Apreciando Retratos Abstractos y Su Estética Particular
Artistas de retratos abstractos enfrentan desafíos peculiares. Cuando vemos rostros en todo; eso se llama pareidolia. Cuando vemos todo en rostros; eso se llama empatía. Los retratos abstractos habitan un espacio en algún punto intermedio, y sus artistas deben lidiar simultáneamente con ambos. En cierto modo, el hábito natural que tienen los humanos de percibir patrones visuales familiares en todas partes, sin importar si realmente están ahí, puede beneficiar a los creadores de retratos abstractos. Apenas necesitan hacer referencia al rostro o figura humana para evocar su sentido. Pero la obsesión por buscar rostros y figuras en una imagen abstracta también puede distraer a los espectadores de considerar otros aspectos de una obra de arte. De manera similar, los pintores de retratos abstractos podrían beneficiarse de la tendencia natural que tienen los espectadores a empatizar cuando perciben, aunque sea débilmente, la imagen de un otro reconocible. Cualesquiera que sean las sensibilidades que un espectador empático otorgue a una imagen podrían favorecer el concepto de la obra. Pero la empatía también puede interferir con la comprensión. El reconocimiento de un rostro o figura familiar en una obra de arte podría provocar que surjan prejuicios personales, generalizaciones y temor en la mente del espectador, lo que podría socavar y enredar las ideas que el artista originalmente tenía en mente.
Definiendo los Retratos Abstractos
En el siglo XVI, los italianos desarrollaron una jerarquía sobre qué temas eran más respetables para una obra de arte. El tema más respetable se consideraba la escena histórica, que usualmente terminaba siendo algún tipo de episodio mitológico o religioso. El segundo tema más respetable era el retrato. En un sentido clásico, un retrato se definía usualmente como la imagen de un humano, representado la mayoría de las veces desde la cabeza hasta aproximadamente la mitad del torso. Pero no tiene que ser solo eso. Un retrato también puede mostrar el cuerpo entero, o solo el rostro. Y no tiene que ser solo la imagen de un humano. Puede ser la imagen de cualquier ser, humano, animal, ficticio, mítico, espiritual, o cualquier combinación de ellos.
Para ser considerado un retrato abstracto, una obra debe incorporar dos facultades: primero, debe utilizar el concepto de retrato de alguna manera; y segundo, debe ser abstracto, lo que significa que debe tratar el ámbito de las ideas, o al menos evitar un enfoque puramente objetivo o representativo de la realidad. Lo que no tiene que ser es un medio o disciplina particular. Un retrato abstracto puede ser un dibujo o una pintura, o también puede haber fotografía de retrato abstracto, escultura de retrato abstracto, instalación de retrato abstracto, arte de performance de retrato abstracto, etc. Cualquier fenómeno estético abstracto que incorpore la figura de cualquier ser, real, imaginario o cualquier combinación de ellos, podría considerarse un retrato abstracto.
Joan Miró - Cabeza de Mujer, 1938. Óleo sobre lienzo. 18 x 21 5/8 pulg. (45.72 x 54.93 cm) © Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París
Enfrentándonos a Nosotros Mismos
Desde un punto de vista interpretativo, lo que puede ser más difícil, y a veces más controvertido, sobre apreciar retratos abstractos es que son inherentemente personales. El Constructivismo Social postula que todo lo que entendemos sobre la vida surge de nuestras experiencias, y que todas nuestras experiencias instructivas surgen de interacciones sociales. En un sentido psicológico, una criatura mirando la imagen de otra criatura es una interacción social. Un espectador interactuando con una sala llena de retratos abstractos constituye una comunidad.
Lo difícil de la naturaleza personal de los retratos abstractos es que invitan a contemplaciones mucho más profundas y profundas que las que podrían invitar otros tipos de arte abstracto. Por ejemplo, una escultura geométrica abstracta o una composición completamente abstracta como una pintura de campo de color o un monocromo podrían ser apreciados únicamente según sus cualidades formales, o sus cualidades simbólicas, o sus cualidades interpretativas o contemplativas. Pero además de todos esos elementos, los retratos abstractos también obligan a los espectadores a interactuar consigo mismos.
Frank Auerbach - Cabeza de JYM ll, 1984-85. Óleo sobre lienzo. 660 x 610 mm. Colección privada. © Frank Auerbach
Volviéndose Personal
El principal desafío, por lo tanto, para apreciar los retratos abstractos es superar los prejuicios inherentes. Cuando un espectador mira un retrato representativo, uno que ha sido construido para imitar la realidad lo más fielmente posible, el mero hecho de reconocimiento ayuda al espectador a considerar la imagen con respeto. Un sentido de dominio artístico y pictórico exige que el ser representado en el retrato merezca consideración especial y completa. Pero los retratos abstractos invitan a generalizaciones extrañas. Un ámbito donde esto es evidente es con los retratos abstractos de poblaciones ya marginadas. Consideremos, por ejemplo, los retratos abstractos de mujeres.
Dos de los pintores de retratos abstractos más famosos son Pablo Picasso y Willem de Kooning. Juntos pintaron cientos de retratos abstractos. Muchos de los retratos abstractos más famosos que Picasso pintó fueron de mujeres, como su famoso Mujer Llorando. Pero el más controvertido fue un retrato abstracto pintado de su amante Marie-Thérèse Walter, llamado El Sueño. La pintura es controvertida porque la gente cree ver un falo en la cabeza de la figura. Por lo tanto, la interpretan como una pintura erótica. Pero, ¿es eso solo pareidolia? ¿O es empatía? ¿O es una preocupación voyeurista por la relación que Picasso tenía con la modelo? El hecho de que la pintura sea abstracta abre la puerta a saltos interpretativos que permiten que los prejuicios inherentes se manifiesten. ¿Realmente la pintura nos muestra algo sobre Picasso y su amante? ¿O nos muestra algo sobre nosotros mismos?
Las Mujeres de de Kooning
Un fenómeno similar ocurre cuando la gente mira los retratos abstractos que Willem de Kooning pintó de mujeres. Cuando se discuten otras pinturas abstractas de de Kooning, las cualidades más comúnmente mencionadas son su calidad gestual, su energía vibrante, sus marcas de pincel distintivas, su paleta característica y la tensión y pasión transmitidas a través de sus composiciones expresivas. Sus composiciones puramente abstractas se describen como complejas, intrincadas y poderosas. Sus paisajes abstractos se describen como sublimes.
Pero un vocabulario muy diferente se usa al referirse a los retratos abstractos que de Kooning pintó de mujeres. Los adjetivos comunes usados por los espectadores, especialmente críticos, para describir estas pinturas son más bien hostiles, enojados, violentos, locos, misóginos y dementes. De Kooning señaló que cuando pintaba sus retratos de mujeres, esperaba que se percibieran simplemente como únicos, y posiblemente humorísticos. Intentaba transmitir en su propio estilo la forma femenina, de manera clásica y a la vez moderna y abstracta, como nadie lo había hecho antes. Entonces, ¿qué es lo que hay en el retrato de estas pinturas que provoca tales comentarios antropomórficos? ¿Puso de Kooning esos pensamientos en la pintura o los pusimos nosotros?
Willem de Kooning - Mujer I, 1950–2. Óleo sobre lienzo. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York (Izquierda) / Willem de Kooning - Mujer Willem, 1949. Óleo, esmalte y carbón sobre lienzo. 152.4 x 121.6 cm. Colección privada. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York (Derecha)
Viendo a los Pintores de Retratos Abstractos en Sus Pinturas
En lugar de traer nuestros propios prejuicios sobre el significado subyacente que existe en estas pinturas, otra forma de apreciar los retratos abstractos es interpretar las maneras en que comunican el pensamiento del artista que los pintó. Por ejemplo, los retratos abstractos de Paul Klee demuestran el interés que este pintor tenía en el color, la forma y las composiciones armoniosas. Comunican su búsqueda de la esencia geométrica de la naturaleza y el equilibrio que buscaba capturar en su arte.
De igual manera, al observar los retratos abstractos de Robert Delaunay, podemos ver su evolución de pintor figurativo a abstraccionista. Retratos tempranos como el que pintó en 1906 de su amigo Jean Metzinger pueden ser apreciados por su avanzado uso del divisionismo. Esta pintura captura la fascinación que Delaunay tenía por el color y los diversos efectos visuales abstractos que se producen cuando diferentes colores se colocan uno junto al otro sobre una superficie. También comunica su búsqueda por aplanar el plano pictórico y dar igual atención a todas las partes de la imagen.
Paul Klee - Senecio, 1922. Óleo sobre lienzo. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basilea, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Izquierda) / Robert Delaunay - Retrato de Jean Metzinger, 1906. Óleo sobre lienzo. 55 x 43 cm (Derecha)
Lo que Enseña la Fotografía de Retrato Abstracto
La forma más directa de apreciar los retratos abstractos es simplemente seguir el camino de las ideas que inspiran. Las ideas son centrales en la fotografía abstracta de retrato. En la fotografía Noire et Blanche de Man Ray, vemos el rostro de una modelo humana posando junto a una máscara de madera. El rostro y la máscara tienen una forma similar, y ambos comparten una expresión común. A pesar de mostrarnos la realidad objetiva, esta imagen cuestiona si una fotografía puede mostrarnos lo que es real, al desafiar la verdad de nuestro propio semblante. Está preguntando al espectador: “¿Cuál es la máscara?”
Muy diferente, pero también basado en ideas, es la fotografía de retrato de doble imagen de Marcel Duchamp tomada por Victor Obsatz en 1953. Muestra una imagen de un Duchamp contemplativo mirando por la ventana, y superpuesta encima una imagen de un Duchamp sonriente y alegre mirándonos. Nos muestra al pensador serio y al bromista juguetón y satírico, ambos encarnados por este artista. Esta fotografía nos enseña cómo apreciar todos los retratos abstractos; como imágenes que combinan realidades, como visiones de mundos dentro de mundos. Nos muestran una imagen de nosotros mismos, y también insinúan que hay más en nosotros de lo que sabemos.
Imagen destacada: Salvador Dalí - Galatea de las Esferas, 1952. Óleo sobre lienzo. Teatro y Museo Dalí, Figueres, España. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
