Las Pinturas Abstractas de Mujeres Más Famosas

Hay potencialmente mucho más en una pintura de lo que revela a nuestros ojos. Por ejemplo, ¿qué revela a nuestras mentes? Algunas de las obras de arte realistas más famosas son pinturas de mujeres. Pero, ¿qué comunican esas famosas pinturas de mujeres a los espectadores además de lo que está en la superficie? Pueden comunicar la maestría de sus creadores, pero ¿también comunican la esencia interior de sus sujetos femeninos? Pueden representar visualmente sus épocas, pero ¿también extrapolan una comprensión cultural o histórica del género? ¿Solo nos muestran imágenes de mujeres en diversas situaciones, o exploran los significados generales contenidos dentro de las realidades femeninas situacionales? Las pinturas abstractas a veces tienen una ventaja en estos asuntos, ya que inherentemente animan a los espectadores a buscar más allá de lo que está en la superficie. Aquí hay diez famosas pinturas abstractas de mujeres que nos han ayudado a aumentar nuestra comprensión de la feminidad desde las diversas perspectivas de género, historia, cultura y estética.

Lee Krasner - Gaea

¿Alguna vez te has preguntado sobre el origen del término Madre Naturaleza? Los antiguos griegos creían que el creador del universo era una entidad femenina llamada Gaea. Ella dio a luz a todas las cosas en existencia, incluidos todos los demás dioses y diosas y la raza humana. Lee Krasner pintó su monumental pintura Gaea en 1966. La pintura marca una evolución importante en su trabajo, ya que emergió de un momento particularmente problemático en su vida personal. Su color explosivo y gestos expresivos encarnan una mezcla compleja de poder, belleza, energía y armonía. Como una expresión abstracta de la esencia femenina original y eterna en el universo, ocupa un lugar destacado entre las pinturas abstractas de mujeres.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Óleo sobre lienzo. 69" x 10' 5 1/2" (175.3 x 318.8 cm). Fondo Kay Sage Tanguy. 212.1977. Colección MoMA. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Pablo Picasso - Ma Jolie

Ma Jolie se traduce como Mi Chica Bonita, una popular canción francesa cuando Picasso pintó su obra cubista del mismo nombre. La frase también era su apodo para su amante, Marcelle Humbert. Como una de las primeras y más memorables expresiones del cubismo analítico, esta pintura es famosa por razones que tienen poco que ver con su tema. Pero como pintura de una mujer, también es enormemente expresiva. La dignificada expresión de despreocupación en la cabeza en la parte superior derecha; la sensualidad carnosa de los dedos de los pies; las notas musicales y la mano rasgueando la guitarra; la deslumbrante variedad de perspectivas y fuentes de luz; todo esto habla de la mezcla de capricho, seriedad, respeto y misterio que definen los sentimientos que Picasso expresó a lo largo de su vida por el alma femenina.

Pablo Picasso - Ma Jolie, 1911. Óleo sobre lienzo. 39 3/8 x 25 3/4" (100 x 64.5 cm). Adquirido a través de la herencia de Lillie P. Bliss (por intercambio). 176.1945. © 2019 Patrimonio de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Georgia O’Keeffe - Abstracción (mujer durmiendo)

Georgia O’Keeffe eliminó todo lo que consideraba innecesario. Buscó sumergir a los espectadores en una sensación. Para hacerlo, a menudo creaba imágenes de gran escala y primer plano, envolviendo a los espectadores en el espacio pictórico. Esta pintura es una de varias composiciones abstractas similares que O’Keeffe hizo de una mujer durmiendo. La dibujó en carbón y luego la pasó con un pincel húmedo, creando una eterealidad onírica dentro del marco. Es una imagen de gracia estoica y digna, que habla de algo transitorio y delicado, terrenal y, sin embargo, eterno.

Georgia O Keeffe - Abstracción (mujer durmiendo), 1916. Carbón y acuarela sobre papel

Kazimir Malevich - Mujer con cubos: Arreglo dinámico

Kazimir Malevich era un verdadero creyente en la abstracción. Un año después de pintar esta obra, inventó su estilo icónico, el Suprematismo, que se dedicaba a rechazar el contenido temático en favor de universalidades. Esta pintura de una mujer no trata tanto sobre una mujer como sobre las cualidades formales de la composición. Lo que comunica sobre la feminidad es subjetivo. Pero en la intención del artista encontramos algo democrático y, de hecho, universal. El título, Mujer con balde, habla de los roles de género femeninos tradicionales en la Rusia de clase trabajadora cuando Malevich creó la obra. Que eligiera este tema comunica que estaba buscando una forma utópica de ver el mundo no en términos divisivos como géneros y clases sociales, sino en términos de similitudes.

Kazimir Malevich - Mujer con cubos: Arreglo dinámico. 1912-13 (fechado en el reverso 1912). Óleo sobre lienzo. 31 5/8 x 31 5/8" (80.3 x 80.3 cm). Adquisición de 1935 confirmada en 1999 por acuerdo con la herencia de Kazimir Malevich y posible gracias a los fondos del legado de la Sra. John Hay Whitney (por intercambio). 815.1935. Colección del MoMA.

Joan Miró - Mujer con Tres Cabellos Rodeada de Pájaros en la Noche

Joan Miró nunca se sumergió completamente en la abstracción total. En cambio, cultivó una voz estética única que incorpora iconografía primitiva, formas reducidas y una paleta de colores vibrante y limitada. A través de este estilo idiosincrático, pudo comunicar profundidades de manera directa, simple y a menudo caprichosa. A menudo exploró el tema de la mujer y los niños en su obra. Esta imagen abstracta de una mujer solitaria expresa una fuerza y equilibrio silenciosos. Es meditativa y sugiere una figura en contemplación de las placenterías cotidianas. Es una imagen de seguridad, soledad y armonía. A pesar de su extraña singularidad, evoca alegría.

Joan Miró - Mujer con tres cabellos rodeada de pájaros en la noche Palma/ 2 de septiembre de 1972. Óleo sobre lienzo. 7' 11 7/8" x 66 1/2" (243.5 x 168.9 cm). Regalo del artista en honor a James Thrall Soby. 116.1973. Colección MoMA. © 2019 Successió Miró / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París

Willem de Kooning - Mujer I

Un destacado expresionista abstracto, Willem de Kooning se especializó en lienzos emotivos y enérgicos. Su técnica era a la vez espontánea y agotadora. Pintaba capas agresivas e inmediatas y luego las raspaba, añadiendo y eliminando con el tiempo. Sus numerosas pinturas de mujeres han sido interpretadas como grotescas o enojadas, e incluso misóginas. Pero él negó tales asociaciones, prefiriendo reflexionar sobre su naturaleza primitiva y la procedencia que comparten con las representaciones clásicas de la feminidad. Esta pintura de Mujer, la más famosa de las suyas, parece adecuada como un ejemplo de esa dualidad entre la intención del artista masculino al pintar una mujer y la forma en que el resultado final de su expresión puede ser interpretado por los espectadores. Nos ofrece una imagen abstracta icónica de una mujer, así como un punto de partida para una conversación más amplia sobre la objetivación y la intención en el arte.

Willem de Kooning - Mujer I, 1950-1952. Óleo y pintura metálica sobre lienzo. 6' 3 7/8" x 58" (192.7 x 147.3 cm). 478.1953. Colección del MoMA. © 2019 La Fundación Willem de Kooning / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

Maria Lassnig - Desayuno con una Oreja

No se puede hablar de la pintura contemporánea abstracta femenina sin mencionar la influencia de la artista austriaca Maria Lassnig. Su práctica fluctuó entre la figuración y la abstracción, pero siempre orbitó en torno a una conversación más amplia sobre lo que ella describió en 1948 como conciencia del cuerpo. Su pintura Desayuno con una oreja es un representante icónico de los cientos de autorretratos que Lassnig pintó, a menudo conteniendo solo una parte de su cuerpo, relacionada con la parte del cuerpo de la que era más consciente en ese momento. Esta imagen aborda la conversación social más amplia sobre los roles de género tradicionales, ya que se destaca la función de oyente/nutricionista entre imágenes de gadgets electrónicos de cocina.

Maria Lassnig - Desayuno con una Oreja, 1967. © Maria Lassnig

Yves Klein - Antropometría de la época azul

Al igual que muchas obras de Yves Klein, hay una capa conceptual en esta pintura que debería ser discutida. No la pintó solo, sino que participó en su creación como director. La antropometría es el estudio de las dimensiones físicas del cuerpo humano. Para su serie Anthropométrie, Klein dirigió a asistentes femeninas para que se desnudaran y se cubrieran con Yves Klein Blue, su tono epónimo. Las asistentes luego imprimieron físicamente sus cuerpos pintados en superficies, ya sea extendidas en el suelo o montadas en la pared. Esta pintura es, en cierto sentido, una pintura de acción. En otro sentido, es un reportaje, ya que crea un registro físico de un evento real. Como imagen abstracta, ofrece una sugerencia convincente de sensualidad. También sugiere el cromosoma X, un símbolo de la feminidad genética. Desde un punto de vista conceptual, es potencialmente repugnante en su uso de trabajo femenino objetivado para completar una visión estética masculina y lasciva.

Yves Klein - Antropometría de la época azul, 1960. Azul Klein Internacional sobre papel sobre madera. © 2019 Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York / ADAGP, París

Carrie Moyer - Tableau

A menudo, el trabajo de Carrie Moyer está cargado políticamente, como en su Agitprop, carteles gráficos comprometidos con el activismo social y el comentario directo. Otras veces, como en sus impresiones abstractas, parece envuelto en universalidades metafísicas. En sus pinturas, esos dos polos a menudo convergen en composiciones gráficamente contenidas que combinan lo que ella llama “tanto ilusionismo como planitud.” Formalmente, Tableau posee gravedad compositiva y muestra un dominio de la sensualidad del medio acrílico. Su sentido de feminidad es distintivamente contemporáneo, evocando simultáneamente algo primitivo y humano y algo futurista y alienígena, anclándolo en un presente inquietante pero reconfortante.

Carrie Moyer - Tableau, 2008. Acrílico, purpurina sobre lienzo. © Carrie Moyer

Wangechi Mutu - No, no me arrepiento de nada

Sería simplista decir que las pinturas de la artista nacida en Kenia Wangechi Mutu son de mujeres, o sobre mujeres. Pero están llenas de un lenguaje de formas comunicativas de la feminidad física. A través de sus imágenes inquietantes, Mutu expresa la vasta y variada experiencia de cómo se encuentra el cuerpo femenino en la cultura global. Esta pintura, titulada en honor a la canción de Edith Piaf Non je ne regrette rien (No me arrepiento de nada), celebra y objetiviza simultáneamente el cuerpo femenino mientras evoca universalidades subconscientes a través de imágenes totemicas femeninas.

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien, 2007. Tinta, pintura, medios mixtos, material vegetal y perlas de plástico sobre Mylar. 137 x 221 cm. 54 x 87 1/8 in. Victoria Miro

Imagen destacada: Georgia O Keeffe - Abstracción - Mujer durmiendo (detalle), 1916, carbón y acuarela sobre papel
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio