Mitchell-Innes y Nash rinde homenaje al arte de Julian Stanczak

El pintor Julian Stanczak falleció a principios de este año en su ciudad natal de Cleveland, Ohio, a la edad de 88 años. Antes de su muerte, Mitchell-Innes y Nash en Nueva York habían estado planeando lo que habría sido la segunda exposición individual en la galería de su obra. Esa exposición se inauguró el 18 de mayo, menos de dos meses después del fallecimiento de Stanczak, y se ha convertido en algo más que una simple muestra. Es una celebración de la obra y la vida de un artista verdaderamente querido e influyente. El subtítulo de la muestra es La vida de la superficie, pinturas 1970-1975. Como se indica, presenta solo obras realizadas en un período de cinco años en los años 70. Pero lo más importante es la referencia a la vida que Stanczak aportó a su obra y al mundo del arte en general. Como uno de los progenitores de lo que eventualmente se conoció como Arte Óptico, Stanczak fue un pionero que descubrió las cosas extraordinarias que se pueden lograr usando solo los elementos simples del color y la línea.

Inventando accidentalmente el Arte Óptico

Hoy en día, el término Arte Óptico es entendido por la mayoría de los amantes del arte, curadores, educadores y coleccionistas como un tipo de arte geométrico psicodélico que engaña al ojo para percibir movimiento, espacio y luz donde en realidad no existe ninguno. El movimiento suele estar vinculado a un puñado de artistas de renombre como Bridget Riley y Victor Vasarely, quienes, en los primeros días, fueron sus defensores más destacados. Y el público contemporáneo tiende a percibirlo como un movimiento cohesivo, en el que los artistas involucrados tenían una agenda entendida, o al menos se movían en una dirección estética coherente.

Pero la verdad sobre el Arte Óptico es mucho menos glamorosa que eso. El término Arte Óptico surgió del título de una exposición de la obra de nada menos que Julian Stanczak. La muestra fue su primera en Nueva York, y se celebró en la Galería Martha Jackson en 1964. La propia Martha Jackson tituló la exposición Julian Stanczak: Pinturas Ópticas. Cuando viajó a Nueva York desde su hogar en Cleveland para ver la muestra, Stanczak se enteró del título por primera vez al verlo escrito en la ventana de la galería. En una entrevista de 2011, Stanczak recordó: “Dije, ‘Dios mío, ¿de dónde sacas eso? Martha, ¿cómo puedes decir óptico?’” Jackson trató de calmarlo respondiendo, “Oye, Julian, esto es algo para que los críticos de arte lo mastiquen.” Y lo hicieron. De hecho, un joven escultor llamado Donald Judd, que escribía críticas para la revista Arts en ese momento, reseñó la muestra y en referencia a su título acuñó la frase Arte Óptico en su crítica.

Julian Stanczak - Azul Estático, 1973, acrílico sobre lienzo, 48x120 pulgadas

Color y línea

En retrospectiva, parece absurdo destacar un tipo particular de pintura y llamarla óptica. La palabra óptica se relaciona con cualquier fenómeno que existe dentro del espectro visible de la luz. Pero en el contexto de las pinturas que se incluyeron en esa primera muestra de Julian Stanczak en la Galería Martha Jackson, el término se interpretó no solo para referirse a lo visible, sino más bien para tener que ver con ilusiones ópticas. Stanczak empleó la combinación de color y línea para dar la impresión de profundidad y movimiento, y para sugerir que la luz emanaba de la superficie de la obra. Pero nada en la obra fue un intento de engañar a nadie. Simplemente fue una investigación sobre las posibilidades de lo que el color y la línea podían lograr por sí solos.

Su atracción inicial por los elementos del color y la línea comenzó para Stanczak décadas antes de esa primera muestra en Nueva York, cuando era un joven en un campo de refugiados en Uganda durante la Segunda Guerra Mundial. Había perdido el uso de su brazo derecho dominante mientras trabajaba en un campo de trabajo y luego fue lesionado aún más por médicos militares incompetentes. La lesión terminó con su sueño de ser músico, así que al llegar a África y notar su belleza y color, aprovechó la oportunidad para aprender a dibujar y pintar con la mano izquierda. Su obra de esa época es extraordinaria, mostrando que incluso con su mano no dominante poseía una habilidad poco común para pintar desde la realidad. Pero no tenía deseo de pintar lo que había visto y experimentado. En cambio, buscó un tema abstracto que pudiera ayudarle a olvidar el pasado y pintar algo universal.

Julian Stanczak - La vida de la superficie, pinturas 1970 – 1975, vista de instalación en Mitchell-Innes y Nash NY, 2017

Llegando a Ohio

Tan pronto como pudo, Stanczak llegó a América donde se unió a miembros de su familia que vivían en Ohio. Encontró que la ciudad de Cleveland era adecuada para sus ambiciones artísticas, descubriendo allí una vibrante sinfonía y un museo de arte. Se inscribió en clases de arte en la Academia de Arte de Cincinnati, y fue allí donde realmente comenzó a centrarse específicamente en el elemento del color. Pero pronto descubrió que nadie en su escuela podía enseñarle todo lo que quería saber. Dijo Stanczak: “Disfrutaba el color. Y quería saber más sobre él. Y nadie respondía a mis preguntas. Así que escuché que Albers es un experto. ¿Y dónde enseña? En Yale. Así que fui a Yale.”

Por Albers, Stanczak se refería a Joseph Albers, uno de los expertos modernistas más destacados en color. Joseph Albers y su esposa Anni fueron maestros influyentes en la Bauhaus antes de la Segunda Guerra Mundial. Cuando los nazis obligaron a cerrar la Bauhaus, viajaron a Carolina del Norte por invitación para enseñar en el Black Mountain College. Más tarde se trasladaron a Yale. Al escuchar que Albers era el mayor experto en color del mundo, Stanczak solicitó estudios de posgrado en Yale. Y mientras estudiaba con Albers, se convenció de que, en efecto, todo lo que había anhelado expresar podía expresarse con color, junto con la simple adición de la línea.

Julian Stanczak - La vida de la superficie, pinturas 1970 – 1975, vista de instalación en Mitchell-Innes y Nash NY, 2017

El ojo sensible

Dos años después de su primera exposición en la Galería Martha Jackson, la que llevó a la acuñación del término Arte Óptico, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó su ambiciosa exposición de arte abstracto geométrico llamada El ojo sensible. Julian Stanczak fue incluido en la muestra, al igual que su maestro en Yale, Joseph Albers, la mencionada Bridget Riley y Victor Vasarely, y otros 95 artistas de 15 países. Esa exposición se ha hecho famosa por introducir el Arte Óptico en la imaginación pública más amplia. Pero en ese momento, el MoMA nunca usó el término Arte Óptico para referirse a las obras de la muestra. En cambio, el museo usó términos como percepción para destacar su exploración de las nuevas formas en que los artistas usaban la geometría, el color, la superficie, la línea y la luz para examinar cómo ven las personas.

Como dijo William C. Seits, quien dirigió la exposición El ojo sensible, en el comunicado de prensa de la muestra, “estas obras existen menos como objetos para ser examinados que como generadores de respuestas perceptivas en el ojo y la mente del espectador. Usando solo líneas, franjas y patrones, áreas planas de color, blanco, gris o negro o madera, vidrio, metal y plástico cortados limpiamente, los artistas perceptivos establecen una nueva relación entre el observador y una obra de arte. Estos nuevos tipos de experiencias subjetivas... son completamente reales para el ojo aunque no existan físicamente en la obra misma.” El ojo sensible dio un enorme impulso a la carrera de Julian Stanczak, así como a muchos otros artistas en la muestra. Pero Stanczak no se mudó a Nueva York, donde fácilmente podría haber disfrutado de una fama inmensa. En cambio, permaneció radicado en Cleveland, donde fue profesor de pintura durante 38 años en el Instituto de Arte de Cleveland.

Julian Stanczak - La vida de la superficie, pinturas 1970 – 1975, vista de instalación en Mitchell-Innes y Nash NY, 2017

Recordando a Julian Stanczak

Desde su hogar en Cleveland, lejos de las capitales del mundo del arte, Stanczak continuó explorando el color y la luz en sus pinturas durante el resto de su vida. Su meticuloso proceso de aplicar capas de pintura con su mano izquierda no dominante era lento y laborioso. Pero en su proceso encontró alegría y liberación, ambas cosas que emanan abundantemente de su obra. A lo largo de las décadas, sus pinturas fueron adquiridas por casi 100 museos en todo el mundo, aunque fue prácticamente ignorado por las galerías de Nueva York.

Pero finalmente, en 2004, Stanczak regresó a Nueva York con exposiciones individuales consecutivas en la Galería Stefan Stux. Y durante la siguiente década apareció en varias exposiciones colectivas en la ciudad, volviéndose gradualmente prominente nuevamente en la mente del público comprador de arte. Luego, en 2014, tuvo su primera exposición en Mitchell-Innes & Nash. La actual exposición póstuma de su obra está perfectamente subtitulada, ya que Stanczak de hecho dedicó toda una vida a dar vida a las superficies de sus pinturas. Solo estará abierta hasta el 24 de junio de 2017, así que apúrate si quieres verla. Pero si te la pierdes, no te preocupes. A medida que el mundo se dé cuenta del genio que ha perdido, probablemente será solo la primera exposición para celebrar el legado de este maestro del color y la línea.

Imagen destacada: Julian Stanczak - La vida de la superficie, pinturas 1970 – 1975, vista de instalación en Mitchell-Innes & Nash, NY, 2017

Todas las imágenes cortesía de Mitchell-Innes y Nash

Por Phillip Barcio