Revolucionario pero Olvidado - El Arte de Mark Tobey

Este verano, la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia, presenta la primera gran retrospectiva europea de las pinturas de Mark Tobey en más de 20 años. Titulada Mark Tobey: Tejiendo Luz, la exposición incluye 66 obras principales creadas por Tobey entre finales de los años 1920 y principios de los 1970. La selección de obras busca resaltar las diversas evoluciones que Tobey atravesó en su carrera mientras buscaba maneras de expresar las universalidades de la existencia humana. Tras comenzar su carrera como ilustrador comercial y retratista, se dedicó a la pintura en sus 30 años. Empezó con obras figurativas, pero pronto se involucró en la conversación modernista sobre cómo desarrollar nuevos puntos de vista estéticos. Sus logros en este sentido fueron enormes, lo que hace aún más extraño que hoy en día muchas personas hayan olvidado por completo a Tobey o nunca hayan oído hablar de él. No hace mucho tiempo, se le consideraba uno de los pintores más importantes e influyentes del mundo. Ese hecho hace que el momento y lugar de esta exposición actual sean particularmente apropiados. Su duración coincide con la Bienal de Venecia 2017, un sutil recordatorio de que fue en una Bienal de Venecia anterior, en 1958, cuando Mark Tobey hizo historia. Tobey representó a Estados Unidos en esa feria junto a Mark Rothko. Pero mientras Rothko goza hoy de mucha más fama en Estados Unidos, fue una pintura de Tobey titulada Capricornio la que ganó el Premio Ciudad de Venecia de pintura en 1958—la primera vez, por cierto, desde la primera Bienal de Venecia en 1895 que el premio de oro fue para un pintor estadounidense.

Una Mente Abierta

Mark Tobey nació en la ciudad del medio oeste estadounidense de Centerville, Wisconsin, en 1890. Aunque pronto dejó Wisconsin, lo recordaba con cariño y frecuentemente hacía referencia a sus paisajes en sus primeras pinturas. Pero a diferencia de muchos pintores abstractos estadounidenses de su generación que preferían vivir y trabajar completamente en Nueva York, durante gran parte de su vida adulta Mark Tobey eligió vivir y trabajar en Seattle. Fue quizás esa elección decisiva la que llevó a gran parte de la libertad y apertura mental que definieron su desarrollo como artista. Otro residente frecuente de Seattle, el artista marcial Bruce Lee, tenía una visión de la vida similar a la de Mark Tobey. Lee fundó un enfoque de lucha llamado Jeet Kun Do, que describió como el “estilo sin estilo”, lo que significa que un luchador debe rechazar el dogma y estar abierto a aprender todo lo posible, luego conservar lo que funciona y desechar lo que no. El “estilo sin estilo” surgió de las enseñanzas que Lee aprendió primero mientras estudiaba el budismo zen, y es sorprendentemente similar al enfoque que Mark Tobey desarrolló hacia la pintura muchos años antes.

Tobey viajó por primera vez a Asia en los años 1930. Ese viaje ocurrió en un momento en que luchaba como pintor para resolver qué hacer con el espacio. No podía decidir si intentar lograr profundidad y dimensión en sus obras o abandonarlas y en cambio abrazar la planitud. Mientras visitaba Japón, Shanghái y Hong Kong, adquirió una comprensión nueva y profunda de las diferentes maneras en que los artistas asiáticos han tratado el espacio en su obra a lo largo de la historia. Ya había aprendido antes las técnicas de la caligrafía china mientras vivía en Seattle en los años 1920, pero este viaje le expuso a una conciencia más completa de cómo la escritura y la simbología encajan en los enfoques estéticos más amplios del arte asiático. Esta epifanía abrió a Tobey la idea de que no debía solo estudiar la manera en que su cultura hace arte, sino que debía abrirse a aprender todo lo posible sobre cómo todas las diferentes culturas hacen arte.

Mark Tobey - Cristalizaciones, 1944, Iris y B. Gerald Cantor Center for Visual Arts en la Universidad de Stanford, Fondo Mabel Ashley Kizer, Donación de Mellita y Rex Vaughan, y Fondo de Adquisiciones Modernas y Contemporáneas

Pintura Total

Poco después de regresar de Asia, Tobey creó una de sus pinturas más influyentes, titulada Broadway. Es una expresión algo figurativa de las formas, colores y luces de la famosa calle en Nueva York. Pero es transformadora en su enfoque. La composición comprende cientos de pequeñas marcas gestuales blancas. La semejanza con la escritura es clara, pero las marcas no deletrean nada concreto, ni representan directamente formas del mundo real. Son evocadoras y poéticas. Hoy en día, la pintura se considera el precursor de un estilo estético que Mark Tobey continuó persiguiendo de diversas maneras a lo largo de su carrera, al que llamó “escritura blanca”.

Broadway fue pintada en 1936. En los años siguientes, Tobey continuó desarrollando el enfoque que definió esa obra. Abstractó sus marcas caligráficas hasta hacerlas irreconocibles y pronto abandonó todas las formas figurativas. Se comprometió a comunicar sentimientos más que solo imágenes. Lo más importante es que se propuso cubrir toda la superficie de sus lienzos con composiciones que no dieran trato preferencial a ninguna área particular de la superficie. Esa idea fue destacada más tarde por el crítico de arte Clement Greenberg cuando describió las “pinturas totales” que Jackson Pollock hacía en los años 1940. Pero fue Mark Tobey, cuyas pinturas Pollock había visto años antes, quien fue pionero en este enfoque.

Mark Tobey - Tejiendo Luz, 1942, Museo de Arte Moderno, Nueva York

La Escuela Sin Escuela

Mark Tobey ciertamente conoció a Jackson Pollock y a todos los demás artistas de la Escuela de Nueva York. Obras de Tobey fueron incluidas en la exposición de 1946 Catorce Americanos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, una exposición que también incluyó a Arshile Gorky y Robert Motherwell. Pero mientras esos artistas neoyorquinos y su animador Greenberg abrazaban el mito de que formaban parte del surgimiento de un tipo de arte inherentemente estadounidense, Tobey rechazó ese concepto. Insistió en que el arte no debería definirse en términos tan estrechos, ni estar confinado por nociones mezquinas como el nacionalismo, la política, la cultura o la geografía. Se negó a asociarse con la idea de la Escuela de Nueva York, aunque su obra claramente fue un precursor de las ideas de sus miembros.

En cambio, Tobey adoptó el mismo enfoque que Bruce Lee describió más tarde. Llámelo la Escuela Sin Escuela. Tobey viajó, leyó, experimentó, aprendió tantos enfoques diferentes como pudo y luego conservó lo que funcionaba y abandonó lo que no. Incluso estudió el budismo zen y dominó la pintura japonesa Sumi-e (tinta negra). Su apertura y su búsqueda son evidentes en la selección de obras incluidas en Mark Tobey: Tejiendo Luz, que incluso incluye algunas de sus obras Sumi-e así como varias pinturas que evolucionaron a partir de la técnica, como Reflejos de la Ciudad, que incorpora directamente tinta negra salpicada, y Barones de la Madera, que hace una referencia más delicada al Sumi-e de una manera más conectada con la escritura blanca.

Mark Tobey - Campo Salvaje, 1959, Museo de Arte Moderno, NY, Colección Sidney y Harriet Janis

Un Lenguaje Estético Universal

Aparte de su desprecio por las etiquetas nacionalistas o regionales, otra razón principal por la que algunos críticos creen que Mark Tobey fue finalmente olvidado por muchos escritores de la historia del arte estadounidense tiene que ver con su espiritualidad manifiesta. No es que el mundo del arte estadounidense sea un lugar sin espiritualidad: obviamente eso no es cierto. Pero la marca particular de espiritualidad que Tobey profesaba lo puso en desacuerdo con casi todos, desde artistas, curadores, galeristas y críticos hasta personas fuera del mundo del arte. Tobey pertenecía a una fe conocida como Bahá'í. La creencia central de la religión monoteísta Bahá'í es un respeto constante por el valor y la dignidad de todas las religiones humanas, y el objetivo de sus miembros es la paz duradera a través de la unidad de todas las personas. Eso puede no parecer controversial para una persona sensata, pero la religión también insiste en que todas las religiones provienen de una única fuente divina, y que todos los profetas son manifestaciones iguales de la misma divinidad, creencias que contradicen los principios fundamentales de casi todas las religiones principales, especialmente el cristianismo, el judaísmo y el islam.

En cuanto al mundo del arte estadounidense, está bien hablar del espíritu, como ciertamente hicieron Wassily Kandinsky y Piet Mondrian; y está bien hablar de universalidad, como lo hicieron Agnes Martin y muchos otros; y es estupendo hablar de trascendencia y contemplación como hizo Mark Rothko. Pero la palabra religión asusta a la gente. Las instituciones estadounidenses evitan cosas que podrían amenazarlas comercialmente. Y aunque ahora las cosas pueden ser diferentes, a mediados del siglo XX las agendas religiosas manifiestas generalmente no se consideraban buenas para los negocios. Pero a Mark Tobey nunca le importó eso. No dudó en abordar sus creencias religiosas, y con bastante frecuencia profesó que su objetivo era usar su arte como una forma de contribuir a la creación de un lenguaje universal que pudiera ayudar a la humanidad a lograr la unidad y la paz. Pero, por supuesto, si esta es la razón por la que ha sido descuidado en Estados Unidos no es más que especulación. Afortunadamente, a pesar del desaire de su tierra natal, Tobey disfrutó de una carrera larga y fructífera en otros lugares, especialmente en Europa, donde fue venerado en vida y donde hoy se le considera el progenitor de movimientos como el Tachismo y el Arte Informal. Mark Tobey: Tejiendo Luz está en exhibición en la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia, hasta el 10 de septiembre de 2017.

Mark Tobey - Mundo, 1959, Colección Privada, Nueva York

Imagen destacada: Mark Tobey - Sin título, Dibujo Sumi (detalle), 1944, Colección Martha Jackson en la Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo, NY

Por Phillip Barcio