Das Met erkundet das tiefgreifende Erbe des Abstract Expressionism.

Das Met Fifth Avenue in New York hat diese Woche Epische Abstraktion: Pollock bis Herrera eröffnet. Die Ausstellung zeigt mehr als 50 bedeutende Werke einiger der faszinierendsten abstrakten Künstler des vergangenen Jahrhunderts und trägt ihren Namen, weil sie die Auswirkungen grandioser Maßstäbe untersucht. Grandiosität wird manchmal durch massive Kunstwerke ausgedrückt – wie die galeriebeherrschende Skulptur „Mrs. N’s Palace“ (1964–77) von Louise Nevelson – manchmal durch massive Ideen – wie die Verwendung automatischer Zeichnungen zur Schaffung von Gemälden, die die Geheimnisse des Unterbewusstseins kanalisieren – und manchmal durch technische Methoden, wie bei dem enorm komplexen Assemblage-Werk von Thornton Dial. Unterdessen verweist der Untertitel der Ausstellung, Pollock bis Herrera, auf zwei allgemeine Ideen. Die erste ist die Theorie, dass die Arbeiten von Jackson Pollock in den 1940er Jahren, dem Jahrzehnt, in dem die Kuratierung beginnt, einen grundlegenden Wandel in der Welt der abstrakten Kunst bedeuteten: einen Moment, in dem größer tatsächlich als besser angesehen wurde. Zweitens, dass die Arbeiten relativ unterbewerteter Künstler wie Carmen Herrera – der in Kuba geborenen Minimalistin, die im Alter von 101 Jahren 2016 ihre erste Retrospektive im Whitney Museum of American Art erhielt – ebenso wichtig sind wie die der bekannten Superstars. Tatsächlich sind Werke vieler unterrepräsentierter Künstler zu sehen, wie der bereits erwähnte Assemblage-Künstler Thornton Dial; das berüchtigte Mitglied der Gutai-Gruppe Kazuo Shiraga, der das bahnbrechende (im wahrsten Sinne des Wortes) Performance-Stück „Challenging the Mud“ (1955) schuf; und die innovative ungarische abstrakte Malerin Ilona Keserü. Die Kuratierung erstreckt sich auch bis in die Gegenwart mit Arbeiten jüngerer abstrakter Künstler wie Chakaia Booker und Mark Bradford. Die andere grundlegende Annahme, die die Kuratoren in ihrem didaktischen Text für die Ausstellung angeben, ist, dass existenzielle Angst die treibende Kraft war, die abstrakte Künstler vor 70 Jahren inspirierte, epische Werke zu schaffen. Die Ausstellung könnte Sie dann fragen lassen: Hat die epische Abstraktion irgendetwas getan, um unsere Angst zu lindern? Oder hat sie uns einfach nur geholfen, existenzielle Angst als grundlegend für unseren menschlichen Zustand zu akzeptieren?

Ein Platz in der Geschichte

Die Liste der berühmten Künstler, die in "Epic Abstraction" enthalten sind, wird jeden Kunstgeschichtsfan begeistern: Neben den oben genannten Giganten gibt es Werke von Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold und Morris Louis. Und es gibt viele Beispiele von Künstlern, die den meisten Besuchern neu sein werden, wie der japanische kalligrafische Abstraktionist Inoue YÅ«ichi, der philippinische abstrakte Künstler Alfonso Ossorio, die minimalistische Bildhauerin Anne Truitt und das argentinische chromatische Genie Alejandro Puente. Doch abgesehen von der Größe dieses historischen Übergriffs finde ich, dass das, was an der Kuratierung am epischsten ist, wie zwei Werke in besonderem Maße tatsächlich die Erzählung untergraben, die im Untertitel der Ausstellung verborgen ist. Indem Pollock und Herrera aufgelistet und von allen anderen Künstlern abgesetzt werden, scheinen mir die Kuratoren zu suggerieren, dass Abstrakter Expressionismus und Minimalismus die einflussreichsten Bewegungen sind, die in Betracht gezogen werden, und dass die Malerei der Hauptfokus der Ausstellung ist. Aber die Werke, Methoden und Errungenschaften von Pollock und Herrera, so wunderbar sie auch sind, sind nicht einmal annähernd die epischsten in dieser Ausstellung.

Diese Ehre gebührt meiner Meinung nach Louise Nevelson und Thornton Dial. Die Nevelson-Skulptur, die zu sehen ist, wird Zuschauer, die noch nie mit ihrem Werk in Berührung gekommen sind, fragen lassen, warum überhaupt jemand über Pollock spricht, wenn Nevelson seine Zeitgenossin war. Ihr Werk ist technisch anspruchsvoller, konzeptionell faszinierender und relevanter für den Geist von New York, wo sowohl sie als auch Pollock arbeiteten. Pollock hat, praktisch gesehen, ein wenig Neuland betreten, indem er die Ideen und Methoden anderer Künstler entlieh und perfektionierte. Nachdem er dann berühmt wurde, weil er den nächsten logischen Schritt machte und mit einem einflussreichen Kritiker befreundet war, selbstzerstörte sich Pollock. Seine Gemälde sind fesselnd, aber Nevelson hat viel mehr erreicht als Pollock, war origineller und arbeitete viel länger, hinterließ ein viel faszinierenderes und zum Nachdenken anregendes Erbe von Kunst und Ideen.

Eine lange vermisste Stimme

Dann gibt es Thornton Dial. Sein "Shadows of the Field" (2008) ist, meiner Meinung nach, das eindringlichste Werk der Ausstellung. Seine epische Natur ist in seinen Materialien, seiner Konstruktion, seinen Farben und den verborgenen Welten – sowohl physisch als auch metaphysisch – enthalten, die in seiner Form lauern. Aus gefundenen und verworfenen Abfallmaterialien zusammengesetzt, soll das Stück das Erbe des Pachtlandbaus hervorrufen, das ungerechte und oft brutale System der Landwirtschaft, in das Dial 1928 geboren wurde. Eine massive Ansammlung von Schnur, synthetischem Baumwollvlies, Jute, Blech, Stofflappen und Metall, hat es die physische Präsenz von Erschöpfung. Es verkörpert das Zusammenkommen von Härte und Verwundbarkeit. Geschaffen, als der Künstler 80 Jahre alt war, widerspricht es auch seiner autodidaktischen Hand. Tatsächlich, während Pollock reich wurde und sich zu Tode trank, lebte Dial in Armut, arbeitete sich bis zur Erschöpfung ab, nur um in einem rassistischen Sozialsystem zu überleben, das die meisten schwarzen Amerikaner nicht nur als Künstler, sondern sogar als zahlende Besucher aus Museen ausschloss.

Vielleicht werden mit dem Fortschreiten dieser Ausstellung im Laufe der Zeit andere Definitionen dessen, was episch ist, auftauchen, und andere, noch mächtigere und faszinierendere Werke werden ins Spiel kommen – die Ausstellungsdaten sind schließlich offen, und die gezeigten Werke, die aus der ständigen Sammlung von The Met stammen, werden regelmäßig ausgetauscht. Aber für jetzt macht "Shadows of the Field", das eines von zehn Werken von Dial ist, die das Met kürzlich erworben hat, die epischste Aussage. Es sagt, dass ein ungeschulter schwarzer Pachtbauer aus dem Süden einige der mächtigsten und bedeutungsvollsten abstrakten Kunstwerke der letzten 70 Jahre geschaffen hat, die die Arbeiten von Künstlern übertreffen, die weit mehr Privilegien und Möglichkeiten genossen haben als er. Es signalisiert auch, dass, während Angst tatsächlich ein unvermeidlicher Teil unserer menschlichen Existenz sein mag, die Kunst, die daraus fließt, eine rettende Gnade sein kann und oft auch ist.

Vorschaubild: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Bemaltes Holz, Spiegel, 140 x 239 x 180 in. (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). Das Metropolitan Museum of Art, Geschenk des Künstlers, 1985 © 2018 Nachlass von Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Von Phillip Barcio