Georg Herold y El Oeste Luminosa en el Kunstmuseum Bonn

La mayoría de las personas probablemente clasificarían a Georg Herold como miembro de la llamada “generación mayor.” Después de todo, tiene 70 años. Y de hecho, hace siete años el Kunstmuseum Bonn le asignó oficialmente esa desafortunada y algo vacía etiqueta cuando lo incluyeron en una ambiciosa exposición colectiva llamada El Oeste Luminoso. Esa exposición presentó la obra de 33 artistas, todos provenientes de la región del Rin / Renania del Norte-Westfalia en Alemania. El objetivo de la muestra era establecer una visión coherente del legado estético de esta parte de Alemania y vincularlo a un examen predictivo de lo que el futuro de la región podría deparar. Para lograr esta tarea monumental, el museo adoptó un enfoque curatorial único. Primero, encargaron a su equipo académico de cinco personas la tarea de seleccionar a 19 artistas que representaran, en sus palabras, “la generación mayor.” El equipo comenzó con lo que llamaron el “núcleo histórico” de la región, compuesto por cinco artistas: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter y Blinky Palermo. Luego seleccionaron a 14 artistas “mayores” más, entre ellos Georg Herold. Después, el museo invitó a estos llamados artistas “mayores”, o al menos a los que aún estaban vivos, a recomendar artistas de la “generación más joven” cuyo trabajo consideraran merecedor de inclusión en la exposición. Dado que tenía 63 años en ese momento, quizás no parezca un insulto que Georg Herold fuera seleccionado como representante de la generación mayor. Pero, sin embargo, algo en esa designación parece incorrecto. No hace mucho que Herold era un recién llegado en la escena. Y hasta hoy su obra sigue siendo fascinante, fresca, ingeniosa, irreverente y provocadora—en muchos casos, mucho más que la de los artistas cronológicamente más jóvenes que supuestamente representaban el futuro en El Oeste Luminoso. Ese hecho se hace evidente con la nueva exposición monográfica de Georg Herold que actualmente se exhibe en ese mismo espacio, el Kunstmuseum Bonn. La obra sigue siendo dinámica y continúa representando la vanguardia. Me hace preguntarme si quizás la edad biológica no debería ser la única medida de la “vejez” en las artes. Como demuestra Herold, a veces es con el paso del tiempo que surgen las mejores ideas y las obras más poderosas de un artista, y el significado y potencial completos de trabajos anteriores finalmente se revelan.

Una Entrada Tardía

Georg Herold nació en 1947 en Jena, Alemania, una ciudad universitaria de unos 100,000 habitantes. Su formación inicial fue como aprendiz de herrero, tras lo cual asistió a la universidad y comenzó a estudiar seriamente para convertirse en artista. Primero estudió en la Universidad de Arte y Diseño de Halle, en la ciudad de Halle, cerca de donde creció. Luego se trasladó al sur del país, a Múnich, donde asistió a la Academia de Bellas Artes desde 1974 hasta 1976. Después, se fue al norte, a Hamburgo, donde estudió en la Universidad de Bellas Artes bajo la tutela de Sigmar Polke desde 1977 hasta 1981. Mientras estaba en Hamburgo, Herold conoció a varios otros estudiantes artistas, entre los que destacaban Martin Kippenberger y Albert Oehlen, quienes ya se habían hecho un nombre con su enfoque punk para hacer arte.

Junto con estos nuevos rebeldes, Herold fue apodado como uno de los “chicos malos” emergentes de la escena artística alemana de los años 80. Cuando se graduó de la universidad, Herold tenía 34 años. No obstante, se le consideraba parte de la nueva generación joven y audaz. Uno de los “chicos malos” no sobrevivió mucho tiempo. Kippenberger murió en 1997 a los 44 años, pero en su breve carrera llegó a ejercer una enorme influencia en el mundo del arte y casi en solitario reinventó lo que significaba ser un artista contemporáneo. Oehlen sigue activo hoy como artista y maestro. Sus pinturas abstractas son muy queridas, y sus investigaciones sobre el proceso han demostrado ser enormemente influyentes para las generaciones emergentes de artistas. Y luego está Herold, el mayor de los “chicos malos.” Fue el que más tardó en madurar y, en cierto modo, ha resistido la categorización por más tiempo. Como dijo una vez, “tengo la intención de alcanzar un estado que sea ambiguo y permita todo tipo de interpretaciones.” Fiel a ese objetivo, su obra desafía toda categorización, y ninguna obra individual dentro de ella ha sido aún diagnosticada con éxito.

Georg Herold - Sin título (Caviar), 1990, caviar, laca, tinta sobre lienzo, 80 × 109.9 cm, 31 1/2 × 43 1/4 pulgadas, créditos fotográficos Magenta Plains, Nueva York

Persistiendo

La primera obra por la que se recuerda a Georg Herold fue una delgada tabla de madera, del tipo usado en construcción, atornillada a la pared. Llamó a la pieza Präsentation der ersten Latte, o Presentación de la primera tabla. La obra fue producida en 1977, mientras aún estaba en la escuela, para una tarea en una clase impartida por Sigmar Polke. La obra era, en términos formales estrictos, innegable. Representaba línea y forma. Como objeto tridimensional colgado en la pared, desafiaba los roles de la pintura y la escultura. Era a la vez minimalista y conceptual. Su título implicaba algo ceremonial. Su historia como material implicaba que era un componente de algo más grande por venir. Su estatus como objeto encontrado evocaba a Marcel Duchamp y a Robert Rauschenberg. Pero también había algo caprichoso en ella, y quizás algo absurdo.

Pero con el tiempo, el título de esa primera pieza resultó ser profético. Herold ha vuelto una y otra vez al material de las tablas de construcción. Las ha usado en esculturas más grandes, las ha colgado en la pared en diferentes configuraciones, las ha usado como soportes para pinturas y otras obras, y las ha empleado como materia prima en la construcción de una serie de esculturas figurativas inquietantes. Para construir estas formas, Herold ata las tablas de construcción con hilo y tornillos. Luego estira lienzo sobre los palos atados para crear una especie de capullo sobre la forma de un cuerpo humano. Permite que el lienzo se seque y encoja con el tiempo, luego pinta y lacqua la forma. En algunos casos, luego realiza fundiciones limitadas en bronce de las formas. Vistas en el contexto de su trabajo temprano en esa clase con Sigmar Polke, estas formas figurativas son poéticas en su profundidad de significados potenciales. Pero incluso sin conocer su esencia material, su presencia evoca una gama de emociones, desde el sufrimiento hasta la sensualidad. Son a la vez humanizadoras y deshumanizadoras, y convocan innumerables interpretaciones, desde imágenes de danza hasta imágenes de muerte.

Georg Herold - Sin título, 2011, tabla, lienzo, laca, hilo y tornillos, 115 x 510 x 65 cm, imagen © Saatchi Gallery, todos los derechos reservados

Caviar y Ladrillos

Otro conjunto de obras por las que Herold se ha hecho conocido es una serie de pinturas en las que el huevas de pescado se usa como medio principal. Estas pinturas abstractas de caviar poseen una cualidad tranquila y natural en la línea de las pinturas coreanas dansaekhwa. Son casi monocromáticas, ligeramente texturizadas y hermosas. Pero es su medio lo que plantea preguntas. Los millones, quizás miles de millones de huevos de pescado que se usaron para su creación significan que son literalmente campos de muerte. Potencialmente representan un desperdicio literal de potencial. Por otro lado, el caviar es solo comida, y no exactamente comida necesaria. Es un lujo caro. Hay mucho que discutir sobre el mensaje que estas pinturas envían acerca del comercio, el arte y la explotación. Pero también, tal vez no haya nada que decir. Quizás simplemente son pinturas bonitas.

Georg Herold - Sin título, 2011, caviar (numerado), acrílico, laca sobre lienzo, 2 partes, cada una 350 x 203 cm, imagen cortesía Galerie Bärbel Grässlin

Otro material al que Herold vuelve con frecuencia son los ladrillos. Los adhiere directamente a las superficies de lienzo estirado de sus pinturas. El peso de los ladrillos a menudo tira hacia abajo de la superficie, estirándola y formando arrugas y ondas en la tela. La apariencia es a menudo la de una obra de arte parcialmente arruinada. Hay una tensión inherente en la pieza mientras los espectadores observan y se preguntan si los ladrillos eventualmente caerán. Estas piezas parecen desastres a punto de ocurrir. También son fascinantes exámenes de materialidad, textura, dimensionalidad y espacio. Son divertidas y, de alguna manera, incluso tienen un aire burlón. También son sublimemente ambiguas. Hay un gran abismo entre lo que nos muestran y lo que nos dicen. Pero, de nuevo, son solo una construcción, otro paso adelante desde la presentación de la primera tabla. Lo más notable es que son frescas. Son evidencia continua de que Georg Herold no es un artista que merezca ser etiquetado como parte de ninguna generación mayor. Con respeto, de hecho, ningún artista vivo lo merece.

Georg Herold en el Kunstmuseum Bonn está en exhibición hasta el 7 de enero de 2018.

Imagen destacada: Georg Herold - Herrenperspektive (Perspectiva masculina), 2002, escultura de listones de techo, vidrio y cuerda, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos

Por Phillip Barcio