Apreciando Retratos Abstractos y Su Estética Particular

Abstracto retrato artistas enfrentan desafíos peculiares. Cuando vemos rostros en todo; eso se llama pareidolia. Cuando vemos todo en rostros; eso se llama empatía. Los retratos abstractos habitan un espacio en algún lugar entre los dos, y sus artistas deben lidiar simultáneamente con ambos. En algunos aspectos, el hábito natural que tienen los humanos de percibir patrones visuales familiares en todas partes, independientemente de si realmente están allí, puede beneficiar a los creadores de retratos abstractos. Apenas necesitan hacer referencia al rostro o figura humana en absoluto para evocar la sensación de ello. Pero la obsesión por buscar rostros y figuras en una imagen abstracta también puede distraer a los espectadores de considerar los otros aspectos de una obra de arte. De manera similar, los pintores de retratos abstractos podrían beneficiarse de la tendencia natural que tienen los espectadores a empatizar siempre que perciben, incluso débilmente, la imagen de otro reconocible. Cualquier sensibilidad que un espectador empático otorgue a una imagen podría trabajar a favor del concepto de la obra. Pero la empatía también puede interferir con la comprensión. El reconocimiento de un rostro o figura familiar en una obra de arte podría hacer que surjan prejuicios personales, generalizaciones y aprensiones en la mente de un espectador, lo que podría socavar y convolucionar las ideas que el artista originalmente tenía en mente.

Definiendo Retratos Abstractos

En el siglo XVI, los italianos desarrollaron una jerarquía de qué temas eran los más respetables para una obra de arte. El tema más respetable se consideraba la escena histórica, que generalmente terminaba siendo algún tipo de episodio mitológico o religioso. El segundo tema más respetable era el retrato. En un sentido clásico, un retrato se definía generalmente como la imagen de un ser humano, más a menudo representado desde la cabeza hasta aproximadamente la mitad del torso. Pero no tiene que ser solo eso. Un retrato también puede representar todo el cuerpo, o solo la cara. Y no tiene que ser solo una imagen de un ser humano. Puede ser una imagen de cualquier ser, humano, animal, ficticio, mitológico, espiritual, o cualquier combinación de estos.

Para ser considerado un retrato abstracto, una obra de arte debe incorporar dos facultades: primero, debe utilizar el concepto de retrato de alguna manera; y segundo, debe ser abstracto, lo que significa que debe tratar con el ámbito de las ideas, o al menos evitar un enfoque puramente objetivo o representacional de la realidad. Lo que no tiene que ser es un medio o disciplina particular. Un retrato abstracto puede ser un dibujo o una pintura, o también puede haber fotografía de retrato abstracto, escultura de retrato abstracto, instalación de retrato abstracto, arte de performance de retrato abstracto, etc. Cualquier fenómeno estético abstracto que incorpore la figura de cualquier ser, real, imaginario, o cualquier combinación de estos, podría considerarse un retrato abstracto.

Joan Miro - Cabeza de una mujer, 1938. Óleo sobre lienzo. 18 x 21 5/8 in. (45.72 x 54.93 cm) © Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París

Enfrentándonos a nosotros mismos

Desde un punto de vista interpretativo, lo que puede ser más difícil, y a veces más controvertido, sobre la apreciación de retratos abstractos es que son inherentemente personales. El Constructivismo Social postula que todo lo que entendemos sobre la vida surge de nuestras experiencias, y que todas nuestras experiencias instructivas provienen de interacciones sociales. En un sentido psicológico, un ser que mira la imagen de otro ser es una interacción social. Un espectador interactuando con una sala llena de retratos abstractos constituye una comunidad.

Lo que es difícil sobre la naturaleza personal de los retratos abstractos es que invitan a contemplaciones mucho más profundas y profundas que las que podrían ser invitadas por otros tipos de arte abstracto. Por ejemplo, una escultura geométrica abstracta o una composición completamente abstracta, como una pintura de campo de color o un monocromo, podrían ser interactuadas únicamente de acuerdo a sus cualidades formales, o sus cualidades simbólicas, o sus cualidades interpretativas o contemplativas. Pero además de todos esos elementos, los retratos abstractos también obligan a los espectadores a interactuar consigo mismos.

Frank Auerbach - Cabeza de JYM ll, 1984-85. Óleo sobre lienzo. 660 x 610 mm. Colección privada. © Frank Auerbach

Volviéndose personal

El principal desafío, por lo tanto, de apreciar retratos abstractos es superar los sesgos inherentes. Cuando un espectador mira un retrato representacional, uno que ha sido construido para imitar la realidad lo más cerca posible, el mero hecho de reconocimiento ayuda al espectador a mantener la imagen en una luz respetuosa. Un sentido de maestría artística y pictórica exige que el ser representado en el retrato merezca una consideración especial y completa. Pero los retratos abstractos invitan a extrañas generalizaciones. Un ámbito donde esto es obvio es con retratos abstractos de poblaciones ya marginadas. Considera, por ejemplo, retratos abstractos de mujeres.

Dos de los pintores de retratos abstractos más famosos son Pablo Picasso y Willem de Kooning. Juntos pintaron cientos de retratos abstractos. Muchos de los retratos abstractos más famosos que pintó Picasso eran de mujeres, como su famoso Mujer Llorando. Pero el más controvertido fue un retrato abstracto de su amante Marie-Thérèse Walter, llamado El Sueño. La pintura es controvertida porque la gente cree ver un falo en la cabeza de la figura. Por lo tanto, lo interpretan como una pintura erótica. Pero, ¿es eso solo pareidolia? ¿O es empatía? ¿O es una preocupación voyeurista por la relación que Picasso tuvo con el modelo? El hecho de que la pintura sea abstracta abre la puerta a saltos interpretativos que permiten que los sesgos inherentes salgan a la luz. ¿La pintura realmente nos muestra algo sobre Picasso y su amante? ¿O nos muestra algo sobre nosotros mismos?

Las mujeres de de Kooning

Un fenómeno similar ocurre cuando las personas miran los retratos abstractos que Willem de Kooning pintó de mujeres. Cuando se discuten otras pinturas abstractas de de Kooning, las cualidades que más comúnmente se abordan son su calidad gestual, su energía vibrante, sus marcas de pincel distintivas, su paleta característica y la tensión y pasión que se transmiten a través de sus composiciones expresivas. Sus composiciones puramente abstractas se describen como complejas, intrincadas y poderosas. Sus paisajes abstractos se describen como sublimes.

Pero se utiliza un vocabulario muy diferente al referirse a los retratos abstractos que de Kooning pintó de mujeres. Los adjetivos comunes utilizados por los espectadores, especialmente los críticos, para describir estas pinturas son más del tipo de hostil, enojado, violento, loco, misógino e insano. De Kooning señaló que cuando pintó sus retratos de mujeres, esperaba que fueran percibidos simplemente como únicos y posiblemente humorísticos. Estaba intentando transmitir en su propio estilo la forma femenina, de una manera clásica y a la vez moderna y abstracta, a diferencia de lo que nadie había hecho antes. Entonces, ¿qué es lo que hay en la retratística de estas pinturas que provoca tales comentarios antropomórficos? ¿De Kooning puso esos pensamientos en la pintura o lo hicimos nosotros?

Willem de Kooning - Mujer I, 1950–2. Óleo sobre lienzo. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 La Fundación Willem de Kooning / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York (Izquierda) / Willem de Kooning - Mujer Willem, 1949. Óleo, esmalte y carbón sobre lienzo. 152.4 x 121.6 cm. Colección Privada. © 2018 La Fundación Willem de Kooning / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York (Derecha)

Ver a los pintores de retratos abstractos en sus pinturas

En lugar de llevar nuestros propios prejuicios a la interpretación del significado subyacente que existe en estas pinturas, otra forma de apreciar los retratos abstractos es interpretar las maneras en que comunican el pensamiento del artista que los pintó. Por ejemplo, los retratos abstractos de Paul Klee demuestran el interés que tenía este pintor por el color, la forma y las composiciones armoniosas. Comunican su búsqueda de la esencia geométrica de la naturaleza y el equilibrio que buscaba capturar en su arte.

Asimismo, al observar los retratos abstractos de Robert Delaunay, podemos ver su evolución de pintor figurativo a abstracto. Retratos tempranos como el que pintó en 1906 de su amigo Jean Metzinger pueden ser apreciados por su uso avanzado del Divisionismo. Esta pintura captura la fascinación que Delaunay tenía por el color y los diversos efectos visuales abstractos que se producen cuando diferentes colores se colocan uno al lado del otro en una superficie. También comunica su búsqueda por aplanar el plano pictórico y dar igual atención a todas las partes de la imagen.

Paul Klee - Senecio, 1922. Óleo sobre lienzo. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basilea, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Izquierda) / Robert Delaunay - Retrato de Jean Metzinger, 1906. Óleo sobre lienzo. 55 x 43 cm (Derecha)

Lo que enseña la fotografía de retrato abstracto

La forma más directa de apreciar los retratos abstractos es simplemente seguir el camino de las ideas que inspiran. Las ideas son centrales en la fotografía abstracta. En la fotografía Noire et Blanche de Man Ray, vemos el rostro de un modelo humano femenino posado junto a una máscara de madera. El rostro y la máscara tienen una forma similar, y ambos comparten una expresión común. A pesar de mostrarnos la realidad objetiva, esta imagen cuestiona si una fotografía puede mostrarnos lo que es real, desafiando la verdad de nuestro propio rostro. Está preguntando al espectador: "¿Cuál es la máscara?"

Muy diferente, pero también fundamentada en ideas, es la fotografía de retrato de doble imagen de Marcel Duchamp tomada por Victor Obsatz en 1953. Muestra una imagen de un Duchamp contemplativo mirando por la ventana, y superpuesta sobre ella, un Duchamp sonriente y alegre mirándonos de vuelta. Nos muestra al pensador serio y al bromista juguetón y satírico, ambos encarnados por este artista. Esta fotografía nos enseña a apreciar todos los retratos abstractos; como imágenes que combinan realidades, como visiones de mundos dentro de mundos. Nos muestran una imagen de nosotros mismos, y también insinúan que hay más en nosotros de lo que sabemos.

Imagen destacada: Salvador Dalí - Galatea de las Esferas, 1952. Óleo sobre lienzo. Teatro-Museo Dalí, Figueres, España. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio