Georg Herold y El Oeste Luminosa en el Kunstmuseum Bonn

La mayoría de las personas probablemente clasificaría a Georg Herold como miembro de la llamada «generación mayor». Después de todo, tiene 70 años. Y, de hecho, hace siete años el Kunstmuseum Bonn colocó oficialmente a Herold esa desafortunada y algo carente de sentido etiqueta cuando lo incluyó en una ambiciosa exposición colectiva titulada El oeste luminoso. La exposición presentaba la obra de 33 artistas, todos ellos originarios de la región del Rin y Renania del Norte-Westfalia, en Alemania. El objetivo de la muestra era establecer una visión coherente del patrimonio estético de esta parte de Alemania y vincularla con un examen predictivo de lo que podría deparar el futuro de la región. Para llevar a cabo esta tarea monumental, el museo adoptó un enfoque curatorial único. Primero, encargó a su equipo académico de cinco personas la selección de 19 artistas que representaran, en sus palabras, «la generación mayor». El equipo comenzó con lo que denominó el «núcleo histórico» de la región, compuesto por cinco artistas: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter y Blinky Palermo. Después seleccionó a otros 14 artistas «mayores», entre ellos Georg Herold. A continuación, el museo invitó a estos llamados artistas «mayores», o al menos a los que aún estaban vivos, a recomendar artistas de la «generación más joven» cuya obra consideraran digna de ser incluida en la exposición. Como tenía 63 años en aquel momento, quizá no parezca un insulto que Georg Herold fuera seleccionado como representante de la generación mayor. Pero, aun así, algo en esa designación parece equivocado. No hace tanto tiempo que Herold era completamente nuevo en la escena. Y hasta el día de hoy su obra sigue siendo fascinante, fresca, ingeniosa, irreverente y provocadora; en muchos casos, mucho más que la de los artistas cronológicamente más jóvenes que supuestamente representaban el futuro en El oeste luminoso. Ese hecho queda claramente de manifiesto en la nueva exposición monográfica de Georg Herold, actualmente abierta en ese mismo espacio, el Kunstmuseum Bonn. La obra sigue siendo dinámica y continúa representando la vanguardia más extrema. Me pregunto si la edad biológica no debería ser la única medida de la «vejez» en las artes. Como demuestra Herold, a veces es con el paso del tiempo cuando surgen de un artista las mejores ideas y las obras más poderosas, y cuando por fin se revelan plenamente el significado y el potencial de sus trabajos anteriores.

Una incorporación tardía

Georg Herold nació en 1947 en Jena, Alemania, una ciudad universitaria de unos 100.000 habitantes. Su primera formación fue como aprendiz de herrero, después de lo cual asistió a la universidad y comenzó a estudiar seriamente para convertirse en artista. Primero estudió en la Universidad de Arte y Diseño de Halle, en la ciudad de Halle, cerca de donde creció. Después se trasladó al sur del país, a Múnich, donde asistió a la Academia de Bellas Artes de 1974 a 1976. Luego viajó al norte, a Hamburgo, donde estudió en la Universidad de Bellas Artes con Sigmar Polke entre 1977 y 1981. Mientras estaba en Hamburgo, Herold conoció a varios artistas estudiantes, entre ellos, sobre todo, Martin Kippenberger y Albert Oehlen, quienes ya habían empezado a hacerse un nombre con su enfoque punk de la creación artística.

Junto con estos nuevos rebeldes, Herold pasó a ser considerado uno de los emergentes «chicos malos» de la escena artística alemana de los años ochenta. Cuando se graduó de la universidad, Herold tenía 34 años. No obstante, se lo consideraba parte de la nueva generación, joven y descarada. Uno de los «chicos malos» no sobrevivió mucho tiempo. Kippenberger murió en 1997, a los 44 años, pero durante su breve carrera llegó a ejercer una enorme influencia sobre el mundo del arte y, casi por sí solo, reinventó lo que significaba ser un artista contemporáneo. Oehlen sigue activo hoy como artista y profesor. Sus pinturas abstractas son muy apreciadas y sus investigaciones sobre el proceso han demostrado ser enormemente influyentes para las generaciones emergentes de artistas. Y luego está Herold, el mayor de los «chicos malos». Tardó más tiempo en alcanzar la madurez y, en ciertos sentidos, ha sido quien más tiempo ha resistido la categorización. Como dijo en una ocasión: «pretendo alcanzar un estado que sea ambiguo y permita todo tipo de interpretaciones». Fiel a ese objetivo, su obra desafía toda categorización, y ninguna obra individual de su producción ha podido ser diagnosticada con éxito hasta ahora.

Georg Herold - Sin título (Caviar), 1990, caviar, laca, tinta sobre lienzo, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109,9 cm, créditos fotográficos: Magenta Plains, Nueva York

Perseverar

La primera obra por la que se recuerda a Georg Herold era una delgada tabla de madera, del tipo utilizado en la construcción, atornillada a la pared. Llamó a la pieza Präsentation der ersten Latte, o Presentación de la primera tabla.La obra fue realizada en 1977, cuando aún estudiaba, para un trabajo de una clase impartida por Sigmar Polke. En términos formales estrictos, la obra era indiscutible. Representaba la línea y la forma. Como objeto tridimensional colgado en la pared, cuestionaba las funciones de la pintura y la escultura. Era a la vez minimalista y conceptual. Su título sugería algo ceremonial. Su historia como material implicaba que era un componente de algo más grande por venir. Su condición de objeto encontrado evocaba a Marcel Duchamp y Robert Rauschenberg. Pero también había algo caprichoso en ella, y quizá algo absurdo.

Con el tiempo, sin embargo, el título de aquella primera pieza demostraría ser profético. Herold ha vuelto una y otra vez al material de las tablas de construcción. Las ha utilizado en esculturas de mayor tamaño, las ha colgado en la pared en distintas configuraciones, las ha empleado como soportes para pinturas y otras obras, y las ha usado como materias primas para construir una serie de inquietantes esculturas figurativas. Para construir estas formas, Herold une tablas de construcción con hilo y tornillos. Después tensa lienzo sobre los listones unidos para crear una especie de capullo alrededor de la forma de un cuerpo humano. Deja que el lienzo se seque y se encoja con el tiempo; después pinta y barniza la forma. En algunos casos, realiza luego fundiciones de bronce de edición limitada de las formas. Vistas en el contexto de sus primeros trabajos en aquella clase con Sigmar Polke, estas formas figurativas son poéticas por la profundidad de sus posibles significados. Pero incluso sin conocer su esencia material, su presencia evoca un abanico de emociones, del sufrimiento a la sensualidad. Son a la vez humanizadoras y deshumanizadoras, y suscitan innumerables interpretaciones, desde imágenes de danza hasta imágenes de muerte.

Georg Herold - Sin título, 2011, listón, lienzo, laca, hilo y tornillos, 115 x 510 x 65 cm, imagen © Saatchi Gallery, todos los derechos reservados

Caviar y ladrillos

Otro conjunto de obras por el que Herold se ha hecho conocido es una serie de pinturas en las que las huevas de pescado se utilizan como medio principal. Estas pinturas abstractas de caviar poseen una cualidad tranquila y natural, en la línea de las pinturas coreanas dancheonghwa. Son casi monocromáticas, ligeramente texturizadas y hermosas. Pero es su medio lo que plantea preguntas. Los millones, quizá miles de millones, de huevos de pescado utilizados en su elaboración hacen de ellas auténticos campos de muerte. Potencialmente representan un potencial literalmente desperdiciado. Por otra parte, el caviar es simplemente comida, y ni siquiera una comida necesaria. Es un lujo caro. Hay mucho que debatir sobre el mensaje que estas pinturas transmiten acerca del comercio, el arte y la explotación. Aunque quizá no haya nada que decir. Tal vez sean simplemente pinturas bonitas.

Georg Herold - Sin título, 2011, caviar (numerado), acrílico, laca sobre lienzo, 2 partes, cada una de 350 x 203 cm, imagen cortesía de Galerie Bärbel Grässlin

Otro material al que Herold vuelve con frecuencia son los ladrillos. Fija ladrillos directamente a las superficies de lienzo tensado de sus pinturas. El peso de los ladrillos suele tirar de la superficie hacia abajo, estirándola y creando arrugas y ondulaciones en la tela. El resultado suele parecer una obra de arte parcialmente arruinada. Hay una tensión inherente en la pieza mientras los espectadores observan y se preguntan si los ladrillos acabarán cayendo. Estas piezas parecen desastres a punto de ocurrir. También son fascinantes investigaciones sobre la materialidad, la textura, la dimensionalidad y el espacio. Son divertidas y, de algún modo, incluso tienen un aire burlón. También son sublimemente ambiguas. Existe un gran abismo entre lo que nos muestran y lo que nos dicen. Por otra parte, no son más que una construcción, otro paso adelante desde la presentación de la primera tabla. Sobre todo, son frescas. Siguen demostrando que Georg Herold no es un artista que merezca ser etiquetado como parte de ninguna generación mayor. De hecho, y con todo respeto, ningún artista vivo lo es.

Georg Herold en el Kunstmuseum Bonn se puede visitar hasta el 7 de enero de 2018.

Imagen destacada: Georg Herold - Herrenperspektive (Perspectiva de los hombres), 2002, escultura de listones de tejado, vidrio y cordel, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Todas las imágenes se utilizan únicamente con fines ilustrativos

Por Phillip Barcio