geld zwischen ihnen schlossen sie sich zusammen, bündelten ihre Ressourcen und schafften es, eine monumentale Ausstellung zu inszenieren, die nicht nur vielen von ihnen kritische Anerkennung einbrachte, sondern auch die amerikanische Kunstwelt grundlegend veränderte.

Die Castelli-Verbindung

Ursprünglich war die größte Sorge der an der 9th Street Art Exhibition beteiligten Künstler die Frage, wer die Ausstellung aufhängen würde. Trotz ihrer Kameradschaft hatte diese Gruppe von Künstlern einige der größten Egos, die die Welt je gesehen hat. Sie waren talentiert, brillant und äußerst wettbewerbsfähig, und sie fürchteten zu Recht, dass Vetternwirtschaft, Politik oder offene Korruption dazu führen würden, dass einige Künstler eine bevorzugte Platzierung in der Ausstellung erhielten. Der Ausstellungsraum bestand aus einem Erdgeschoss und einem Keller. Wer würde oben sein und wer würde nach unten gehen? Wer würde seine Arbeiten im Fenster haben? Das waren entscheidende Fragen. Die eine Person, der alle Künstler zu vertrauen schienen, war ein italienischer Einwanderer namens Leo Castelli, der ein wenig Erfahrung als Kunsthändler in Europa hatte und auch einer der wenigen Nicht-Künstler-Mitglieder des Clubs war.

Castelli nahm die großartige Aufgabe an, die Ausstellung zu kuratieren, und er übernahm auch die meisten Kosten. Die Miete für den heruntergekommenen Raum für die gesamte Dauer der Ausstellung betrug nur 70 $. Aber fast jeder, der an der Ausstellung beteiligt war, war pleite, und einige litten buchstäblich Hunger. Castelli übernahm die Rechnung, und die Künstler machten die gesamte Arbeit zur Renovierung des Raums. Franz Kline stellte alle Werbematerialien her und entwarf den Katalog. Das Gerücht, das ihre Vorbereitungen erzeugten, verbreitete sich in ganz New York, und je näher sie der Eröffnung der Ausstellung kamen, desto umstrittener wurde die Stimmung unter den Künstlern. Jahre später erinnerte sich Castelli an die Erfahrung und bemerkte, dass, obwohl jeder begeistert von der Aufmerksamkeit war, die die Ausstellung erhielt, fast jeder einzelne Künstler mit der Art und Weise, wie ihre Arbeiten präsentiert wurden, unzufrieden war. Das bedeutet, dass Castelli offensichtlich seinen Job perfekt gemacht hat, da das beste Maß für eine erfolgreiche Verhandlung ist, dass die besten Ergebnisse erzielt werden.

Franz Kline - Plakat zur Kunstausstellung 9th Street, 1951

Ein wichtiger Bestandteil einer bedeutenden Kette

Als die 9th Street Art Exhibition eröffnet wurde, gab es eine Schlange von Menschen, die darauf warteten, hereinzukommen. Unter den Zuschauern waren einige der einflussreichsten Personen der New Yorker Kunstwelt – Händler, Sammler und Museumsdirektoren. Die Werke, die sie in der Ausstellung sahen, wurden von Künstlern geschaffen, die bald zu Luminarien wichtiger neuer Kunstbewegungen wie Abstract Expressionism, Post-Painterly Abstraction, Pop Art, Color Field Painting, Hard Edge Abstraction und Neo-Expressionism werden, Stile, die halfen, die amerikanische Kunst in den 1950er, 60er und 70er Jahren zu definieren. Einige dieser Künstler erhielten so viel positive Aufmerksamkeit, dass sie infolge der Ausstellung in großen Galerien vertreten wurden, und nur wenige Jahre später fanden sich mehrere von ihnen mit ganz neuen Herausforderungen im Zusammenhang mit plötzlichem Reichtum und Ruhm konfrontiert. Doch kommerzieller Erfolg war bei weitem nicht das einzige Erbe dieser Ausstellung. Der wahre Grund, warum die 9th Street Art Exhibition so wichtig war, liegt darin, was sie tat, um eine lange Tradition von künstlerisch organisierten kulturellen Rebellionen aufrechtzuerhalten.

Die Geschichte der von Künstlern organisierten Gegen-Ausstellungen reicht mindestens bis ins Jahr 1874 zurück, als die „Anonyme Gesellschaft der Maler“ ihre erste Ausstellung impressionistischer Kunst im Fotostudio des Künstlers Nadar veranstaltete. Sie setzte sich 1884 fort, als der Salon des Artistes Indépendants seine erste Ausstellung mit der Proklamation „sans jury ni récompense“, „ohne Jury und ohne Belohnung“, abhielt. Die 9th Street Art Exhibition setzte diese Tradition fort. Und all diese Ausstellungen legten das Fundament für die experimentellen Kunstkollektive und von Künstlern betriebenen Räume, die das avantgardistische Schaffen des späten 20. Jahrhunderts prägten und die auch heute noch eine treibende Kraft für Innovation sind. Vielleicht leben wir jetzt in einer Zeit, in der der kommerzielle Markt die staatliche Zensur und die intellektuellen Vorurteile der Vergangenheit ersetzt hat. Es scheint, als würden die meisten Künstler von heute ignoriert, es sei denn, sie können enorme Gewinne für Händler generieren oder zehntausende von Tickets für Institutionen verkaufen. Aber das ist kein Grund zur Entmutigung. Es ist vielmehr der perfekte Grund, zurückzublicken und die Lektion der 9th Street Art Exhibition zu erinnern: dass einige der lebhaftesten, fesselndsten und energiegeladensten Kunstwerke der Zukunft wahrscheinlich gerade jetzt im Verborgenen sind, wo wir am wenigsten erwarten, dass sie sich befinden.

Vorschaubild: Franz Kline - Studie für die Ninth Street, 1951. Öl und Bleistift auf Karte. 20 x 25,4 cm. (7,9 x 10 Zoll)

Von Phillip Barcio