Die berühmtesten abstrakten Gemälde von Frauen

Es gibt potenziell so viel mehr in einem Gemälde, als es unseren Augen offenbart. Zum Beispiel, was offenbart es unseren Gedanken? Einige der berühmtesten realistischen Kunstwerke sind Gemälde von Frauen. Aber was kommunizieren diese berühmten Gemälde von Frauen an die Betrachter, abgesehen von dem, was an der Oberfläche sichtbar ist? Sie können das Meisterwerk ihrer Schöpfer kommunizieren, aber kommunizieren sie auch das innere Wesen ihrer weiblichen Subjekte? Sie können visuell ihre Zeiten darstellen, aber extrapolieren sie auch ein kulturelles oder historisches Verständnis von Geschlecht? Zeigen sie uns nur Bilder von Frauen in verschiedenen Situationen, oder erkunden sie die übergreifenden Bedeutungen, die in situativen weiblichen Realitäten enthalten sind? Abstrakte Gemälde haben manchmal einen Vorteil in solchen Angelegenheiten, da sie die Betrachter von Natur aus dazu ermutigen, über das hinaus zu suchen, was an der Oberfläche liegt. Hier sind zehn berühmte abstrakte Gemälde von Frauen, die uns geholfen haben, unser Verständnis von Weiblichkeit aus den verschiedenen Perspektiven von Geschlecht, Geschichte, Kultur und Ästhetik zu erweitern.

Lee Krasner - Gaea

Haben Sie sich jemals über den Ursprung des Begriffs Mutter Natur gewundert? Die alten Griechen glaubten, dass der Schöpfer des Universums eine feminine Entität namens Gaea war. Sie gebar alle Dinge, die existieren, einschließlich aller anderen Götter und Göttinnen sowie der Menschheit. Lee Krasner malte ihr monumentales abstraktes Gemälde Gaea im Jahr 1966. Das Gemälde markiert eine wichtige Entwicklung in ihrem Werk, da sie aus einer besonders schwierigen Zeit in ihrem persönlichen Leben hervorging. Seine explosive Farbe und ausdrucksvollen Gesten verkörpern eine komplexe Mischung aus Kraft, Schönheit, Energie und Harmonie. Als abstrakte Ausdrucksform des ursprünglichen und ewigen weiblichen Wesens im Universum zählt es zu den bedeutendsten abstrakten Gemälden von Frauen.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Öl auf Leinwand. 69" x 10' 5 1/2" (175,3 x 318,8 cm). Kay Sage Tanguy Fonds. 212.1977. MoMA Sammlung. © 2019 Pollock-Krasner Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Pablo Picasso - Ma Jolie

Ma Jolie übersetzt sich in Mein hübsches Mädchen, ein beliebtes französisches Lied, als Picasso sein kubistisches Gemälde mit demselben Namen malte. Der Ausdruck war auch sein Kosename für seine Geliebte, Marcelle Humbert. Als einer der frühesten und einprägsamsten Ausdrücke des analytischen Kubismus ist dieses Gemälde aus Gründen berühmt, die wenig mit seinem Sujet zu tun haben. Aber als Gemälde einer Frau ist es auch enorm ausdrucksstark. Der würdevolle Ausdruck der Lässigkeit auf dem Kopf oben rechts; die fleischliche Sinnlichkeit der Zehen; die musikalischen Noten und die Hand, die die Gitarre zupft; die schwindelerregende Vielzahl von Perspektiven und Lichtquellen; all dies spricht von der Mischung aus Laune, Ernsthaftigkeit, Respekt und Geheimnis, die die Gefühle definieren, die Picasso sein Leben lang für die feminine Seele ausdrückte.

Pablo Picasso - Ma Jolie, 1911. Öl auf Leinwand. 39 3/8 x 25 3/4" (100 x 64,5 cm). Erworben durch das Lillie P. Bliss Vermächtnis (im Austausch). 176.1945. © 2019 Nachlass von Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Georgia O’Keeffe - Abstraktion (schlafende Frau)

Georgia O’Keeffe entfernte alles, was sie als unwesentlich betrachtete. Sie strebte danach, die Betrachter in ein Gefühl einzutauchen. Um dies zu erreichen, schuf sie oft großformatige, Nahaufnahmen, die die Betrachter in den bildlichen Raum hüllten. Dieses Gemälde ist eines von mehreren ähnlichen abstrakten Kompositionen, die O’Keeffe von einer schlafenden Frau anfertigte. Sie zeichnete es mit Kohle und ging dann mit einem nassen Pinsel darüber, wodurch eine traumhafte Ätherizität innerhalb des Rahmens entstand. Es ist ein Bild von stoischer, würdevoller Anmut, das von etwas Vergänglichem und Zartem spricht, irdisch und doch ewig.

Georgia O Keeffe - Abstraktion (schlafende Frau), 1916. Kohle und Aquarellwäsche auf Papier

Kazimir Malevich - Frau mit Eimern: Dynamische Anordnung

Kazimir Malevich war ein wahrer Gläubiger an die Abstraktion. Ein Jahr nach der Fertigstellung dieses Gemäldes erfand er seinen ikonischen Stil, den Suprematismus, der sich der Ablehnung von Gegenständen zugunsten von Universalitäten widmete. Dieses Gemälde einer Frau handelt nicht so sehr von einer Frau, sondern von den formalen Qualitäten der Komposition. Was es über Weiblichkeit kommuniziert, ist subjektiv. Doch in der Absicht des Künstlers finden wir etwas Demokratisches und in der Tat Universelles. Der Titel, Frau mit Eimer, spricht von traditionellen weiblichen Geschlechterrollen im Arbeiterklasse-Russland, als Malevich das Werk schuf. Dass er dieses Thema wählte, kommuniziert, dass er nach einer utopischen Sichtweise suchte, die die Welt nicht in spaltenden Begriffen wie Geschlechtern und sozialen Klassen, sondern in Bezug auf Gemeinsamkeiten sieht.

Kazimir Malevich - Frau mit Eimern: Dynamische Anordnung. 1912-13 (auf der Rückseite datiert 1912). Öl auf Leinwand. 31 5/8 x 31 5/8" (80,3 x 80,3 cm). 1935 Erwerb 1999 durch Vereinbarung mit dem Nachlass von Kazimir Malevich bestätigt und ermöglicht durch Mittel aus dem Nachlass von Mrs. John Hay Whitney (im Austausch). 815.1935. MoMA Sammlung

Joan Miró - Frau mit drei Haaren umgeben von Vögeln in der Nacht

Joan Miró hat sich nie vollständig mit kompletter Abstraktion beschäftigt. Stattdessen pflegte er eine einzigartige ästhetische Stimme, die primitive Ikonographie, reduzierte Formen und eine lebendige, begrenzte Farbpalette einbezog. Durch diesen idiosynkratischen Stil konnte er Tiefgründigkeiten auf direkte, einfache, oft skurrile Weise kommunizieren. Er erforschte oft das Thema Frau und Kinder in seiner Arbeit. Dieses abstrahierte Bild einer einsamen Frau drückt stille Stärke und Balance aus. Es ist meditativ und deutet auf eine Figur hin, die über alltägliche Freuden nachdenkt. Es ist ein Bild von Sicherheit, Einsamkeit und Harmonie. Trotz seiner unheimlichen Fremdartigkeit weckt es Freude.

Joan Miró - Frau mit drei Haaren umgeben von Vögeln in der Nacht Palma / 2. September 1972. Öl auf Leinwand. 7' 11 7/8" x 66 1/2" (243,5 x 168,9 cm). Geschenk des Künstlers zu Ehren von James Thrall Soby. 116.1973. MoMA Sammlung. © 2019 Successió Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Willem de Kooning - Frau I

Ein führender Abstract Expressionist, Willem de Kooning, spezialisierte sich auf emotionale, energetische Leinwände. Seine Technik war zugleich spontan und mühsam. Er malte aggressive, unmittelbare Schichten und kratzte sie dann ab, fügte im Laufe der Zeit hinzu und entfernte sie. Seine vielen Gemälde von Frauen wurden als grotesk oder wütend und sogar als misogyn interpretiert. Aber er wies solche Assoziationen zurück und zog es vor, über ihre primitive Natur und die Herkunft, die sie mit klassischen Darstellungen von Weiblichkeit teilen, nachzudenken. Dieses berühmteste seiner Woman-Gemälde scheint ein passendes Beispiel für diese Dualität zwischen der Absicht des männlichen Künstlers beim Malen einer Frau und der Art und Weise zu sein, wie das Endergebnis seines Ausdrucks von den Betrachtern interpretiert werden kann. Es bietet uns ein ikonisches abstraktes Bild einer Frau sowie einen Ausgangspunkt für eine größere Diskussion über Objektivierung und Absicht in der Kunst.

Willem de Kooning - Frau I, 1950-1952. Öl- und Metallfarbe auf Leinwand. 6' 3 7/8" x 58" (192,7 x 147,3 cm). 478.1953. MoMA Sammlung. © 2019 Die Willem de Kooning Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Maria Lassnig - Frühstück mit Ohr

"Keine Diskussion über zeitgenössische abstrakte weibliche Porträtkunst wäre vollständig, ohne den Einfluss der österreichischen Künstlerin Maria Lassnig zu erwähnen. Ihre Praxis schwankte zwischen Figuration und Abstraktion, orbitierte jedoch immer um eine größere Diskussion, die sie 1948 als Körperbewusstsein beschrieb. Ihr Gemälde Frühstück mit einem Ohr ist ein ikonisches Beispiel für die Hunderte von Selbstporträts, die Lassnig malte, oft nur einen Teil ihres Körpers zeigend, der sich auf den Körperteil bezog, dessen sie sich zu diesem Zeitpunkt am meisten bewusst war. Dieses Bild spricht die größere gesellschaftliche Diskussion über traditionelle Geschlechterrollen an, da die Funktion des Zuhörers/Pflegers unter Bildern von elektronischen Küchengeräten hervorgehoben wird."

Maria Lassnig - Frühstück mit Ohr, 1967. © Maria Lassnig

Yves Klein - Anthropométrie der blauen Epoche

Wie bei vielen Kunstwerken von Yves Klein gibt es auch bei diesem Gemälde eine konzeptionelle Ebene, die diskutiert werden sollte. Er malte es nicht allein, sondern nahm als Regisseur an seiner Entstehung teil. Anthropometrie ist das Studium der physischen Dimensionen des menschlichen Körpers. Für seine Anthropométrie-Serie ließ Klein weibliche Assistentinnen sich nackt ausziehen und sich mit Yves Klein Blau, seinem gleichnamigen Farbton, bedecken. Die Assistentinnen prägten dann ihre bemalten Körper physisch auf Oberflächen, entweder auf dem Boden ausgebreitet oder an der Wand montiert. Dieses Gemälde ist in gewissem Sinne ein Aktionsgemälde. In einem anderen Sinne ist es Reportage, da es einen physischen Nachweis eines tatsächlichen Ereignisses schafft. Als abstraktes Bild bietet es einen überzeugenden Hinweis auf Sinnlichkeit. Es deutet auch auf das X-Chromosom hin, ein Symbol für genetische Weiblichkeit. Aus konzeptioneller Sicht ist es potenziell abscheulich in seiner Nutzung objektivierter weiblicher Arbeit, um eine männlich dominierte und schlüpfrige ästhetische Vision zu vollenden.

Yves Klein - Anthropométrie de lépoquebleue, 1960. International Klein Blue auf Papier auf Holz. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Carrie Moyer - Tafelbild

Oft ist das Werk von Carrie Moyer politisch aufgeladen, wie in ihrem Agitprop, grafischen Plakaten, die sich direkt mit sozialer Aktivismus und Kommentierung beschäftigen. Manchmal, wie in ihren abstrakten Drucken, scheint es in metaphysische Universalitäten gehüllt zu sein. In ihren Gemälden konvergieren diese beiden Pole oft in grafisch konturierten Kompositionen, die das kombinieren, was sie "beides Illusionismus und Flachheit." nennt. Formalistisch besitzt Tableau kompositorische Schwere und zeigt eine Meisterschaft der Sinnlichkeit des Acrylmediums. Sein Sinn für Weiblichkeit ist deutlich zeitgenössisch und ruft gleichzeitig etwas Primitives und Menschliches sowie etwas Futuristisches und Fremdes hervor, das es in einer unheimlichen, aber tröstlichen Gegenwart verankert.

Carrie Moyer - Tableau, 2008. Acryl, Glitzer auf Leinwand. © Carrie Moyer

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien

Es wäre zu simpel zu sagen, dass die Gemälde der in Kenia geborenen Künstlerin Wangechi Mutu von Frauen sind oder über Frauen handeln. Aber sie sind gefüllt mit einer Sprache der Formen, die die physische Weiblichkeit kommuniziert. Durch ihre eindringlichen Bilder drückt Mutu die weite und vielfältige Erfahrung aus, wie der weibliche Körper in der globalen Kultur wahrgenommen wird. Dieses Gemälde, betitelt nach dem Lied von Edith Piaf Non je ne regrette rien (Ich bereue nichts), feiert gleichzeitig den weiblichen Körper und objektiviert ihn, während es unbewusste Universalitäten durch totemische weibliche Bilder hervorruft.

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien, 2007. Tinte, Farbe, Mischtechnik, Pflanzenmaterial und Plastikperlen auf Mylar. 137 x 221 cm. 54 x 87 1/8 in. Victoria Miro

Titelbild: Georgia O Keeffe - Abstraktion - Schlafende Frau (Detail), 1916, Kohle und Aquarellwäsche auf Papier
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio