Cómo las obras de Pat Steir llegaron a la cima del mercado del arte

La representación en galerías es clave para cualquier artista que desee tener presencia en el mercado del arte. Pero, ¿qué hace exactamente una galería por un artista? ¿Y cómo pueden los artistas asegurarse de unirse a la galería que les brindará la mejor representación posible? La historia de Pat Steir puede arrojar algo de luz sobre las respuestas a estas antiguas preguntas. Steir ha sido una figura destacada en la escena de la pintura estadounidense durante décadas. Su obra es idiosincrática, conceptualmente brillante y estéticamente impresionante. Sin embargo, durante mucho tiempo estuvo en el extremo bajo de las cifras de ventas entre otros artistas de su estatura. Pero no fue una recién llegada al mercado del arte. Las autoridades reconocieron instantáneamente sus habilidades. El mismo año en que se graduó con su BFA en el Pratt Institute, tuvo su primera exposición colectiva, no en una galería, sino en el High Museum of Art en Atlanta, posiblemente el museo de arte más importante del sureste de Estados Unidos. Al año siguiente participó en exposiciones colectivas en el Philadelphia Museum of Art y en el MoMA de Nueva York. Desde entonces, no ha habido un año en que Steir haya flaqueado. Su obra ha impresionado constantemente a los espectadores con su presencia, su poder y su complejidad. E incluso ha encontrado tiempo para enseñar en algunas de las instituciones educativas más influyentes de Estados Unidos, como Princeton, Parsons y Cal Arts. Entonces, la pregunta es, ¿por qué Pat Reid no ha sido recompensada económicamente por su éxito de manera acorde con su importancia como artista? La respuesta, al parecer, tiene que ver con la representación.

La Primera Galería

Pat Steir nació en 1940. Para 1964 su obra ya había sido incluida en tres exposiciones en museos, y le ofrecieron su primera exposición individual en la ciudad de Nueva York, en la galería Terry Dintenfass. Terry Dintenfass era originaria de Atlantic City, Nueva Jersey. Allí abrió su primera galería de arte, D Contemporary, en el vestíbulo de lo que entonces era un resort costero de primera categoría, el Hotel Traymore. Pero a medida que Atlantic City experimentó un declive en popularidad, Dintenfass decidió cerrar D Contemporary y mudarse a Manhattan para abrir una nueva galería. Al hacerlo, se convirtió en parte de una creciente ola de galeristas mujeres en Nueva York. Fue una de las más progresistas, representando a artistas que de otro modo estaban poco representados debido a los prejuicios sociales o políticos predominantes en la época.

La obra que Pat Steir mostró en Terry Dintenfass no estaba muy alineada con las tendencias estéticas predominantes de entonces. Tendía hacia la figuración cuando el trabajo minimalista estaba más de moda. No es de extrañar que la exposición no generara suficientes ventas para liberarla de su trabajo diurno como directora de arte en la editorial Harper & Row. Durante el resto de la década, Steir continuó exhibiendo su obra en Nueva York, pero las recompensas económicas siguieron eludiéndola. Por supuesto, ese no era su objetivo. Steir perseguía algo más importante que el dinero. Estaba estableciendo su propia voz como pintora y buscando lograr algo verdadero como artista.

Pat Steir - Azul, 2007, Óleo sobre lienzo, 36 × 36 in, 91.4 × 91.4 cm, créditos fotográficos Bentley Gallery, Phoenix

El Cambio Profundo

A principios de los años 70, Steir viajó a Nuevo México donde pasó tiempo con Agnes Martin. Las conversaciones con Martin reforzaron en Steir la importancia de conectar con los aspectos espirituales de lo que intentaba hacer. Comenzó a estudiar las filosofías y tradiciones artísticas de Asia Oriental. Conectó sus enseñanzas con sus propias tendencias estéticas, que estaban en línea con el automatismo y la pérdida del ego inherentes a las técnicas del Expresionismo Abstracto. Estas influencias culminaron en una especie de nueva claridad para Steir, y a principios de los años 70 creó lo que se convirtió en su primera serie icónica de obras: sus llamadas pinturas de rosas, pinturas abstractas que contenían formas sugerentes de rosas que luego eran tachadas. Al describir lo que esperaba lograr con este cuerpo de trabajo, Steir explicó “Quería destruir imágenes como símbolos...no imágenes, pero al mismo tiempo imágenes infinitas.”

Durante la siguiente década, este proceso filosófico que Steir había iniciado la llevó a su cuerpo de obra más conocido: sus pinturas de cascadas. Estas obras son la demostración conceptual perfecta de renunciar al control, y al mismo tiempo expresiones perfectas de planificación y matiz. Visualmente, parecen pintura vertida por el frente de un lienzo, justo como una cascada. Para hacerlas, Steir cuelga un lienzo sin estirar en la pared y luego sube a una escalera para verter cuidadosamente la pintura sobre la superficie. La gravedad y el tiempo toman el control una vez que ella libera la pintura. Ella dirige el proceso. Elige cuándo, dónde y cuánto pintar. Elige los colores. Elige la viscosidad y si añade marcas de pincel adicionales o salpicaduras. Es una expresión simple y profunda de la humanidad colaborando con la naturaleza. El proceso es armonioso, y también lo son las pinturas.

Pat Steir - Montaña bajo la lluvia, 2012, Grabado directo en color sobre papel gampi chine collé, 31 × 39 in, 78.7 × 99.1 cm, créditos fotográficos Crown Point Press, San Francisco

Cheim & Read

A finales de los años 90, Steir alcanzó la maestría como pintora y le ofrecieron representación en una galería importante: Cheim & Read, uno de los marchantes de arte contemporáneo más influyentes de Nueva York. Ubicada en el barrio de Chelsea, Cheim & Read ha sido un referente en la escena global del arte contemporáneo desde su fundación en 1997. Cualquier artista vería la oportunidad de ser representado por una galería así como una oportunidad increíble. Pero para Pat Steir, la oportunidad no dio los frutos esperados. No es que sus obras no se vendieran. Se vendieron, por decenas de miles de dólares. Pero muchos de sus contemporáneos alcanzaban precios diez veces mayores. De nuevo, no era el lucro su motivación. Pero en Estados Unidos, las cifras de ventas afectan profundamente si un artista es aceptado en el canon de artistas importantes que regularmente se exhiben en museos y bienales, y se incluyen en los programas de historia del arte.

Entra en escena la marchante de arte nacida en Suiza, Dominique Lévy. Lévy nació tres años después de que Pat Steir tuviera su primera exposición individual. Obtuvo su maestría en la Universidad de Ginebra en la fascinante materia de Sociología del Arte. A finales de los años 80 y durante los 90 trabajó para las casas de subastas Christie’s y Sotheby’s, y luego nuevamente para Christie’s. En 2003 abrió su propio servicio de asesoría artística, llamado Dominique Lévy Fine Art. Dos años después abrió L&M Arts con Robert Mnuchin, padre del actual Secretario del Tesoro de Estados Unidos. En 2013 abrió Dominique Lévy Gallery en Manhattan y Londres. Allí representó el patrimonio de , y artistas de Yves Klein como Frank Stella y Pierre Soulages. Y en 2016, firmó a Pat Steir.

Pat Steir - Momento, 1974, Óleo sobre lienzo, 84 × 84 in, 213.4 × 213.4 cm, créditos fotográficos Cheim & Read, Nueva York

Lo Que Hay en un Nombre

Justo después de firmar a Pat Steir, Dominique Lévy se asoció con el marchante británico Brett Gorvy para formar una nueva galería: Lévy Gorvy, con oficinas en Londres, Nueva York y Ginebra. Lévy Gorvy es ahora quien representa a Pat Steir. Y desde esa fusión, en menos de dos años, los precios de las obras de Steir se han disparado. En solo los últimos seis meses, tres de sus obras en subasta han superado sus estimaciones. Sotheby’s vendió Four Yellow Red Negative Waterfall (1993) por £680,750 tras una estimación de £200,000, y tanto Misty Mountain Waterfall (1991) como Silver Moon Beam (2006) por £299,400 cada una tras estimaciones de £113,250 cada una. Además, Lévy Gorvy está vendiendo nuevas obras de Steir por más de medio millón cada una, un precio alcanzado en la EXPO de Chicago donde una pintura sin título de Steir de 2004 se vendió por $550,000.

¿Qué pasó entonces? Si Steir era capaz de alcanzar estos precios, ¿por qué Cheim & Read no lo logró? La respuesta podría estar en las conexiones. Cada galerista tiene una red. Tal vez Lévy y Gorvy simplemente conocen a personas diferentes. O podría ser cuestión de tiempo. Quizás esto estaba destinado a suceder independientemente de quién representara a Steir. O podría ser cuestión de confianza. Tal vez Lévy y Gorvy tienen un historial en el que los grandes compradores confían. Pero después de revisar las páginas de galería de Pat Steir en los sitios web de Cheim & Read y Lévy Gorvy, creo que la diferencia podría ser una cuestión de comprensión. Los materiales de marketing que Lévy Gorvy ha preparado no solo son más modernos y completos. La historia que cuentan también es más empática. En mi opinión, el factor determinante número uno para saber si un artista ha encontrado la galería adecuada es si las personas que trabajan en esa galería comprenden la obra. Es imposible engañar a alguien para que compre arte. Pero si un galerista realmente cree en la obra que vende, no se trata de ventas, sino de conectar a las personas con el arte que les importa, una hazaña que se vuelve posible porque el comprador, el galerista, el artista y la obra, por cualquier razón, hablan el mismo idioma del corazón.

Pat Steir - Conjunto de Cuatro Líneas, 2015, Un conjunto de cuatro serigrafías con pintura a mano, 72 × 96 in, 182.9 × 243.8 cm, Único

Imagen destacada: Pat Steir - Tríptico D, 2015, Un conjunto de tres serigrafías con pintura a mano, 72 × 108 in, 182.9 × 274.3 cm, Único, créditos fotográficos Pace Prints

Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos

Por Phillip Barcio