Die berühmtesten abstrakten Gemälde von Frauen
Ein Gemälde birgt möglicherweise weit mehr als das, was es unseren Augen offenbart. Zum Beispiel: Was offenbart es unserem Geist? Einige der berühmtesten realistischen Kunstwerke sind Gemälde von Frauen. Aber was vermitteln diese berühmten Frauenbilder den Betrachtern neben dem Offensichtlichen? Sie zeigen vielleicht die Meisterschaft ihrer Schöpfer, doch vermitteln sie auch das innere Wesen ihrer weiblichen Motive? Sie stellen vielleicht ihre Zeit visuell dar, doch extrapolieren sie auch ein kulturelles oder historisches Verständnis von Geschlecht? Zeigen sie uns nur Bilder von Frauen in verschiedenen Situationen, oder erforschen sie die übergreifenden Bedeutungen, die in situativen weiblichen Realitäten enthalten sind? Abstrakte Gemälde haben in solchen Fragen manchmal einen Vorteil, da sie die Betrachter von Natur aus dazu anregen, über das Offensichtliche hinaus zu suchen. Hier sind zehn berühmte abstrakte Gemälde von Frauen, die uns geholfen haben, unser Verständnis von Weiblichkeit aus verschiedenen Perspektiven von Geschlecht, Geschichte, Kultur und Ästhetik zu vertiefen.
Lee Krasner - Gaea
Haben Sie sich jemals gefragt, woher der Begriff Mutter Natur stammt? Die alten Griechen glaubten, dass der Schöpfer des Universums eine weibliche Wesenheit namens Gaea sei. Sie gebar alle Dinge, die existieren, einschließlich aller anderen Götter und Göttinnen sowie der Menschheit. Lee Krasner malte 1966 ihr monumentales abstraktes Gemälde Gaea. Das Gemälde markiert eine wichtige Entwicklung in ihrem Werk, da sie aus einer besonders schwierigen Zeit in ihrem Privatleben hervorging. Seine explosive Farbigkeit und ausdrucksstarken Gesten verkörpern eine komplexe Mischung aus Kraft, Schönheit, Energie und Harmonie. Als abstrakter Ausdruck der ursprünglichen und ewigen weiblichen Essenz im Universum steht es an vorderster Stelle unter den abstrakten Frauenbildern.
Lee Krasner - Gaea, 1966. Öl auf Leinwand. 175,3 x 318,8 cm. Kay Sage Tanguy Fund. 212.1977. MoMA Sammlung. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Pablo Picasso - Ma Jolie
Ma Jolie bedeutet Mein hübsches Mädchen, ein beliebtes französisches Lied zur Zeit, als Picasso sein kubistisches Gemälde gleichen Namens malte. Der Ausdruck war auch sein Kosename für seine Geliebte Marcelle Humbert. Als einer der frühesten und einprägsamsten Ausdrücke des analytischen Kubismus ist dieses Gemälde aus Gründen berühmt, die wenig mit seinem Motiv zu tun haben. Doch als Frauenbild ist es auch enorm ausdrucksstark. Der würdige Ausdruck der Gleichgültigkeit im Kopf oben rechts; die fleischige Sinnlichkeit der Zehen; die Noten und die Hand, die die Gitarre zupft; das schwindelerregende Spiel von Perspektiven und Lichtquellen – all dies spricht von der Mischung aus Laune, Ernst, Respekt und Geheimnis, die Picassos Gefühle für die weibliche Seele sein Leben lang prägten.
Pablo Picasso - Ma Jolie, 1911. Öl auf Leinwand. 100 x 64,5 cm. Erworben durch den Nachlass von Lillie P. Bliss (durch Tausch). 176.1945. © 2019 Nachlass von Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Georgia O’Keeffe - Abstraktion (schlafende Frau)
Georgia O’Keeffe entfernte alles, was sie für unwesentlich hielt. Sie wollte die Betrachter in ein Gefühl eintauchen lassen. Dazu schuf sie oft großformatige Nahaufnahmen, die die Betrachter in den Bildraum einhüllten. Dieses Gemälde ist eines von mehreren ähnlichen abstrakten Kompositionen von O’Keeffe, die eine schlafende Frau zeigen. Sie zeichnete es mit Kohle und überarbeitete es dann mit einem feuchten Pinsel, wodurch eine traumhafte Ätherhaftigkeit im Bild entstand. Es ist ein Bild von stoischer, würdevoller Anmut, das etwas Vergängliches und Zartes, Irdisches und doch Ewiges ausdrückt.
Georgia O Keeffe - Abstraktion (schlafende Frau), 1916. Kohle und Aquarell auf Papier
Kazimir Malevich - Frau mit Eimern: Dynamische Anordnung
Kazimir Malevich war ein wahrer Anhänger der Abstraktion. Ein Jahr nach der Entstehung dieses Gemäldes erfand er seinen ikonischen Stil, den Suprematismus, der sich der Ablehnung von Gegenständlichkeit zugunsten von Universalien widmete. Dieses Frauenbild handelt weniger von einer Frau als von den formalen Qualitäten der Komposition. Was es über Weiblichkeit aussagt, ist subjektiv. Doch in der Absicht des Künstlers finden wir etwas Demokratisches und tatsächlich Universelles. Der Titel Frau mit Eimer verweist auf traditionelle weibliche Geschlechterrollen im Arbeiterklasse-Russland zur Zeit von Malevich. Dass er dieses Motiv wählte, zeigt, dass er eine utopische Sichtweise der Welt suchte, nicht in trennenden Begriffen wie Geschlecht und sozialen Klassen, sondern in Gemeinsamkeiten.
Kazimir Malevich - Frau mit Eimern: Dynamische Anordnung. 1912-13 (Rückseite datiert 1912). Öl auf Leinwand. 80,3 x 80,3 cm. 1935 Erwerb bestätigt 1999 durch Vereinbarung mit dem Nachlass von Kazimir Malevich und ermöglicht durch Mittel aus dem Nachlass von Mrs. John Hay Whitney (durch Tausch). 815.1935. MoMA Sammlung
Joan Miró - Frau mit drei Haaren, umgeben von Vögeln in der Nacht
Joan Miró tauchte nie vollständig in die völlige Abstraktion ein. Stattdessen pflegte er eine einzigartige ästhetische Stimme, die primitive Bildzeichen, reduzierte Formen und eine lebendige, begrenzte Farbpalette vereinte. Durch diesen eigenwilligen Stil konnte er Tiefgründiges auf direkte, einfache und oft verspielte Weise vermitteln. Er erforschte oft das Thema Frau und Kinder in seinem Werk. Dieses abstrahierte Bild einer einsamen Frau drückt stille Stärke und Ausgewogenheit aus. Es ist meditativ und deutet auf eine Figur hin, die über alltägliche Freuden nachdenkt. Es ist ein Bild von Sicherheit, Einsamkeit und Harmonie. Trotz seiner unheimlichen Fremdartigkeit ruft es Freude hervor.
Joan Miro - Frau mit drei Haaren, umgeben von Vögeln in der Nacht Palma/ 2. September 1972. Öl auf Leinwand. 243,5 x 168,9 cm. Geschenk des Künstlers zu Ehren von James Thrall Soby. 116.1973. MoMA Sammlung. © 2019 Successió Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris
Willem de Kooning - Frau I
Als führender abstrakter Expressionist spezialisierte sich Willem de Kooning auf gefühlsbetonte, energiegeladene Leinwände. Seine Technik war zugleich spontan und mühsam. Er malte aggressive, unmittelbare Schichten, die er dann wieder abkratzte, im Laufe der Zeit hinzufügte und entfernte. Seine vielen Frauenbilder wurden als grotesk, wütend und sogar frauenfeindlich interpretiert. Er bestritt solche Deutungen und zog es vor, über ihre primitive Natur und die Herkunft nachzudenken, die sie mit klassischen Darstellungen von Weiblichkeit teilen. Dieses berühmteste seiner Frau-Gemälde scheint ein passendes Beispiel für die Dualität zwischen der Absicht des männlichen Künstlers beim Malen einer Frau und der Art, wie das Endergebnis von den Betrachtern interpretiert werden kann. Es bietet uns ein ikonisches abstraktes Bild einer Frau sowie einen Ausgangspunkt für eine größere Diskussion über Objektifizierung und Absicht in der Kunst.
Willem de Kooning - Frau I, 1950-1952. Öl und Metallfarbe auf Leinwand. 192,7 x 147,3 cm. 478.1953. MoMA Sammlung. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Maria Lassnig - Frühstück mit Ohr (Breakfast with an Ear)
Kein Gespräch über zeitgenössische abstrakte Frauenporträts wäre vollständig ohne die Erwähnung der österreichischen Künstlerin Maria Lassnig. Ihre Arbeit schwankte zwischen Figuration und Abstraktion, kreiste aber stets um eine größere Diskussion dessen, was sie 1948 als Körperbewusstsein beschrieb. Ihr Gemälde Frühstück mit Ohr ist ein ikonisches Beispiel der hunderten Selbstporträts, die Lassnig malte, oft nur mit einem Teil ihres Körpers, der sich auf das Körperteil bezog, dessen sie sich gerade am meisten bewusst war. Dieses Bild spricht die größere gesellschaftliche Diskussion über traditionelle Geschlechterrollen an, da die Funktion der Zuhörerin/Pflegerin unter Bildern von elektronischen Küchengeräten hervorgehoben wird.
Maria Lassnig - Frühstück mit Ohr (Breakfast with an Ear), 1967. © Maria Lassnig
Yves Klein - Anthropométrie de l'époque bleue
Wie bei vielen Werken von Yves Klein gibt es eine konzeptuelle Ebene, die bei diesem Gemälde besprochen werden sollte. Er malte es nicht allein, sondern wirkte als Regisseur an seiner Entstehung mit. Anthropometrie ist die Lehre von den körperlichen Maßen des Menschen. Für seine Anthropométrie-Serie leitete Klein weibliche Assistentinnen an, sich auszuziehen und ihren Körper mit Yves Klein Blau, seinem namensgebenden Farbton, zu bedecken. Die Assistentinnen drückten dann ihre bemalten Körper auf Flächen, entweder auf dem Boden liegend oder an der Wand befestigt. Dieses Gemälde ist in gewissem Sinne ein Aktionsgemälde. In einem anderen Sinne ist es eine Dokumentation, da es ein physisches Zeugnis eines tatsächlichen Ereignisses schafft. Als abstraktes Bild bietet es eine überzeugende Andeutung von Sinnlichkeit. Es deutet auch das X-Chromosom an, ein Symbol der genetischen Weiblichkeit. Aus konzeptueller Sicht ist es möglicherweise abstoßend, da es objektivierte weibliche Arbeit zur Vollendung einer männlich dominierten und lüsternen ästhetischen Vision nutzt.
Yves Klein - Anthropométrie de lépoquebleue, 1960. International Klein Blue auf Papier auf Holz. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris
Carrie Moyer - Tableau
Carrie Moyer - Tableau, 2008. Acryl, Glitzer auf Leinwand. © Carrie Moyer
Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien
Es wäre zu einfach zu sagen, die Gemälde der in Kenia geborenen Künstlerin Wangechi Mutu seien von Frauen oder über Frauen. Doch sie sind voller Formen, die körperliche Weiblichkeit ausdrücken. Durch ihre eindringlichen Bilder bringt Mutu die weite und vielfältige Erfahrung zum Ausdruck, wie der weibliche Körper in der Weltkultur wahrgenommen wird. Dieses Gemälde, benannt nach dem Edith-Piaf-Lied Non je ne regrette rien (Ich bereue nichts), feiert und objektiviert zugleich den weiblichen Körper und ruft durch totemhafte weibliche Bildsprache unterbewusste Universalien hervor.
Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien, 2007. Tinte, Farbe, Mischtechnik, Pflanzenmaterial und Plastikperlen auf Mylar. 137 x 221 cm. 54 x 87 1/8 Zoll. Victoria Miro
Titelbild: Georgia O Keeffe - Abstraktion - schlafende Frau (Detail), 1916, Kohle und Aquarell auf Papier
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio
