Revolucionario pero Olvidado - El Arte de Mark Tobey

Este verano, la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia, está presentando la primera gran retrospectiva europea de las pinturas de Mark Tobey en más de 20 años. Titulada Mark Tobey: Threading Light, la exposición incluye 66 obras importantes creadas por Tobey entre finales de la década de 1920 y principios de la de 1970. La selección de obras busca resaltar las diversas evoluciones por las que pasó Tobey en su carrera mientras buscaba formas de expresar las universalidades de la existencia humana. Después de comenzar su carrera como ilustrador comercial y retratista, hizo la transición a la pintura en sus 30 años. Comenzó con trabajos figurativos, pero pronto se encontró involucrado en la conversación modernista sobre cómo desarrollar nuevos puntos de vista estéticos. Sus logros finales en este sentido fueron enormes, lo que hace aún más extraño que tantas personas hoy en día hayan olvidado completamente a Tobey o nunca hayan oído hablar de él. No hace mucho tiempo, se le consideraba uno de los pintores más importantes e influyentes del mundo. Ese hecho hace que el momento y la ubicación de esta exposición actual sean particularmente apropiados. Su duración está programada para coincidir con la Bienal de Venecia de 2017, un recordatorio sutil de que fue en una anterior Bienal de Venecia en 1958 cuando Mark Tobey hizo historia. Tobey representó a los Estados Unidos en esa feria junto a Mark Rothko. Pero mientras Rothko puede disfrutar de mucha más fama hoy en día en los Estados Unidos, fue una pintura de Tobey titulada Capricornio la que ganó el Premio Ciudad de Venecia de pintura en 1958—la primera vez, por cierto, desde la inaugural Bienal de Venecia en 1895 que el premio de oro fue otorgado a un pintor estadounidense.

Una mente abierta

Mark Tobey nació en la ciudad estadounidense del medio oeste de Centerville, Wisconsin, en 1890. Aunque pronto dejó Wisconsin, lo recordaba con cariño y frecuentemente hacía referencia a su paisaje en sus primeras pinturas. Pero a diferencia de muchos pintores abstractos de su generación que preferían vivir y trabajar completamente en Nueva York, durante gran parte de su vida adulta, Mark Tobey eligió vivir y trabajar en Seattle. Quizás esa elección fatídica llevó a gran parte de la libertad y la mente abierta que definieron su desarrollo como artista. Otro residente frecuente de Seattle, el artista marcial Bruce Lee, tenía una perspectiva de vida similar a la de Mark Tobey. Lee fundó un enfoque de lucha llamado Jeet Kun Do, que describió como el “estilo de ningún estilo”, lo que significa que un luchador debe rechazar el dogma y estar abierto a aprender todo lo posible, luego conservar lo que funciona y descartar lo que no. El “estilo de ningún estilo” surgió de las enseñanzas que Lee aprendió primero mientras estudiaba el budismo zen, y es sorprendentemente similar al enfoque que Mark Tobey desarrolló hacia la pintura muchos años antes.

Tobey viajó por primera vez a Asia en la década de 1930. Ese viaje se produjo en un momento en que luchaba como pintor para averiguar qué hacer con el espacio. No podía decidir si intentar lograr profundidad y dimensión en sus obras o abandonarlo y, en cambio, abrazar la planitud. Mientras visitaba Japón, Shanghái y Hong Kong, adquirió una nueva y profunda comprensión de las diferentes formas en que los artistas asiáticos han tratado el espacio en su trabajo a lo largo de la historia. Anteriormente, ya había aprendido las técnicas de la caligrafía china mientras vivía en Seattle en la década de 1920, pero este viaje lo expuso a una conciencia más completa de cómo la escritura y la simbología encajan en los enfoques estéticos más amplios del arte asiático. Esta epifanía abrió a Tobey a la idea de que no solo debería estudiar la forma en que su cultura hace arte, sino que debería abrirse a aprender todo lo posible sobre la forma en que todas las diferentes culturas hacen arte.

Mark Tobey - Cristalizaciones, 1944, Centro de Artes Visuales Iris y B. Gerald Cantor en la Universidad de Stanford, Fondo Mabel Ashley Kizer, Donación de Mellita y Rex Vaughan, y Fondo de Adquisiciones Modernas y Contemporáneas

Pintura por todas partes

Poco después de regresar de Asia, Tobey creó una de sus pinturas más influyentes, titulada Broadway. Es una expresión algo figurativa de las formas, colores y luces de la famosa calle en Nueva York. Pero es transformadora en su enfoque. La composición comprende cientos de pequeñas marcas blancas, gestuales. La semejanza con la escritura es clara, pero las marcas no deletrean nada concreto, ni representan directamente formas del mundo real. Son evocadoras y poéticas. La pintura se considera hoy como el precursor de un estilo estético que Mark Tobey continuaría persiguiendo de diversas maneras a lo largo de su carrera, el cual él llamó "escritura blanca."

Broadway fue pintado en 1936. En los años siguientes, Tobey continuó desarrollando el enfoque que definió esa obra. Abstracción sus marcas caligráficas más allá del reconocimiento y pronto abandonó todas las formas figurativas. Se comprometió a comunicar sentimientos más que solo imágenes. Lo más importante es que hizo hincapié en cubrir toda la superficie de sus lienzos con composiciones que no daban un tratamiento preferencial a ninguna área particular de la superficie. Esa idea fue destacada más tarde por el crítico de arte Clement Greenberg cuando describió las "imágenes totales" que Jackson Pollock estaba creando en la década de 1940. Pero fue Mark Tobey, cuyas pinturas Pollock había visto años antes, quien pionero este enfoque.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, El Museo de Arte Moderno, Nueva York

La Escuela de Ninguna Escuela

Mark Tobey estaba ciertamente familiarizado con Jackson Pollock y todos los demás artistas de la Escuela de Nueva York. Las obras de Tobey fueron incluidas en la exposición de 1946 Catorce Americanos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, una exposición que también incluyó a Arshile Gorky y Robert Motherwell. Pero mientras que esos artistas de Nueva York y su animador Greenberg abrazaron el mito de que eran parte de la aparición de un tipo de arte inherentemente americano, Tobey rechazó ese concepto. Insistió en que el arte no debería definirse en términos tan estrechos, ni estar confinado por nociones triviales como el nacionalismo, la política, la cultura o la geografía. Se negó a asociarse con la idea de la Escuela de Nueva York, a pesar de que su trabajo era claramente un precursor de las ideas de sus miembros.

En cambio, Tobey adoptó el mismo enfoque que Bruce Lee describió más tarde. Llámalo la Escuela de No Escuela. Tobey viajó, leyó, experimentó, aprendió tantos enfoques diferentes como pudo y luego mantuvo lo que funcionó y abandonó lo que no. Incluso estudió el budismo zen y dominó la pintura japonesa Sumi-e (tinta negra). Su apertura y su búsqueda son evidentes en la selección de obras incluidas en Mark Tobey: Threading Light, que incluso incluye algunas de sus obras Sumi-e, así como varias pinturas que evolucionaron a partir de la técnica, como City Reflections, que incorpora directamente tinta negra salpicada, y Lumber Barons, que hace referencia de manera más delicada al Sumi-e de una forma más conectada a la escritura blanca.

Mark Tobey - Campo Salvaje, 1959, El Museo de Arte Moderno, NY, La Colección Sidney y Harriet Janis

Un Lenguaje Estético Universal

Aparte de su desprecio por las etiquetas nacionalistas o regionales, otra razón importante por la que algunos críticos creen que Mark Tobey fue finalmente olvidado por muchos escritores de la historia del arte estadounidense tiene que ver con su espiritualidad manifiesta. No quiero decir que el mundo del arte estadounidense sea un lugar carente de espiritualidad: obviamente eso no es cierto. Pero la particular marca de espiritualidad que defendía Mark Tobey lo ponía en desacuerdo con casi todos, desde artistas, curadores, galeristas y críticos hasta personas fuera del mundo del arte. Tobey pertenecía a una fe conocida como Bahá'í. La creencia fundamental de la religión monoteísta bahá'í es un respeto duradero por el valor y la dignidad de todas las religiones humanas, y el objetivo de sus miembros es la paz duradera a través de la unidad de todos los pueblos. Eso puede no sonar controvertido para una persona sensata, pero la religión también insiste en que todas las religiones provienen de una única fuente divina, y que todos los profetas son manifestaciones iguales de la misma divinidad, creencias que contradicen los principios fundamentales de casi todas las religiones principales, especialmente el cristianismo, el judaísmo y el islam.

En lo que respecta al mundo del arte estadounidense, está bien hablar del espíritu, como ciertamente lo hicieron Wassily Kandinsky y Piet Mondrian; y es bueno hablar de la universalidad, como lo hicieron Agnes Martin y tantos otros; y es genial hablar de la trascendencia y la contemplación, como lo hizo Mark Rothko. Pero la palabra religión asusta a la gente. Las instituciones estadounidenses evitan cosas que puedan amenazarlas comercialmente. Y aunque las cosas pueden ser diferentes ahora, a mediados del siglo XX, las agendas religiosas abiertas no se consideraban generalmente buenas para los negocios. Pero a Mark Tobey nunca le importó eso. No dudó en abordar sus creencias religiosas, y con bastante frecuencia profesaba que su objetivo era utilizar su arte como una forma de contribuir a la creación de un lenguaje universal que pudiera ayudar a la humanidad a lograr unidad y paz. Pero, por supuesto, si esta es la razón por la que ha sido descuidado en EE. UU. no es más que especulación. Afortunadamente, a pesar del desaire de su tierra natal, Tobey disfrutó de una larga y fructífera carrera en otros lugares, especialmente en Europa, donde fue venerado en su vida y donde hoy se le considera el progenitor de movimientos como Tachisme y Art Informel. Mark Tobey: Threading Light está en exhibición en la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia, hasta el 10 de septiembre de 2017.

Mark Tobey - Mundo, 1959, Colección Privada, Nueva York

Imagen destacada: Mark Tobey - Sin título, Dibujo Sumi (detalle), 1944, La colección Martha Jackson en la Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Por Phillip Barcio