Las Pinturas Abstractas de Mujeres Más Famosas

Una pintura puede contener mucho más de lo que revela a nuestros ojos. Por ejemplo, ¿qué revela a nuestra mente? Algunas de las obras realistas más famosas son pinturas de mujeres. Pero, ¿qué comunican esas famosas pinturas de mujeres a los espectadores más allá de lo que se ve en la superficie? Pueden comunicar la maestría de sus creadores, pero ¿también comunican la esencia interior de sus sujetos femeninos? Pueden representar visualmente su época, pero ¿también extrapolan una comprensión cultural o histórica del género? ¿Solo nos muestran imágenes de mujeres en diversas situaciones, o exploran los significados generales contenidos en las realidades femeninas situacionales? Las pinturas abstractas a veces tienen una ventaja en estos asuntos, ya que inherentemente animan a los espectadores a buscar más allá de lo que está en la superficie. Aquí están diez famosas pinturas abstractas de mujeres que nos han ayudado a aumentar nuestra comprensión de la feminidad desde diversas perspectivas de género, historia, cultura y estética.

Lee Krasner - Gaea

¿Alguna vez te has preguntado sobre el origen del término Madre Naturaleza? Los antiguos griegos creían que la creadora del universo era una entidad femenina llamada Gaea. Ella dio a luz a todas las cosas existentes, incluidos todos los demás dioses y diosas y la raza humana. Lee Krasner pintó su monumental obra abstracta Gaea en 1966. La pintura marca una evolución importante en su trabajo, ya que surgió de un tiempo particularmente difícil en su vida personal. Su color explosivo y gestos expresivos encarnan una mezcla compleja de poder, belleza, energía y armonía. Como expresión abstracta de la esencia femenina original y eterna en el universo, ocupa un lugar destacado entre las pinturas abstractas de mujeres.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Óleo sobre lienzo. 69" x 10' 5 1/2" (175.3 x 318.8 cm). Fondo Kay Sage Tanguy. 212.1977. Colección MoMA. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Pablo Picasso - Ma Jolie

Ma Jolie se traduce como Mi linda chica, una canción francesa popular cuando Picasso pintó su obra cubista del mismo nombre. La frase también era su apodo para su amante, Marcelle Humbert. Como una de las primeras y más memorables expresiones del cubismo analítico, esta pintura es famosa por razones que poco tienen que ver con su tema. Pero como pintura de una mujer, también es enormemente expresiva. La expresión digna de indiferencia en la cabeza en la parte superior derecha; la sensualidad carnosa de los dedos de los pies; las notas musicales y la mano que rasguea la guitarra; la vertiginosa variedad de perspectivas y fuentes de luz; todo esto habla de la mezcla de fantasía, seriedad, respeto y misterio que definen los sentimientos que Picasso expresó a lo largo de su vida por el alma femenina.

Pablo Picasso - Ma Jolie, 1911. Óleo sobre lienzo. 39 3/8 x 25 3/4" (100 x 64.5 cm). Adquirido a través del legado Lillie P. Bliss (por intercambio). 176.1945. © 2019 Patrimonio de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Georgia O’Keeffe - Abstracción (mujer durmiendo)

Georgia O’Keeffe eliminó todo lo que consideraba innecesario. Buscaba sumergir a los espectadores en un sentimiento. Para ello, a menudo creaba imágenes a gran escala y en primer plano, envolviendo a los espectadores en el espacio pictórico. Esta pintura es una de varias composiciones abstractas similares que O’Keeffe hizo de una mujer durmiendo. La dibujó con carbón y luego la repasó con un pincel húmedo, creando una eterealidad onírica dentro del marco. Es una imagen de gracia estoica y digna, que habla de algo transitorio y delicado, terrenal y a la vez eterno.

Georgia O Keeffe - Abstracción (mujer durmiendo), 1916. Carbón y lavado de acuarela sobre papel

Kazimir Malevich - Mujer con cubos: arreglo dinámico

Kazimir Malevich fue un verdadero creyente en la abstracción. Un año después de pintar esta obra, inventó su estilo icónico, el suprematismo, que se dedicaba a rechazar el tema en favor de las universalidades. Esta pintura de una mujer no trata tanto sobre una mujer como sobre las cualidades formales de la composición. Lo que comunica sobre la feminidad es subjetivo. Pero en la intención del artista encontramos algo democrático y, de hecho, universal. El título, Mujer con cubo, habla de los roles tradicionales de género femenino en la Rusia obrera cuando Malevich hizo la obra. Que eligiera este tema comunica que buscaba una forma utópica de ver el mundo no en términos divisivos como géneros y clases sociales, sino en términos de puntos en común.

Kazimir Malevich - Mujer con cubos: arreglo dinámico. 1912-13 (fechado al reverso 1912). Óleo sobre lienzo. 31 5/8 x 31 5/8" (80.3 x 80.3 cm). Adquisición de 1935 confirmada en 1999 por acuerdo con el patrimonio de Kazimir Malevich y posible gracias a fondos del legado Mrs. John Hay Whitney (por intercambio). 815.1935. Colección MoMA

Joan Miró - Mujer con tres cabellos rodeada de pájaros en la noche

Joan Miró nunca se adentró completamente en la abstracción total. En cambio, cultivó una voz estética única que incorporaba iconografía primitiva, formas reducidas y una paleta de colores vibrante y limitada. A través de este estilo idiosincrático pudo comunicar profundidades de manera directa, simple y a menudo caprichosa. A menudo exploró el tema de la mujer y los niños en su obra. Esta imagen abstracta de una mujer solitaria expresa fuerza tranquila y equilibrio. Es meditativa y sugiere una figura en contemplación de las alegrías cotidianas. Es una imagen de seguridad, soledad y armonía. A pesar de su extraña rareza, evoca alegría.

Joan Miro - Mujer con tres cabellos rodeada de pájaros en la noche Palma/ 2 de septiembre de 1972. Óleo sobre lienzo. 7' 11 7/8" x 66 1/2" (243.5 x 168.9 cm). Donación del artista en honor a James Thrall Soby. 116.1973. Colección MoMA. © 2019 Successió Miró / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París

Willem de Kooning - Mujer I

Un destacado expresionista abstracto, Willem de Kooning se especializó en lienzos emotivos y enérgicos. Su técnica era a la vez espontánea y agotadora. Pintaba capas agresivas e inmediatas y luego las raspaba, añadiendo y eliminando con el tiempo. Muchas de sus pinturas de mujeres han sido interpretadas como grotescas o enojadas, e incluso misóginas. Pero él negó tales asociaciones, prefiriendo reflexionar sobre su naturaleza primitiva y la procedencia que comparten con las representaciones clásicas de la feminidad. Esta más famosa de sus pinturas Mujer parece adecuada como ejemplo de esa dualidad entre la intención del artista masculino al pintar a una mujer y la forma en que el resultado final de su expresión puede ser interpretado por los espectadores. Nos ofrece una imagen abstracta icónica de una mujer, así como un punto de partida para una conversación más amplia sobre la objetivación y la intención en el arte.

Willem de Kooning - Mujer I, 1950-1952. Óleo y pintura metálica sobre lienzo. 6' 3 7/8" x 58" (192.7 x 147.3 cm). 478.1953. Colección MoMA. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Maria Lassnig - Frühstück mit Ohr (Desayuno con una oreja)

Maria Lassnig - Frühstück mit Ohr (Desayuno con una oreja), 1967. © Maria Lassnig

Yves Klein - Anthropométrie de l'époque bleue

Como en muchas obras de Yves Klein, hay una capa conceptual en esta pintura que debe ser discutida. No la pintó solo, sino que participó en su creación como director. La antropometría es el estudio de las dimensiones físicas del cuerpo humano. Para su serie Anthropométrie, Klein dirigió a asistentes femeninas para que se desnudaran y se cubrieran con el Azul Klein, su tono epónimo. Las asistentes luego imprimieron físicamente sus cuerpos pintados sobre superficies, ya sea extendidas en el suelo o montadas en la pared. Esta pintura es en cierto sentido una pintura de acción. En otro sentido es un reportaje, ya que crea un registro físico de un evento real. Como imagen abstracta ofrece una sugerencia convincente de sensualidad. También sugiere el cromosoma X, un símbolo de la feminidad genética. Desde un punto de vista conceptual, puede resultar repugnante en su uso del trabajo femenino objetivado para completar una visión estética dominada por hombres y de carácter lascivo.

Yves Klein - Anthropométrie de lépoquebleue, 1960. Azul Klein Internacional sobre papel sobre madera. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París

Carrie Moyer - Tableau

A menudo, la obra de Carrie Moyer tiene una carga política, como en sus agitprop, carteles gráficos comprometidos con el activismo social directo y el comentario. Otras veces, como en sus grabados abstractos, parece envuelta en universalidades metafísicas. En sus pinturas, esos dos polos a menudo convergen en composiciones gráficamente contenidas que combinan lo que ella llama “tanto ilusionismo como planitud.” Formalmente, Tableau posee gravedad compositiva y muestra un dominio de la sensualidad del medio acrílico. Su sentido de feminidad es claramente contemporáneo, evocando simultáneamente algo primitivo y humano y algo futurista y extraño, anclándolo en un presente inquietante pero reconfortante.

Carrie Moyer - Tableau, 2008. Acrílico, purpurina sobre lienzo. © Carrie Moyer

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien

Sería simplista decir que las pinturas de la artista nacida en Kenia, Wangechi Mutu, son de mujer o sobre mujeres. Pero están llenas de un lenguaje de formas comunicativas de la feminidad física. A través de sus imágenes inquietantes, Mutu expresa la vasta y variada experiencia de cómo se encuentra el cuerpo femenino en la cultura global. Esta pintura, titulada como la canción de Edith Piaf Non je ne regrette rien (No me arrepiento de nada), celebra y objetiviza simultáneamente el cuerpo femenino mientras evoca universalidades subconscientes a través de imágenes femeninas totémicas.

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien, 2007. Tinta, pintura, medios mixtos, material vegetal y perlas de plástico sobre Mylar. 137 x 221 cm. 54 x 87 1/8 in. Victoria Miro

Imagen destacada: Georgia O Keeffe - Abstracción - Mujer durmiendo (detalle), 1916, carbón y lavado de acuarela sobre papel
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio