Das Met erkundet das tiefgreifende Erbe des Abstract Expressionism.

Das Met Fifth Avenue in New York eröffnete diese Woche Epische Abstraktion: Pollock bis Herrera. Die Ausstellung zeigt mehr als 50 bedeutende Werke einiger der faszinierendsten abstrakten Künstler des vergangenen Jahrhunderts und verdient ihren Namen, weil sie die Wirkung von großartigem Maßstab erforscht. Großartigkeit wird manchmal durch massive Kunstwerke ausgedrückt – wie die die Galerie dominierende Skulptur „Mrs. N’s Palace“ (1964–77) von Louise Nevelson – manchmal durch gewaltige Ideen – wie die Verwendung automatischer Zeichnung, um Gemälde zu schaffen, die die Geheimnisse des Unterbewusstseins kanalisieren – und manchmal durch technische Methoden, wie bei den enorm komplexen Assemblagen von Thornton Dial. Der Untertitel der Ausstellung, Pollock bis Herrera, verweist auf zwei grundlegende Gedanken. Erstens die Theorie, dass die Arbeit von Jackson Pollock in den 1940er Jahren, dem Jahrzehnt, in dem die Ausstellung beginnt, einen Wendepunkt in der Welt der abstrakten Kunst markierte: einen Moment, in dem „größer“ wirklich als „besser“ galt. Zweitens, dass die Werke von relativ unterschätzten Künstlern wie Carmen Herrera – der in Kuba geborenen minimalistischen Künstlerin, die im Alter von 101 Jahren 2016 ihre erste Retrospektive im Whitney Museum of American Art erhielt – ebenso wichtig sind wie die der bekannten Superstars. Tatsächlich sind Werke vieler wenig bekannter Künstler zu sehen, wie der bereits erwähnte Assemblage-Künstler Thornton Dial; das berüchtigte Mitglied der Gutai-Gruppe Kazuo Shiraga, der das bahnbrechende (im wahrsten Sinne des Wortes) Performance-Stück „Challenging the Mud“ (1955) schuf; und die innovative ungarische abstrakte Malerin Ilona Keserü. Die Ausstellung reicht auch bis in die Gegenwart mit Werken jüngerer abstrakter Künstler wie Chakaia Booker und Mark Bradford. Eine weitere Grundannahme, die die Kuratoren in ihrem Ausstellungstext darlegen, ist, dass existenzielle Angst die treibende Kraft war, die abstrakte Künstler vor 70 Jahren dazu inspirierte, epische Werke zu schaffen. Die Ausstellung könnte Sie dann fragen lassen: Hat die epische Abstraktion etwas getan, um unsere Angst zu lindern? Oder hat sie uns einfach geholfen, existenzielle Angst als grundlegend für unsere menschliche Existenz zu akzeptieren?

Ein Platz in der Geschichte

Die Aufzählung berühmter Künstler in „Epische Abstraktion“ wird jeden Kunstliebhaber begeistern: Neben den oben genannten Größen sind Werke von Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold und Morris Louis zu sehen. Und es gibt viele Beispiele von Künstlern, die den meisten Besuchern neu sein werden, wie der japanische kalligraphische Abstraktionist Inoue Yūichi, der philippinische abstrakte Künstler Alfonso Ossorio, die Minimalistin Anne Truitt und der argentinische Farbgenie Alejandro Puente. Doch abgesehen vom Umfang dieses historischen Ansturms fand ich am epischsten an der Ausstellung, wie zwei Werke besonders die Erzählung unterlaufen, die im Untertitel der Ausstellung verborgen liegt. Indem Pollock und Herrera genannt und von allen anderen Künstlern abgehoben werden, scheinen die Kuratoren zu suggerieren, dass Abstrakter Expressionismus und Minimalismus die einflussreichsten Bewegungen sind, die betrachtet werden, und dass Malerei der Hauptfokus der Ausstellung ist. Doch die Werke, Methoden und Errungenschaften von Pollock und Herrera, so großartig sie auch sind, sind bei weitem nicht die epischsten in dieser Ausstellung.

Diese Ehre, meiner Meinung nach, gebührt Louise Nevelson und Thornton Dial. Die Nevelson-Skulptur, die gezeigt wird, wird Betrachter, die ihre Arbeit noch nie gesehen haben, fragen lassen, warum überhaupt jemand über Pollock spricht, wenn Nevelson seine Zeitgenossin war. Ihre Arbeit ist technisch anspruchsvoller, konzeptionell faszinierender und relevanter für den Geist New Yorks, wo sowohl sie als auch Pollock wirkten. Pollock hat, praktisch gesehen, ein wenig Neuland betreten, indem er die Ideen und Methoden anderer Künstler übernahm und perfektionierte. Nachdem er berühmt wurde, weil er den nächsten logischen Schritt ging, zerstörte sich Pollock selbst, weil er mit einem einflussreichen Kritiker befreundet war. Seine Gemälde sind fesselnd, aber Nevelson erreichte viel mehr als Pollock, war origineller und arbeitete viel länger, sodass sie ein weitaus faszinierenderes und zum Nachdenken anregendes Erbe aus Kunst und Ideen hinterließ.

Eine lange vermisste Stimme

Dann ist da noch Thornton Dial. Sein Werk „Shadows of the Field“ (2008) ist für mich eines der eindringlichsten Werke der Ausstellung. Seine epische Natur liegt in seinen Materialien, seiner Konstruktion, seinen Farben und den verborgenen Welten – sowohl physisch als auch metaphysisch –, die in seiner Form lauern. Zusammengesetzt aus gefundenen und weggeworfenen Abfallmaterialien, soll das Werk das Erbe der Pachtbauernschaft hervorrufen, jenes ungerechte und oft brutale Landwirtschaftssystem, in das Dial 1928 hineingeboren wurde. Eine massive Assemblage aus Schnur, synthetischer Baumwollwatte, Jute, Blech, Stofffetzen und Metall, besitzt es die körperliche Präsenz von Erschöpfung. Es verkörpert das Zusammenkommen von Härte und Verletzlichkeit. Geschaffen, als der Künstler 80 Jahre alt war, zeugt es auch von seiner autodidaktischen Hand. Während Pollock reich wurde und sich zu Tode trank, lebte Dial in Armut, arbeitete sich zu Tode und versuchte einfach nur, in einem rassistischen Gesellschaftssystem zu überleben, das die meisten schwarzen Amerikaner nicht nur als Künstler, sondern nicht einmal als zahlende Besucher in Museen zuließ.

Vielleicht werden im Laufe der Zeit, wenn diese Ausstellung weitergeht, andere Definitionen von „episch“ auftauchen und noch kraftvollere und faszinierendere Werke hinzukommen – die Ausstellungsdaten sind schließlich offen, und die gezeigten Werke aus der ständigen Sammlung des The Met werden regelmäßig ausgetauscht. Aber vorerst macht „Shadows of the Field“, eines von zehn Werken von Dial, die das Met kürzlich erworben hat, die epischste Aussage. Es sagt aus, dass ein ungeschulter schwarzer Pachtbauer aus dem Süden einige der kraftvollsten und bedeutungsvollsten abstrakten Kunstwerke der letzten 70 Jahre geschaffen hat, die die Werke von Künstlern übertreffen, die weit mehr Privilegien und Chancen hatten als er. Es signalisiert auch, dass, obwohl Angst vielleicht ein unvermeidbarer Teil unserer menschlichen Existenz ist, die Kunst, die daraus entsteht, oft eine rettende Gnade sein kann.

Abgebildetes Bild: Louise Nevelson – Mrs. N's Palace, 1964–77. Bemaltes Holz, Spiegel, 355,6 x 607,1 x 457,2 cm. The Metropolitan Museum of Art, Geschenk der Künstlerin, 1985 © 2018 Nachlass von Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Von Phillip Barcio