Georg Herold y El Oeste Luminosa en el Kunstmuseum Bonn

La mayoría de las personas probablemente categorizarían a Georg Herold como un miembro de la llamada "generación mayor". Tiene 70 años, después de todo. Y de hecho, hace siete años el Kunstmuseum Bonn le impuso a Herold esa etiqueta desafortunada y algo sin sentido cuando lo incluyó en una ambiciosa exposición colectiva llamada The Luminous West. Esa exposición presentó el trabajo de 33 artistas, todos ellos originarios de la región del Rin / Renania del Norte-Westfalia en Alemania. El objetivo del espectáculo era establecer una visión cohesiva del patrimonio estético de esta parte de Alemania y vincularlo a un examen predictivo de lo que el futuro de la región podría deparar. Para llevar a cabo esta monumental tarea, el museo adoptó un enfoque curatorial único. Primero, encargaron a su equipo académico de cinco personas la tarea de seleccionar a 19 artistas que representaran, en sus palabras, "la generación mayor". El equipo comenzó con lo que llamaron el "núcleo histórico" de la región, que estaba compuesto por cinco artistas: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter y Blinky Palermo. Luego seleccionaron a 14 artistas más "mayores", entre ellos Georg Herold. A continuación, el museo invitó a estos llamados artistas "mayores", o al menos a los que aún estaban vivos, a recomendar artistas de la "generación más joven" cuyo trabajo creían que merecía ser incluido en la exposición. Dado que tenía 63 años en ese momento, quizás no parece un insulto que Georg Herold fuera seleccionado como representante de la generación mayor. Pero, no obstante, algo sobre esa designación parece incorrecto. No hace tanto tiempo que Herold era completamente nuevo en la escena. Y hasta el día de hoy su trabajo sigue siendo fascinante, fresco, ingenioso, irreverente y provocador; en muchos casos, mucho más que el de los artistas cronológicamente más jóvenes que supuestamente representaban el futuro en The Luminous West. Ese hecho se pone de manifiesto con claridad en la nueva exposición monográfica de Georg Herold que actualmente se exhibe en ese mismo espacio, el Kunstmuseum Bonn. El trabajo sigue siendo dinámico y continúa representando la vanguardia. Me pregunto si quizás la edad biológica no debería ser la única medida de "vejez" en las artes. Como demuestra Herold, a veces es con el paso del tiempo que las mejores ideas y las obras más poderosas emergen de un artista, y el pleno significado y potencial de trabajos anteriores se revela finalmente.

Una entrada tardía

Georg Herold nació en 1947 en Jena, Alemania, una ciudad universitaria de aproximadamente 100,000 habitantes. Su formación inicial fue como aprendiz de herrero, después de lo cual asistió a la universidad y comenzó a estudiar seriamente para convertirse en artista. Primero estudió en la Universidad de Arte y Diseño de Halle, en la ciudad de Halle, cerca de donde creció. Luego se trasladó a la parte sur del país, a Múnich, donde asistió a la Academia de Bellas Artes desde 1974 hasta 1976. A continuación, se fue al norte a Hamburgo, donde estudió en la Universidad de Bellas Artes bajo Sigmar Polke desde 1977 hasta 1981. Mientras estaba en Hamburgo, Herold conoció a varios otros artistas estudiantes, entre los que se destacaron Martin Kippenberger y Albert Oehlen, quienes ya habían comenzado a hacerse un nombre con su enfoque punk para hacer arte.

Junto con estos nuevos salvajes, Herold fue apodado como uno de los emergentes "chicos malos" de la escena artística alemana de los años 80. Para cuando se graduó de la universidad, Herold tenía 34 años. No obstante, se le consideraba parte de la nueva, joven y audaz generación. Uno de los "chicos malos" no sobrevivió mucho tiempo. Kippenberger murió en 1997 a los 44 años, pero en su breve carrera llegó a ejercer una enorme influencia sobre el mundo del arte, y casi de manera individual reinventó lo que significaba ser un artista contemporáneo. Oehlen sigue activo hoy en día como artista y profesor. Sus pinturas abstractas son muy queridas, y sus investigaciones sobre el proceso han demostrado ser enormemente influyentes sobre las generaciones emergentes de artistas. Y luego está Herold, el mayor de los "chicos malos". Fue el que más tiempo tardó en madurar, y de alguna manera ha resistido la categorización durante más tiempo. Como él mismo dijo: "intento alcanzar un estado que es ambiguo y permite todo tipo de interpretaciones". Fiel a ese objetivo, su obra desafía cualquier y toda categorización, y ninguna obra única dentro de ella ha sido diagnosticada con éxito.

Georg Herold - Sin título (Caviar), 1990, Caviar, laca, tinta sobre lienzo, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109.9 cm, créditos de foto Magenta Plains, Nueva York

Perseverando en ello

La primera obra de arte por la que se recuerda a Georg Herold fue una delgada tabla de madera, del tipo utilizado en la construcción, atornillada a la pared. Llamó a la pieza Präsentation der ersten Latte, o Presentación de la primera tabla. La obra fue producida en 1977, mientras aún estaba en la escuela, para una tarea en una clase impartida por Sigmar Polke. La obra era, en términos formales estrictos, innegable. Representaba línea y forma. Como un objeto tridimensional colgado en la pared, desafiaba los roles de la pintura y la escultura. Era tanto minimalista como conceptual. Su título implicaba algo ceremonial. Su historia como material implicaba que era un componente de algo más grande por venir. Su estatus como objeto encontrado evocaba a Marcel Duchamp y Robert Rauschenberg. Pero también había algo caprichoso en ello, y quizás algo absurdo.

Pero con el tiempo, el título de esa primera pieza resultaría ser profético. Herold ha vuelto una y otra vez al material de las tablas de construcción. Las ha utilizado en esculturas más grandes, las ha colgado en la pared en diferentes configuraciones, las ha usado como soportes para pinturas y otras obras, y las ha utilizado como materia prima en la construcción de una serie de esculturas figurativas inquietantes. Para construir estas formas, Herold une las tablas de construcción con hilo y tornillos. Luego estira lienzo sobre los palos atados para crear una especie de capullo sobre la forma de un cuerpo humano. Permite que el lienzo se seque y se encoja con el tiempo, luego pinta y laca la forma. En algunos casos, luego hace fundiciones de bronce de edición limitada de las formas. Vistas en el contexto de su trabajo temprano en esa clase con Sigmar Polke, estas formas figurativas son poéticas en su profundidad de significados potenciales. Pero incluso sin conocimiento de su esencia material, su presencia evoca una gama de emociones, desde el sufrimiento hasta la sensualidad. Son tanto humanizadoras como deshumanizadoras, y evocan una miríada de interpretaciones, desde imágenes de danza hasta imágenes de muerte.

Georg Herold - Sin título, 2011, Batten, lienzo, laca, hilo y tornillos, 115 x 510 x 65 cm, imagen © Saatchi Gallery, todos los derechos reservados

Caviar y ladrillos

Otro cuerpo de trabajo por el que Herold se ha hecho conocido es una serie de pinturas en las que se utiliza el caviar como medio principal. Estas pinturas abstractas de caviar poseen una calidad tranquila y natural en la línea de pinturas coreanas dansaekhwa. Son casi monocromáticas, ligeramente texturizadas y hermosas. Pero es su medio lo que plantea preguntas. Los millones, quizás miles de millones de huevos de pescado que se utilizaron para su creación significan que son campos de muerte literales. Potencialmente representan un potencial desperdiciado literal. Por otro lado, el caviar es solo comida, y no exactamente comida necesaria. Es un lujo caro. Potencialmente hay mucho que discutir sobre el mensaje que estas pinturas envían sobre el comercio, el arte y la explotación. Por otro lado, tal vez no haya nada que decir. Tal vez simplemente sean pinturas bonitas.

Georg Herold - Sin título, 2011, caviar (numerado), acrílico, laca sobre lienzo, 2 partes, cada una 350 x 203 cm, imagen cortesía de Galerie Bärbel Grässlin

Otro material al que Herold regresa con frecuencia son los ladrillos. Él adjunta ladrillos directamente a las superficies de lienzo estiradas de sus pinturas. El peso de los ladrillos a menudo tira hacia abajo de la superficie, estirándola y creando arrugas y ondulaciones en la tela. La apariencia es a menudo de una obra de arte parcialmente arruinada. Hay una tensión inherente en la pieza mientras los espectadores observan y se preguntan si los ladrillos eventualmente caerán. Estas piezas parecen desastres esperando a suceder. También son fascinantes exámenes de materialidad, textura, dimensionalidad y espacio. Son divertidas, y de alguna manera incluso tienen una manera burlona sobre ellas. También son sublimemente ambiguas. Hay un gran abismo entre lo que nos muestran y lo que nos dicen. Sin embargo, son solo una construcción, otro paso adelante desde la presentación de la primera tabla. Más notablemente, son frescas. Son evidencia continua de que Georg Herold no es un artista que merezca ser etiquetado como parte de ninguna generación anterior. Con respeto, de hecho, ningún artista vivo lo es.

Georg Herold en el Kunstmuseum Bonn está en exhibición hasta el 7 de enero de 2018.

Imagen destacada: Georg Herold - Herrenperspektive (Perspectiva Masculina), 2002, Escultura de listones de techo, vidrio y cuerda, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Museo Arp Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Todas las imágenes se utilizan solo con fines ilustrativos.

Por Phillip Barcio