Cómo Ad Reinhardt nos enseñó a mirar el arte moderno

¿Qué significa ser un purista? ¿Es como ser cerrado de mente? ¿O es la búsqueda de la pureza inherentemente noble, como la persecución de la perfección? Para el artista abstracto estadounidense Ad Reinhardt, la pureza era esencial para el arte fino. En su ensayo de 1953, “Doce Reglas para una Nueva Academia,” Reinhardt definió el arte fino como “arte vaciado y purificado de todos los significados que no sean arte.” Continuó explicando que, “Cuantos más usos, relaciones y “adiciones” tenga una pintura, menos pura es. Cuanto más contenido tenga, más recargada está la obra de arte, peor es. ‘Más es menos’.” Esto puede sonar como una afirmación extraña viniendo de un pintor asociado con los expresionistas abstractos, artistas que definitivamente ponían más en sus lienzos, no menos. Pero aunque Reinhardt comenzó su carrera pintando lienzos expresivos y dinámicos, su búsqueda de la pureza alteró drásticamente su enfoque con el tiempo. Redujo tan dramáticamente el contenido en sus pinturas a lo largo de su carrera que en los últimos años de su vida pintó solo con el color negro. Para cuando murió en 1967, estaba tan seguro de la pureza de sus esfuerzos que proclamó haber pintado las últimas pinturas que alguna vez se necesitarían.

Arte Hecho Fino

La búsqueda de la pureza podría parecer más adecuada para un monasterio que para un estudio de arte. Pero Ad Reinhardt fue tanto un filósofo como un artista. Y uno de sus mejores amigos era de hecho un monje en un monasterio. Reinhardt intercambiaba cartas regularmente con él, intercambiando de manera juguetona puntos de vista sobre la naturaleza de la vida y el arte. En la escuela de posgrado Reinhardt estudió historia del arte, un tema sobre el que sabía más que quizás cualquier otro artista de su generación. Tal vez su interés en descubrir la manifestación última de la pureza en el arte tenía tanto que ver con la curiosidad intelectual y espiritual como con su deseo de definir su propia relevancia en el continuo de la historia del arte.

Cuando comenzó a exhibir sus pinturas en Nueva York en la década de 1940, estaban en línea con el estilo dominante emergente de la época, el Expresionismo Abstracto. Eran pictóricos, gestuales, llenos de colores vivos y vivos con marcas abstractas. Menos de una década después, renunció apasionadamente a todas esas cosas, publicando un manifiesto dogmático, casi cómicamente específico y a menudo contradictorio, que describía el método preciso para hacer pinturas puras y modernas: pinturas que incidentalmente no se parecían en nada a sus primeras obras. Si eso parece paradójico, ayuda recordar las famosas palabras de Reinhardt: “El arte es demasiado serio para tomárselo en serio.”

Ad Reinhardt - Pintura Abstracta, 1960. Óleo sobre lienzo. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Desmantelando la Vanguardia

Para entender el clima cultural en el que trabajó Reinhardt, ayuda mirar hacia atrás en la historia del Modernismo. Antes de la Segunda Guerra Mundial, casi todos los movimientos artísticos de vanguardia se originaron fuera de América. Después de la Segunda Guerra Mundial, América dio origen a algunos de los movimientos modernistas más influyentes del siglo, incluyendo el Expresionismo Abstracto, el Minimalismo y el Postexpresionismo. ¿Qué sucedió para precipitar este cambio en la influencia del arte estadounidense? Tuvo más que ver con la política que con el arte.

Tras la Revolución Alemana después de la Primera Guerra Mundial, llegó al poder en Alemania un gobierno representativo llamado la República de Weimar. Este gobierno elegido democráticamente instituyó reformas sociales, políticas y económicas de gran alcance que llevaron a vastos cambios culturales en toda Alemania. En este ambiente transformador floreció el Modernismo alemán. La Bauhaus se estableció el mismo año que la República de Weimar, y en la misma ciudad, y durante los siguientes 14 años Alemania evolucionó hasta convertirse en una fuerza progresista líder en las artes.

Ad Reinhardt - Collage de papel de periódico, 1940. Papel impreso recortado y pegado y papel negro sobre tabla. 15 7/8 x 20 pulg (40.6 x 50.8 cm). Colección MoMA. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nueva York  

El Lado Oscuro del Purismo

Cuando el mercado bursátil colapsó en 1929, Alemania, como la mayoría de los otros países occidentales, vio su economía derrumbarse. La depresión global que siguió causó mucha frustración en la vida de la gente trabajadora común. Cuando el régimen nazi llegó al poder en Alemania en 1933, fue bajo el pretexto de restaurar a Alemania a su grandeza histórica y revertir las tendencias del pasado reciente. Una de las primeras cosas que hizo el Partido Nazi fue ejercer influencia sobre la cultura alemana. El arte moderno fue un objetivo clave.

Liderados por Adolf Hitler, los nazis desarrollaron un concepto de arte alemán puro. Incluía solo arte tradicional, clásico que se ajustaba a su definición de identidad racial y nacionalista. Cualquier arte fuera de esa definición era llamado degenerado. Así comenzó un éxodo de artistas de vanguardia de Alemania. Y a medida que la influencia nazi se extendió más allá de Alemania, los artistas modernos de toda Europa se encontraron bajo la misma persecución también.

Ad Reinhardt - Estudio para una pintura, 1938. Gouache sobre papel. 4 x 5 pulg (10.2 x 12.8 cm). Colección MoMA. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Reensamblando la Vanguardia

Durante finales de los años 30 y principios de los 40, cualquier artista moderno europeo con medios encontró la manera de ir al extranjero. Como una de las pocas capitales mundiales no sitiada por poderes fascistas, la ciudad de Nueva York se convirtió en un faro para artistas de vanguardia de todo el mundo. Estos artistas recién llegados se mezclaron con la ya vibrante escena del arte abstracto neoyorquino, que incluía artistas nacidos en Estados Unidos como Jackson Pollock, así como artistas como Willem de Kooning y Arshile Gorky que habían inmigrado allí después de la Primera Guerra Mundial. De esta cultura surgieron los primeros movimientos modernistas estadounidenses.

Ad Reinhardt alcanzó la madurez artística como miembro de esta generación de artistas de vanguardia neoyorquinos de la posguerra. Estuvo plenamente involucrado en la vibrante mezcla de conversaciones políticas, filosóficas, sociales y culturales que tenían lugar en esta comunidad diversa e internacional. Participó en protestas y formó parte de la escena de todas las maneras posibles. Pero discrepaba con sus contemporáneos en un aspecto fundamental. Mientras ellos consideraban que sus vidas y su arte estaban entrelazados como una experiencia holística, Reinhardt creía que ese era el camino equivocado. Como él decía: “El arte es arte. La vida es vida.”

Ad Reinhardt - Estudio para una pintura, 1939. Gouache sobre papel. 3 7/8 x 4 7/8 pulg (10 x 12.5 cm). Colección MoMA. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Búsqueda del Invariante

Como forma de evolucionar su obra alejándola de la de sus contemporáneos, Reinhardt formuló la idea del “objeto iluminado,” una obra de arte que no hacía referencia a nada externo, ninguna idea externa, sino que simplemente existía como un ejemplo singular de su puro ser. El objeto iluminado era una forma de lo que un espiritualista podría llamar el “invariante,” el gran último, la sustancia inmutable que incluso en medio de la transformación no se transforma. Esencialmente buscaba la versión artística de Dios.

Reinhardt buscó el invariante a través de la negación, lo que significa que en lugar de definir qué es el arte puro definió qué no es el arte puro. Sus 12 Reglas para una Nueva Academia, publicadas en 1953, contenían su lista de negaciones, formuladas como reglas para llegar al arte puro. Estas reglas incluían: No realismo, no impresionismo, no expresionismo, no escultura, no plasticismo, no collage, no arquitectura, no decoración, no textura, no pinceladas, no esbozar ideas de antemano, no formas, no diseño, no colores, no luz, no espacio, no tiempo, no tamaño, no movimiento, no tema, no símbolos, no imágenes y no placer. Añadió, “Externamente, mantente alejado de todas las relaciones, e internamente, no tengas anhelos en tu corazón.”

Ad Reinhardt - Collage de papel, 1939. Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington DC. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Cambiar con el Cambio

Es vital tener en cuenta al leer las 12 Reglas para una Nueva Academia que Reinhardt trabajó como escritor de comedia en la universidad, y también que era una persona espiritual y filosófica. Tenía un ingenio agudo y a menudo hablaba intencionalmente en declaraciones paradójicas. Incluso si creía que todas sus reglas eran posibles de seguir individualmente, seguramente también sabía que seguirlas todas simultáneamente significaba que algunas se violarían.

Por ejemplo, cuando se trataba de las Pinturas Negras que pintó durante los últimos 12 años de su vida, las llamó, “Un ícono libre, no manipulado, inmanipulable, inútil, no comercializable, irreducible, no fotografiable, no reproducible, inexplicable.” Pero no eran libres; eran el producto de un sistema ideológico y dogmático. Y en cuanto a ser no fotografiables y no comercializables, de hecho se vendieron rápidamente, y continúan apareciendo regularmente en subastas hoy en día, con buenas fotografías incluidas en los catálogos. ¿Entonces Reinhardt estaba haciendo una broma? ¿O estaba haciendo una declaración más profunda sobre las complejidades de hacer y hablar sobre el arte abstracto?

Ad Reinhardt - Sin título, 1947. Óleo sobre lienzo. Galería Nacional de Arte, Washington DC. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

El Estado Inmutable

Entender a Reinhardt significa entender su cultura. Reinhardt formó parte de una escena artística dominada por obras apasionadas, emocionales, personales y pictóricas. Su respuesta fue abogar por lo opuesto. Cuando los artistas defendían apasionadamente que el arte se reintegrara en la vida cotidiana, Reinhardt insistía en que el arte y la vida son separados. Afirmó haber pintado las últimas pinturas, pero como historiador del arte sabía que el fin de la pintura nunca llegaría, mientras haya artistas dispuestos a pintar.

Algo de comprensión sobre Ad Reinhardt se encuentra en esta cita de Bruce Lee: “Cambiar con el cambio es el estado inmutable.” Al ofrecer una alternativa a las tendencias dominantes del momento, Reinhardt aseguró que la historia del arte continuaría. Como el Cuadro Negro de Kasimir Malevich, las Pinturas Negras de Ad Reinhardt no terminaron con la pintura, sino que empujaron el continuo hacia adelante. Al ser dogmático no insistía en que solo había un camino, sino que daba un regalo a la siguiente generación: un enemigo contra quien trabajar: un purista a quien resistir y una ideología a desafiar.

Imagen destacada: Ad Reinhardt - Número 6, 1946. Óleo sobre masonita. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio