Cómo Ad Reinhardt nos enseñó a mirar el arte moderno

¿Qué significa ser un purista? ¿Es como ser cerrado de mente? ¿O es la búsqueda de la pureza inherentemente noble, como la búsqueda de la perfección? Para el artista abstracto estadounidense Ad Reinhardt, la pureza era esencial para el arte fino. En su ensayo de 1953, “Doce reglas para una nueva academia”, Reinhardt definió el arte fino como “arte vaciado y purificado de todos los significados que no son arte.” Continuó explicando que, “Cuantas más utilidades, relaciones y "adiciones" tenga una pintura, menos pura es. Cuantas más cosas tenga, más ocupada está la obra de arte, peor es. 'Más es menos'.” Esto puede sonar como una declaración extraña de un pintor asociado con los Expresionistas Abstractos, artistas que definitivamente ponían más en sus lienzos, no menos. Pero aunque Reinhardt comenzó su carrera pintando lienzos expresivos y dinámicos, su búsqueda de la pureza alteró drásticamente su enfoque con el tiempo. Redujo tan drásticamente el contenido en sus pinturas a lo largo de su carrera que en los últimos años de su vida pintó solo con el color negro. Para cuando murió en 1967, estaba tan seguro de la pureza de sus esfuerzos que proclamó que había pintado las últimas pinturas que jamás se necesitarían.

El arte hecho fino

La búsqueda de la pureza podría parecer más adecuada para un monasterio que para un estudio de arte. Pero Ad Reinhardt era tanto un filósofo como un artista. Y uno de sus mejores amigos era, de hecho, un monje en un monasterio. Reinhardt intercambiaba regularmente cartas con él, intercambiando caprichosamente puntos de vista sobre la naturaleza de la vida y el arte. En la escuela de posgrado, Reinhardt estudió historia del arte, un tema sobre el cual sabía más que quizás cualquier otro artista de su generación. Quizás su interés en descubrir la manifestación última de la pureza en el arte tenía tanto que ver con la curiosidad intelectual y espiritual como con su deseo de definir su propia relevancia en el continuo de la historia del arte.

Cuando comenzó a exhibir sus pinturas en Nueva York en la década de 1940, estaban en línea con el estilo emergente dominante de la época, Expresionismo Abstracto. Eran pictóricas, gestuales, llenas de colores vivos y vivas con marcas abstractas. Menos de una década después, él rechazó apasionadamente todas esas cosas, publicando un manifiesto dogmático, casi cómicamente específico, a menudo contradictorio, que describía el método preciso para hacer pinturas puras y modernas: pinturas que, incidentalmente, no se parecían en nada a sus propias obras tempranas. Si eso parece paradójico, ayuda recordar las famosas palabras de Reinhardt: “El arte es demasiado serio para tomarse en serio.”

Ad Reinhardt - Pintura Abstracta, 1960. Óleo sobre lienzo. © 2018 Patrimonio de Ad Reinhardt / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

Desmantelando la Vanguardia

Para entender el clima cultural en el que trabajó Reinhardt, es útil mirar hacia atrás en la historia del Modernismo. Antes de la Segunda Guerra Mundial, casi todos los movimientos de arte vanguardista se originaron fuera de América. Después de la Segunda Guerra Mundial, América dio a luz a algunos de los movimientos modernistas más influyentes del siglo, incluyendo el Expresionismo Abstracto, Minimalismo y el Post Expresionismo. ¿Qué sucedió para precipitar este cambio en la influencia del arte americano? Tuvo más que ver con la política que con el arte.

Tras la Revolución Alemana en la posguerra de la Primera Guerra Mundial, un gobierno representativo llegó al poder en Alemania llamado la República de Weimar. Este gobierno elegido democráticamente instituyó reformas sociales, políticas y económicas de gran alcance que llevaron a vastos cambios culturales en toda Alemania. Dentro de este entorno transformador, el Modernismo Alemán floreció. La Bauhaus se estableció el mismo año que la República de Weimar, y en la misma ciudad, y durante los siguientes 14 años Alemania evolucionó hasta convertirse en una fuerza progresista líder en las artes.

Ad Reinhardt - Collage de papel de periódico, 1940. Papel impreso recortado y pegado y papel negro sobre tabla. 15 7/8 x 20 in (40.6 x 50.8 cm). Colección MoMA. © 2018 Patrimonio de Ad Reinhardt / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York  

El Lado Oscuro del Purismo

Cuando la bolsa de valores se desplomó en 1929, Alemania, como la mayoría de los otros países occidentales, vio colapsar su economía. La depresión global resultante causó mucha frustración en la vida de las personas trabajadoras comunes. Cuando el régimen nazi llegó al poder en Alemania en 1933, fue bajo la apariencia de restaurar a Alemania su grandeza histórica y revertir las tendencias del pasado reciente. Una de las primeras cosas que hizo el Partido Nazi fue ejercer influencia sobre la cultura alemana. El arte moderno fue un objetivo clave.

Dirigidos por Adolf Hitler, los nazis desarrollaron un concepto de arte alemán puro. Incluía solo arte tradicional y clásico que se ajustaba a su definición de identidad racial y nacionalista. Cualquier arte fuera de esa definición se llamaba degenerado. Así comenzó un éxodo de artistas de vanguardia de Alemania. Y a medida que la influencia nazi se expandía más allá de Alemania, los artistas modernos de toda Europa se encontraron bajo la misma persecución.

Ad Reinhardt - Estudio para una pintura, 1938. Gouache sobre papel. 4 x 5 in (10.2 x 12.8 cm). Colección del MoMA. © 2018 Patrimonio de Ad Reinhardt / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

Reensamblando la Vanguardia

A lo largo de finales de la década de 1930 y principios de la de 1940, cualquier artista moderno europeo con los medios encontró una manera de ir al extranjero. Como una de las únicas capitales globales no sitiada por poderes fascistas, la ciudad de Nueva York se convirtió en un faro para artistas de vanguardia de todo el mundo. Esos artistas recién llegados se mezclaron con la ya vibrante escena del arte abstracto de Nueva York, que incluía a artistas nacidos en Estados Unidos como Jackson Pollock, así como a artistas como Willem de Kooning y Arshile Gorky que habían inmigrado allí después de la Primera Guerra Mundial. De esta cultura surgieron los primeros movimientos de arte modernista estadounidense.

Ad Reinhardt alcanzó la madurez artística como miembro de esta generación de artistas vanguardistas de Nueva York de la posguerra. Estaba completamente involucrado en la vibrante mezcla de conversaciones políticas, filosóficas, sociales y culturales que tenían lugar en esta diversa comunidad internacional. Participó en protestas y formó parte de la escena de todas las maneras concebibles. Pero discrepaba con sus contemporáneos en un aspecto fundamental. Mientras que ellos consideraban que sus vidas y su arte estaban entrelazados como una experiencia holística, Reinhardt creía que ese era el camino equivocado. Como él mismo dijo: “El arte es arte. La vida es vida.”

Ad Reinhardt - Estudio para una pintura, 1939. Gouache sobre papel. 3 7/8 x 4 7/8 in (10 x 12.5 cm). Colección MoMA. © 2018 Patrimonio de Ad Reinhardt / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

Buscar el Invariante

Como una forma de evolucionar su obra de arte lejos de la de sus contemporáneos, Reinhardt formuló una idea del "objeto iluminado", una obra de arte que no hacía referencia a ninguna cosa externa, ninguna idea externa, sino que simplemente existía como un ejemplo singular de su pura esencia. El objeto iluminado era una forma de lo que un espiritualista podría llamar el "invariante", el gran último, la sustancia inmutable que incluso en medio de la transformación no se transforma. Esencialmente, estaba buscando la versión artística de Dios.

Reinhardt buscó el invariante a través de la negación, lo que significa que en lugar de definir qué es el arte puro, definió qué no es el arte puro. Sus 12 Reglas para una Nueva Academia, publicadas en 1953, contenían su lista de negaciones, formuladas como reglas para llegar al arte puro. Estas reglas incluían: No realismo, no impresionismo, no expresionismo, no escultura, no plasticismo, no collage, no arquitectura, no decoración, no textura, no pinceladas, no esbozos de ideas de antemano, no formas, no diseño, no colores, no luz, no espacio, no tiempo, no tamaño, no movimiento, no sujeto, no símbolos, no imágenes y no placer. Agregó: “Externamente, mantente alejado de todas las relaciones, y internamente, no tengas anhelos en tu corazón.”

Ad Reinhardt - Collage de papel, 1939. Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington DC. © 2018 Patrimonio de Ad Reinhardt / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

Cambiando con el cambio

Es vital tener en cuenta al leer 12 Reglas para una Nueva Academia que Reinhardt trabajó como guionista de comedia en la universidad, y también que era una persona espiritual y filosófica. Tenía un agudo sentido del humor y a menudo hablaba intencionadamente en declaraciones paradójicas. Incluso si creía que todas sus reglas eran posibles de seguir individualmente, también debe haber sabido que seguirlas todas simultáneamente significaba que algunas serían violadas.

Por ejemplo, cuando se trató de las Pinturas Negras que pasó los últimos 12 años de su vida pintando, se refirió a ellas como, “Un ícono libre, no manipulado, no manipulable, inútil, no comercializable, irreducible, no fotografiable, no reproducible, inexplicable.” Pero no eran libres; eran el producto de un sistema ideológico y dogmático. Y en cuanto a ser no fotografiables y no comercializables, de hecho, se vendieron rápidamente y continúan saliendo a la venta regularmente en subastas hoy en día, con excelentes fotografías incluidas en los catálogos. ¿Entonces, estaba Reinhardt haciendo una broma? ¿O estaba haciendo una declaración más profunda sobre las complejidades de hacer y hablar sobre arte abstracto?

Ad Reinhardt - Sin título, 1947. Óleo sobre lienzo. Galería Nacional de Arte, Washington DC. © 2018 Patrimonio de Ad Reinhardt / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

El Estado Inmutable

Entender a Reinhardt significa entender su cultura. Reinhardt fue parte de una escena artística dominada por un trabajo apasionado, emocional, personal y pictórico. Su respuesta fue abogar por lo opuesto. Cuando los artistas abogaban apasionadamente por que el arte se reintegrara en la vida cotidiana, Reinhardt insistía en que el arte y la vida son separados. Afirmó haber pintado las últimas pinturas, pero como historiador del arte sabía que el fin de la pintura nunca llegaría, mientras haya artistas dispuestos a pintar.

Algunas comprensiones de Ad Reinhardt se encuentran en esta cita de Bruce Lee: “Cambiar con el cambio es el estado inmutable.” Al ofrecer una alternativa a las tendencias dominantes del momento, Reinhardt aseguró que la historia del arte continuara. Al igual que el Cuadrado Negro de Kasimir Malevich, las Pinturas Negras de Ad Reinhardt no pusieron fin a la pintura, sino que empujaron el continuo hacia adelante. Al ser dogmático, no estaba insistiendo en que solo había una manera, estaba dando un regalo a la próxima generación: un enemigo contra el que trabajar: un purista al que resistir y una ideología a la que desafiar.

Imagen destacada: Ad Reinhardt - Número 6, 1946. Óleo sobre masonita. © 2018 Patrimonio de Ad Reinhardt / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio