Cubismo Sintético Explicado - Planos, Formas y Puntos de Vista
Pablo Picasso, el padre del Cubismo, fue famoso por su afán de evolucionar. Después de inventar el Cubismo Analítico en 1907, fácilmente podría haber seguido pintando en ese estilo durante décadas y aún así haberse hecho rico y famoso. Pero en cambio siguió experimentando, ayudando a inventar lo que se conoció como Cubismo Sintético en 1911 al añadir al Cubismo Analítico una paleta de colores ampliada, nuevas texturas, formas más simples, nuevos materiales y simplificando el uso del punto de vista y el plano. Desde el momento de su invención hasta alrededor de 1920, el Cubismo Sintético fue considerado la cima de la vanguardia. Amplió la gama de formas en que los pintores podían explorar la realidad y contribuyó al auge de los dadaístas, los surrealistas e incluso el arte pop.
Cubismo Sintético en 200 palabras
El Cubismo Sintético resultó de un alejamiento de esas mismas técnicas, en un intento por crear algo aún más real. Picasso, Braque y el pintor Juan Gris añadieron una vibrante gama de colores a sus obras, reintrodujeron la profundidad y disminuyeron el número de perspectivas y planos simultáneos en sus imágenes. Lo más importante, para dar la máxima sensación de realidad a sus pinturas, comenzaron a añadir papel, tela, papel de periódico, texto e incluso arena y tierra a sus obras, intentando traer un sentido total de la esencia de su sujeto a la obra.
Pablo Picasso - Bodegón con asiento de mimbre, 1912, óleo sobre tela encerada con borde de cuerda, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, París, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Nuevos materiales y técnicas
En 1912, Picasso creó la obra que se considera el primer ejemplo de collage, y un ejemplo definitorio del Cubismo Sintético: Bodegón con asiento de mimbre. La obra es una representación cubista de una mesa de café con una selección de alimentos, un periódico y una bebida. Además de los medios tradicionales, Picasso añadió a la superficie de la pintura un fragmento del asiento de mimbre que tradicionalmente se encontraba en las sillas de café. Esta adición aparentemente trivial tuvo consecuencias tremendas para el arte moderno. En lugar de pintar una silla, parte de una silla fue realmente puesta sobre la pintura. En lugar de mostrar algo desde múltiples perspectivas para que pareciera real, Picasso simplemente puso la cosa real, o al menos parte de ella, directamente en la obra.
Picasso también añadió texto a esta pieza, escribiendo las letras “JOU” en parte de la superficie. Esta palabra “Jou” podría traducirse literalmente como “juego” en francés, un hecho que ha contribuido a la sensación que muchas personas tienen de que Picasso pretendía que el Cubismo Sintético devolviera un sentido de frivolidad al arte después de la seriedad académica del Cubismo Analítico. Sin embargo, “JOU” también podría haber sido fácilmente la primera parte del término francés para periódico diario, o diario, una referencia al fragmento de periódico que se ve en la imagen.
Aunque logró un hito al añadir ese trozo de asiento de mimbre a su obra, Picasso no fue el primer cubista en añadir texto a una pintura. En 1911, Georges Braque creó una obra llamada El portugués, que fue la primera obra cubista en introducir letras. Evidente tanto en el primer collage de Picasso como en la primera obra textual de Braque está un cambio alejándose de la naturaleza seria y excesivamente compleja de algunas de sus obras posteriores de Cubismo Analítico. Hay una simplicidad juguetona en las imágenes de estas obras. Las perspectivas están simplificadas y las imágenes se vuelven casi lúdicas, similares a las imágenes antropomórficas en anuncios publicitarios.
Georges Braque - El portugués, 1911, óleo sobre lienzo, 116.7 × 81.5 cm, Musée National Picasso, París, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
En 1912, Braque innovó al menos dos veces más. Ese año se convirtió en el primer pintor cubista en añadir arena a una pintura para aportar niveles de textura y profundidad a la obra, y también fue el primero en incorporar la técnica conocida como papier collé, que se refiere al pegado de recortes de papel sobre una superficie. Ambas técnicas fueron usadas en su obra titulada Frutero y vaso. En esta pintura aplicó recortes de papel tapiz directamente sobre la superficie y luego sombreó la pieza usando pintura mezclada con arena, añadiendo profundidad y textura a la imagen.
Braque también incluyó texto en esta obra, usando las palabras claramente definidas y fácilmente legibles “Ale” y “Bar.” Estas palabras desafían las líneas que separan la imagen publicitaria y el llamado arte elevado. La combinación de estas tres técnicas demostraría ser una gran influencia para los dadaístas, quienes dependían mucho del collage y el texto para confundir y oscurecer los significados aparentes en sus obras y para desafiar las nociones burguesas del arte.
Georges Braque - Frutero y vaso, 1912, 62.9 × 45.7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Planos, formas, puntos de vista y colores
El artista más responsable de introducir colores vibrantes en el Cubismo Sintético fue el pintor cubista español Juan Gris. Gris también utilizó un lenguaje visual sustancialmente simplificado que demuestra de manera excelente el reducido número de puntos de vista y el uso simplificado de formas y planos que define al Cubismo Sintético. En la obra de Gris Periódico y frutero, vemos todos estos elementos en juego. También podemos ver en esta misma pintura muchas de las razones por las que el Cubismo Sintético a menudo se considera el precursor del arte pop.
No es solo que los cubistas sintéticos jugaran con la idea de la línea difusa entre el arte bajo y el arte elevado, y entre el arte y la publicidad. Esta pintura también evoca asombrosamente los puntos Ben-Day de Roy Lichtenstein, y parece casi prefigurar de manera idéntica la repetición, la colocación de imágenes y la paleta de colores de Buffalo II de Robert Rauschenberg.
Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, óleo y tinta de serigrafía sobre lienzo. 96 x 72 in (243.8 x 183.8 cm). © Robert Rauschenberg Foundation / Licenciado por VAGA en Artists Right Society (ARS), Nueva York
Las pinturas anteriores del Cubismo Analítico habían incorporado tantos puntos de vista diferentes que la complejidad de las imágenes se volvió casi imposible de desentrañar. Su tema parecía abstraído hasta el punto de ser irreconocible: cada punto de vista estaba representado por formas geométricas separadas en un plano separado y cada plano parecía apilado sobre los otros y luego aplanado de nuevo. Y las formas geométricas utilizadas en las pinturas del Cubismo Analítico parecían casi transparentes a veces. Estaban pintadas de una manera que demostraba rapidez, vibración y movimiento. Representaban diferentes horas del día, diferentes iluminaciones y diferentes puntos de vista.
Juan Gris - Periódico y frutero, 1916, óleo sobre lienzo. 93.5 x 61 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York
Al añadir una paleta de colores vibrantes de nuevo a las imágenes cubistas, Juan Gris dio al estilo un sentido de juego y emoción que faltaba en esas obras cubistas anteriores. Y el vocabulario visual simplificado de Gris presentó la idea de que el Cubismo podía lograr sus objetivos de una manera directa, simplificada y estéticamente agradable. En la pintura de Gris El violín, logra el número mínimo absoluto de puntos de vista, formas y planos para seguir siendo considerada una obra cubista. La imagen resultante parece más un ejemplo de la sugerencia del Cubismo que de su definición rigurosa.
Juan Gris - El violín, 1916, óleo sobre panel de tres capas, 116.5 x 73 cm, Kunstmuseum, Basilea
Sintético: ¿Otra palabra para falso?
Al añadir escritura y pedazos de objetos cotidianos en sus pinturas, Picasso, Braque y Gris buscaban conectar con un sentido ampliado de la realidad de sus sujetos. Pero al añadir esos elementos artificiales a sus obras también estaban creando algo que era claramente irreal y diferente a cualquiera de las obras cubistas anteriores. A veces incluso pintaban formas que parecían collage, mezclando elementos imitados de collage con elementos reales de collage en la misma obra. Este nuevo estilo fue llamado Cubismo Sintético precisamente por esa razón, debido a la naturaleza artificial de las técnicas usadas en relación con la seriedad de las obras cubistas anteriores.
El Cubismo Sintético fue más simbólico que el Cubismo Analítico. No buscaba lograr una visión elevada de la realidad en cuatro dimensiones. Más bien, buscaba lograr un indicio de realidad, pero de manera distorsionada. Fue una transformación que contribuyó enormemente a las teorías e investigaciones relacionadas con el Surrealismo.
El Cubismo Sintético también desafió las diferencias entre pintura y escultura. En lugar de descomponer la imagen y luego reensamblarla desde varios puntos de vista diferentes, el Cubismo Sintético ensamblaba la imagen, construyéndola desde una superficie plana hacia un objeto con múltiples capas, como un objeto tridimensional descansando sobre una superficie bidimensional. En todos estos aspectos, el Cubismo Sintético abordó sus logros mediante una paradoja clara e intencionada: al hacer obras cada vez más falsas, lograron algo cada vez más real.
Imagen destacada: Pablo Picasso - Tres músicos, 1921, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
