Mitchell-Innes y Nash rinde homenaje al arte de Julian Stanczak

El pintor Julian Stanczak falleció a principios de este año en su ciudad natal de Cleveland, Ohio, a la edad de 88 años. Antes de su muerte, Mitchell-Innes y Nash en Nueva York habían estado planeando lo que habría sido la segunda exposición individual de su trabajo en la galería. Esa exposición se inauguró el 18 de mayo, menos de dos meses después de que Stanczak falleciera, y se ha convertido en más que solo otra muestra. Es una celebración del trabajo y la vida de un artista verdaderamente querido e influyente. El subtítulo de la exposición es La vida de la superficie, Pinturas 1970-1975. Como se indica, presenta solo obras realizadas en un período de cinco años en los años 70. Pero lo más importante es la referencia a la vida que Stanczak aportó a su trabajo y al mundo del arte en general. Como uno de los progenitores de lo que eventualmente se conoció como Op Art, Stanczak fue un pionero que descubrió las cosas extraordinarias que se pueden lograr utilizando solo los simples elementos de color y línea.

Inventando accidentalmente el Op Art

Hoy en día, el término Op Art es entendido por la mayoría de los amantes del arte, curadores, educadores y coleccionistas como un tipo de arte geométrico y psicodélico que engaña al ojo para percibir movimiento, espacio y luz donde en realidad no existen. El movimiento suele estar vinculado a un puñado de grandes artistas como Bridget Riley y Victor Vasarely, quienes, en los primeros días, fueron sus más destacados defensores. Y el público contemporáneo tiende a percibirlo como un movimiento cohesivo, en el que los artistas involucrados tenían una agenda entendida, o al menos se movían en una dirección estética cohesiva.

Pero la verdad sobre el Op Art es mucho menos glamorosa que eso. El término Op Art surgió del título de una exposición del trabajo de nada menos que Julian Stanczak. La muestra fue su primera en Nueva York y se llevó a cabo en la Martha Jackson Gallery en 1964. La propia Martha Jackson tituló la exposición Julian Stanczak: Optical Paintings. Cuando viajó a Nueva York desde su hogar en Cleveland para ver la exposición, Stanczak se enteró del título por primera vez al verlo escrito en la ventana de la galería. En una entrevista de 2011, Stanczak recordó: “Dije, ‘Mi Dios, ¿de dónde sacas eso? Martha, ¿cómo puedes decir óptico?’” Jackson trató de calmarlo respondiendo: “Oye, Julian, esto es algo para que los críticos de arte lo mastiquen.” Y masticaron, de hecho. De hecho, un joven escultor llamado Donald Judd que escribía críticas para la revista Arts en ese momento, revisó la exposición y, en referencia a su título, acuñó la frase Op Art en su crítica.

Julian Stanczak - Azul Estático, 1973, Acrílico sobre lienzo, 48x120in

Color y línea

En retrospectiva, parece ridículo destacar un tipo particular de pintura y llamarlo óptico. La palabra óptico se relaciona con cualquier fenómeno que existe dentro del espectro visible de la luz. Pero en el contexto de las pinturas que se incluyeron en esa primera exposición de Julian Stanczak en la Martha Jackson Gallery, el término se interpretó no solo para referirse a lo que es visible, sino más bien para tener algo que ver con ilusiones ópticas. Stanczak empleó la combinación de color y línea para dar la impresión de profundidad y movimiento, y para sugerir que la luz emanaba de la superficie de la obra. Pero nada sobre la obra era un intento de engañar a nadie. Simplemente fue una investigación sobre las posibilidades de lo que el color y la línea podían lograr por sí solos.

Su atracción inicial por los elementos del color y la línea comenzó para Stanczak décadas antes de esa primera exposición en Nueva York, cuando era un joven en un campo de refugiados en Uganda durante la Segunda Guerra Mundial. Había perdido el uso de su brazo derecho dominante mientras trabajaba en un campo de trabajo y luego lo había lesionado aún más por médicos del ejército incompetentes. La lesión terminó con su sueño de ser músico, así que al llegar a África y notar su belleza y color, aprovechó la oportunidad para aprender a dibujar y pintar con su mano izquierda. Su trabajo de esa época es extraordinario, mostrando que incluso con su mano no dominante poseía una habilidad poco común para pintar desde la realidad. Pero no tenía deseo de pintar lo que había visto y experimentado. En cambio, buscaba temas abstractos que pudieran ayudarlo a olvidar el pasado y pintar algo universal.

Julian Stanczak - La vida de la superficie, Pinturas 1970 – 1975, vista de instalación en Mitchell-Innes y Nash NY, 2017

Llegando a Ohio

Tan pronto como pudo, Stanczak llegó a América donde se unió a miembros de su familia que vivían en Ohio. Encontró que la ciudad de Cleveland era adecuada para sus ambiciones artísticas, descubriendo allí una vibrante sinfonía y un museo de arte. Se inscribió en clases de arte en la Academia de Arte de Cincinnati, y fue allí donde realmente comenzó a centrarse específicamente en el elemento del color. Pero pronto se dio cuenta de que nadie en su escuela podía enseñarle todo lo que quería saber. Dijo Stanczak: “Disfrutaba del color. Y quería saber más sobre él. Y nadie respondió a mis preguntas. Así que escuché que Albers es un experto. ¿Y dónde enseña? En Yale. Así que voy a Yale."

Al referirse a Albers, Stanczak estaba hablando de Joseph Albers, uno de los principales expertos modernistas en color. Joseph Albers y su esposa Anni fueron maestros influyentes en la Bauhaus antes de la Segunda Guerra Mundial. Cuando los nazis obligaron a cerrar la Bauhaus, viajaron a Carolina del Norte por invitación para enseñar en el Black Mountain College. Más tarde se trasladaron a Yale. Al enterarse de que Albers era el principal experto en color del mundo, Stanczak solicitó ingresar a Yale para estudios de posgrado. Y mientras estudiaba bajo la tutela de Albers, se convenció de que, de hecho, todo lo que había estado anhelando expresar podría expresarse con color, junto con la simple adición de línea.

Julian Stanczak - La vida de la superficie, Pinturas 1970 – 1975, vista de instalación en Mitchell-Innes y Nash NY, 2017

El ojo responsivo

Dos años después de su primera exposición en la Martha Jackson Gallery, la que llevó a la acuñación del término Op Art, el Museo de Arte Moderno de Nueva York montó su ambiciosa exposición de arte abstracto geométrico llamada The Responsive Eye. Julian Stanczak fue incluido en la muestra, al igual que su maestro en Yale, Joseph Albers, la mencionada Bridget Riley y Victor Vasarely, y otros 95 artistas de 15 países. Esa exposición se ha vuelto famosa por introducir el Op Art en la imaginación pública más amplia. Pero en ese momento, el MoMA nunca usó el término Op Art para referirse a las obras de la exposición. En cambio, el museo utilizó términos como percepción para resaltar su exploración de las nuevas formas en que los artistas estaban utilizando la geometría, el color, la superficie, la línea y la luz para examinar cómo las personas ven.

Como dijo William C. Seits, quien dirigió la exposición The Responsive Eye, en el comunicado de prensa del evento: “these works exist less as objects to be examined than as generators of perceptual responses in the eye and mind of the viewer. Using only lines, bands and patterns, flat areas of color, white, gray or black or cleanly cut wood, glass, metal and plastic, perceptual artists establish a new relationship between the observer and a work of art. These new kinds of subjective experiences...are entirely real to the eye even though they do not exist physically in the work itself.” The Responsive Eye dio un enorme impulso a la carrera de Julian Stanczak, así como a muchos otros artistas de la exposición. Pero Stanczak no se mudó a Nueva York, donde fácilmente podría haber disfrutado de una inmensa fama. En cambio, permaneció en Cleveland, donde fue profesor de pintura durante 38 años en el Cleveland Institute of Art.

Julian Stanczak - La vida de la superficie, Pinturas 1970 – 1975, vista de instalación en Mitchell-Innes y Nash NY, 2017

Recordando a Julian Stanczak

Desde su hogar en Cleveland, alejado de las capitales del mundo del arte, Stanczak continuó explorando el color y la luz en sus pinturas durante el resto de su vida. Su meticuloso proceso de aplicar capas de pintura con su mano izquierda no dominante era lento y laborioso. Pero en su proceso encontró alegría y liberación, las cuales emanan en abundancia de su trabajo. A lo largo de las décadas, sus pinturas fueron adquiridas por casi 100 museos en todo el mundo, aunque fue prácticamente ignorado por las galerías de Nueva York.

Pero finalmente, en 2004, Stanczak regresó a Nueva York con exposiciones individuales consecutivas en la Stefan Stux Gallery. Y durante la siguiente década, apareció en varias exposiciones colectivas en la ciudad, volviendo gradualmente a ser prominente en la mente del público comprador de arte. Luego, en 2014, tuvo su primera exposición en Mitchell-Innes & Nash. La actual exposición póstuma de su trabajo está perfectamente subtitulada, ya que Stanczak, de hecho, pasó toda su vida dando vida a las superficies de sus pinturas. Solo estará disponible hasta el 24 de junio de 2017, así que apúrate si deseas verla. Pero si te la pierdes, no te preocupes. A medida que el mundo se da cuenta del genio que ha perdido, probablemente solo será la primera exposición para celebrar el legado de este maestro del color y la línea.

Imagen destacada: Julian Stanczak - La vida de la superficie, Pinturas 1970 – 1975, vista de instalación en Mitchell-Innes & Nash, NY, 2017

Todas las imágenes cortesía de Mitchell-Innes y Nash

Por Phillip Barcio