Cómo las pinturas de Paul Klee inspiraron a los artistas estadounidenses

A menudo se dice que el Expresionismo Abstracto fue el primer movimiento artístico puramente estadounidense. Se afirma que representó la primera vez que los artistas estadounidenses, ejemplificados por los miembros de la Escuela de Nueva York, se liberaron de la influencia europea para establecer su propia voz estética única. Pero una mirada detenida a las pinturas de Paul Klee realizadas a lo largo de las tres décadas previas al surgimiento de la Escuela de Nueva York revela que quizás los expresionistas abstractos no estuvieron tan libres de la influencia del Viejo Mundo como sugieren los libros de historia del arte. Ahora, por primera vez, el Centro Paul Klee en Berna, Suiza, intenta iniciar un serio examen académico de las múltiples maneras en que los artistas estadounidenses de la posguerra fueron influenciados por la obra de Paul Klee. Para dar inicio a esta investigación, el centro abrió recientemente la exposición 10 estadounidenses después de Paul Klee. Junto a las pinturas de Klee se exhiben excelentes ejemplos del trabajo de Jackson Pollock, Mark Tobey, Kenneth Noland, William Baziotes, Adolph Gottlieb, Norman Lewis, Robert Motherwell, Gene Davis, Theodoros Stamos y Bradley Walker Tomlin. No solo es una oportunidad sin igual para ver obras de algunos de los pintores estadounidenses más influyentes del siglo XX, sino que, en palabras de los curadores del Centro Paul Klee, esta innovadora exposición también ofrece

“un testimonio elocuente e impresionante del grado en que estos artistas se inspiraron en los conceptos y prácticas artísticas de Klee.”

Pionero de la vanguardia abstracta

Nacido en Berna, Suiza, en 1879, Paul Klee no fue en absoluto un artista natural. Los escritos de su diario, que mantuvo rigurosamente desde 1897 hasta 1918, revelan que se consideraba un fracaso terrible para entender el color y estaba seguro desde temprano de que estaba condenado como artista. Pero para 1911, tras años de estudios y múltiples comienzos fallidos, su actitud y fortuna cambiaron por completo. Ese fue el año en que conoció a Wassily Kandinsky y fue aceptado como miembro del grupo vanguardista El Jinete Azul. Klee se inspiró en la agilidad mental y las ideas estéticas de Kandinsky. Y aunque mantuvo un enfoque estético algo único, Klee rápidamente se convirtió en un contribuyente influyente para el desarrollo filosófico del grupo.

Pero luego llegó la Primera Guerra Mundial. Como muchos de sus compañeros artistas, Klee fue reclutado a la fuerza en el ejército prusiano. Aunque Klee nunca tuvo que luchar en las líneas del frente, la guerra se llevó la vida de muchos de sus amigos y alteró dramáticamente su visión del arte. Klee dijo: “Cuanto más horrible se vuelve este mundo, más se vuelve abstracto el arte.” Después de la guerra, se dedicó más que nunca a la abstracción como una forma de revelar lo universal y puro. “El arte no reproduce lo visible,” dijo. “Lo hace visible.” Con esta actitud pionera en el corazón de sus experimentos, rápidamente ganó una amplia reputación como líder de la vanguardia europea de la posguerra.

Paul Klee - Fuego a luna llena, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / VG Bild-Kunst, Bonn

Un regreso a Berna

La evidente pasión y genio que Klee mostró lo hicieron venerado entre sus pares, y para la década de 1930 se había establecido también como un maestro influyente para la generación más joven. Fue profesor estimado en la Academia de Düsseldorf desde 1931 hasta 1933, y por supuesto uno de los instructores principales en la famosa Bauhaus. Pero cuando la República de Weimar terminó en 1933 y Europa parecía nuevamente al borde de la guerra, Klee fue incluido en la lista de artistas perseguidos por el emergente partido nazi. Huyó de Alemania y regresó a Suiza. Mientras tanto, muchos de sus marchantes de arte huyeron a Estados Unidos. Aunque Klee vendió casi ninguna obra en Europa desde 1933 hasta su muerte en 1940, sus marchantes continuaron vendiendo muchas de sus pinturas en Estados Unidos. Y durante las décadas de 1930 y 40, hubo numerosas exposiciones de Klee en todo el país.

Muchos miembros de la Escuela de Nueva York hablaron abiertamente sobre la inspiración que recibieron de las pinturas de Paul Klee. Al igual que Klee, estos artistas también habían emergido recientemente de una guerra mundial espantosa y buscaban nuevas formas de expresar lo inexpresable. Aunque tal vez no copiaron directamente su estilo visual, los métodos que Klee usó para hacer sus pinturas los alentaron en su búsqueda de una manera más atemporal, antigua y pura de hacer arte. Entre las muchas innovaciones por las que se reconoce a Paul Klee, y que influyeron directamente en la vanguardia estadounidense de la posguerra, están el automatismo (dibujar inconscientemente, técnica adoptada más tarde por los surrealistas), el primitivismo (regresar a los métodos más antiguos y primarios de hacer arte, adoptado luego por los defensores del Arte Brut), y el reduccionismo (reducir símbolos universales a su forma más simple, algo que Klee aprendió de los primeros artistas abstractos como Kandinsky y Malevich).

Paul Klee - Imagen tomada del boudoir, 1922, Copia en óleo y acuarela sobre papel en cartón, 33.2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / VG Bild-Kunst, Bonn

Dibujo automático

La exposición 10 estadounidenses después de Paul Klee hace un excelente trabajo al seleccionar obras de artistas estadounidenses que ejemplifican los tres conceptos más asociados con Klee. En el ámbito del dibujo automático, se muestran obras de Jackson Pollock, Bradley Walker Tomlin y Mark Tobey. Composición No. 16 (1948) de Pollock destaca por su paleta vibrante. Descargas de líneas blancas gestuales se entremezclan con manchas explosivas de amarillo y remolinos dramáticos de negro, todo sobre un mar uniforme de azul profundo. La pintura representa perfectamente el método de dibujo automático con el que Klee trabajó y que Pollock usó para innovar sus icónicas pinturas de “salpicaduras”. Número 12 (1949) de Tomlin demuestra el uso del dibujo automático mediante marcas gestuales, formas caligráficas y lineales, y amplias pinceladas negras intuitivas. After the Imprint (1961) de Mark Tobey es una composición explosiva y total, llena de marcas intuitivas de esquina a esquina, reveladoras de ansiedad subconsciente, energía nerviosa y expresión lírica.

Mark Tobey - After the Imprint, 1961, Gouache sobre cartulina para dibujo, 99.7 x 69.5 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Adquirido en 1962, © 2017, ProLitteris

Primitivismo

Demostrando el primitivismo, o un regreso a la creación artística antigua y primaria, en 10 estadounidenses después de Paul Klee, están las obras de Robert Motherwell, Theodoros Stamos y William Baziotes. Abstracción en turquesa (1945) de Motherwell será una revelación absoluta para los admiradores de este pintor que no conocen sus obras anteriores. Motherwell se hizo famoso por sus audaces abstracciones biomórficas negras y melancólicas. Esta pintura es vívidamente colorida y casi caprichosa, pero sus formas y texturas primitivas son claros indicadores de la dirección que tomó en sus obras posteriores. Ohne Titel (1945) de Theodoros Stamos es quizás la obra más figurativa de la exposición. Una abstracción primitiva que recuerda un paisaje isleño, la obra evoca la imaginería de pinturas rupestres. Pierrot (1947) de William Baziotes, como su título sugiere, alude al clásico personaje de la pantomima francesa del mismo nombre. Las formas simplificadas y primitivas en la pintura reducen al personaje a sus elementos esenciales y lo representan de manera muy simplificada, pero también muy expresiva.

Robert Motherwell - Abstracción en turquesa, 1945, óleo, esmalte, arena y carbón sobre cartón lienzo, 61 x 50 cm, Fundación Dedalus, Inc., © Fundación Dedalus, Inc. / 2017, ProLitteris

Reduccionismo

Demostrando el reduccionismo, o la reducción de símbolos esenciales y universales a sus formas más simples, en 10 estadounidenses después de Paul Klee, están las obras de Adolph Gottlieb, Kenneth Noland, Gene Davis y Norman Lewis. Las dos pinturas Laberinto #1 (1950) y El Vidente (1950) de Adolph Gottlieb son muy cercanas en muchos aspectos a las primeras obras abstractas reductivas del propio Paul Klee. Trabajando con el fondo de la cuadrícula, presentan una variedad de formas simbólicas abstractas y reducidas mezcladas con elementos geométricos y referencias figurativas. Sus superficies desgastadas y capas gestuales subyacentes crean una complejidad y profundidad que desmienten la simplicidad de muchos de los elementos más prominentes de las composiciones. En el jardín (1952) de Kenneth Noland dialoga fascinantemente con las obras de Gottlieb. Incluye una dramática X casi en el centro exacto del lienzo, rodeada de líneas diagonales, que quizás aluden a una cuadrícula rota o a marcas primitivas instructivas. Aunque simplificada, la tensión y el equilibrio de los colores en esta pintura le dan una profundidad y luminosidad sorprendentes.

Danza de lluvia I (1960) de Gene Davis es un ejemplo supremo de composición reductiva. Es difícil decir que esta pintura en particular fue inspirada directamente por Paul Klee. Sus colores puros y su imaginería lineal y geométrica altamente depurada la sitúan lejos de todas las demás obras de esta exposición. Pero definitivamente responde a los primeros artistas abstractos como Malevich que inspiraron a Klee, y a artistas como Mondrian, que también investigaron los aspectos reductivos de líneas, rectángulos y campos puros de color. Finalmente, Promenade (1950) de Norman Lewis llena un vacío vital en la exposición. Incorporando elementos de reduccionismo, primitivismo y dibujo automático, resuelve la cuestión de la evolución de la influencia de Paul Klee. En su complejidad, energía y emoción, esta composición destaca entre las demás como algo puramente estadounidense y puramente orientado hacia el futuro. Sin duda está influenciada por las ideas que Klee ayudó a desarrollar, y sin embargo representa el siguiente paso más allá que todos estos pintores estadounidenses se esforzaron por dar.

10 estadounidenses después de Paul Klee estará en exhibición hasta el 7 de enero de 2018 en el Centro Paul Klee en Berna, Suiza.

Imagen destacada: Kenneth Noland - En el jardín, 1952, óleo sobre tablero de fibra dura, 49.5 x 76.2 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Adquirido en 1952, © 2017, Prolitteris.