La Sutil Influencia de la Escuela de Color de Washington

La historia de la Escuela de Color de Washington es una historia de advertencia. En la superficie (por así decirlo) es solo una historia simple sobre seis pintores: Kenneth Noland, Morris Louis, Gene Davis, Howard Mehring, Thomas Downing y Paul Reed. Cada uno vivió una vez en Washington, D.C., y cada uno participó en un tipo similar de pintura abstracta definida por áreas planas y sólidas de color vibrante, generalmente pintadas con pintura acrílica Magna sobre lienzos sin imprimar. Lo más importante es que cada uno tuvo obras incluidas en Los Pintores de Color de Washington, una exposición que se inauguró en 1965 en la breve pero influyente Galería de Arte Moderno de Washington (WGMA). Pero acechando bajo esa narrativa relativamente benigna hay un mundo de imitadores, manipuladores y creadores de mitos culturales, que, una vez entendido por lo que es, ofrece la oportunidad de mirar críticamente cómo las tendencias arraigan en el arte, y cómo los galeristas, curadores y críticos ejercen influencia sobre las narrativas aceptadas de la historia del arte.

La historia de fondo

Fecha: 1952. Una joven pintora abstracta llamada Helen Frankenthaler está experimentando en su estudio en la ciudad de Nueva York. Ella utiliza pinturas al óleo, y como la mayoría de los pintores al óleo, normalmente primero prepara sus lienzos antes de aplicar sus óleos, y diluye sus pinturas justo lo suficiente para poder trabajar con ellas. Pero en este día, tiene una epifanía. Decide diluir en gran medida sus pinturas al óleo, y en lugar de aplicarlas a un lienzo preparado con un pincel, coloca un lienzo sin preparar en el suelo y vierte sus pinturas diluidas directamente sobre él. La pintura se empapa en el lienzo, tiñendo las fibras y extendiéndose por la superficie de maneras no planificadas. Titula el resultado de este primer esfuerzo experimental Montañas y Mar. Su etérea ligereza es el resultado de las formas en que los colores interactúan con la superficie y entre sí gracias a la nueva técnica que acaba de inventar.

Uno de los críticos de arte más influyentes en América en 1952 fue un hombre llamado Clement Greenberg. Hizo una visita al estudio de Helen Frankenthaler poco después de que ella pintara su obra innovadora Mountains and Sea. Greenberg reconoció de inmediato el genio de su innovación. Pero en lugar de simplemente aclamar a Frankenthaler como la pintora de vanguardia que obviamente era, Greenberg invitó a dos pintores masculinos a quienes respetaba, Morris Louis y Kenneth Noland, a venir desde Washington, D.C. para ver lo que Frankenthaler había hecho. Greenberg luego los animó a tomar esta emocionante nueva técnica y usarla en su trabajo, lo cual hicieron. Luego, a medida que desarrollaron la técnica más en sus propios experimentos, Greenberg defendió a Louis y Noland como estando a la vanguardia de un movimiento artístico que él inventó llamado Post Painterly Abstraction, que se definía por superficies planas, y que era parte de un movimiento aún más grande que él también inventó llamado la Color School, que defendía la primacía del color sobre otros elementos estéticos.

Helen Frankenthaler - Montañas y Mar, 1952, Óleo y carbón sobre lienzo sin tamaño, sin imprimar, 219.4 × 297.8 cm, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nueva York

La Escuela de Color de Washington

Avancemos hasta 1962. John F. Kennedy es el presidente de los Estados Unidos. Las artes y la cultura son lo más importante en la mente de los socialités de Washington, D.C., y Alice Denney, la gran dama del arte vanguardista de Washington, D.C., acaba de abrir una nueva galería: La Galería de Arte Moderno de Washington. Su primera directora, Adelyn Breeskin, anteriormente del Museo de Arte de Baltimore, curó una exposición inaugural del trabajo de Franz Kline. En la noche de la inauguración, está nada menos que Helen Frankenthaler, entre muchos otros artistas respetados. La exposición es un éxito. Dos años después, cuando Adelyn Breeskin se marcha, la WGMA es el epicentro del mundo del arte de Washington, D.C.

Contratado para reemplazar a Breeskin como director, está el crítico de arte Gerald Nordland. En el único año que Nordland pasa en la galería, monta una exposición influyente: Los Pintores de Color de Washington. La exposición introduce el argumento de que en Washington, D.C., lejos de la influencia de la escena artística de Nueva York, un grupo completamente único de pintores de la Escuela del Color emergió de manera independiente y debería ser considerado internacionalmente por sus logros idiosincráticos. La muestra fue un gran éxito, y la idea de una Escuela del Color de Washington rápidamente ganó terreno entre coleccionistas, curadores, galeristas y otros artistas basados en Washington, D.C., además de los seis originales, que estaban ansiosos por asociarse con un movimiento famoso.

Kenneth Noland - Puente, 1964, Acrílico sobre lienzo, 226.2 x 248.8 cm

Copiones, Manipuladores y Creadores de Mitos

La controversia más obvia que ha surgido desde entonces sobre los Pintores de Color de Washington es que los dos miembros más famosos del llamado movimiento localizado, Kenneth Noland y Morris Louis, ambos copiaron a Helen Frankenthaler, una pintora de Nueva York. Si Clement Greenberg hubiera dado crédito donde se debía, habría quedado claro que el trabajo de los llamados Pintores de Color de Washington fue influenciado por pintores de otros lugares. Pero no se dio crédito donde se debía, lo que nos lleva a la segunda controversia más obvia sobre los Pintores de Color de Washington: todos los pintores en la exposición eran hombres blancos, el único tipo de artista que Greenberg siempre defendió. De manera más extraña, uno de ellos (Morris Louis) había muerto tres años antes de la exposición, y uno (Kenneth Noland) se había mudado a Vermont un año antes de eso.

En su mayor parte, en lugar de romper la frágil cáscara que protege el mito de una Escuela de Color de Washington, los escritores de la historia del arte contemporáneo simplemente han abrazado la historia, utilizando su narrativa simple y directa como un punto de partida conveniente para exposiciones, conferencias y ensayos. La subcategoría resultante del arte abstracto de los años 60 permite así que ciertas obras alcancen precios nominalmente más altos en las subastas, y que las carreras de un puñado de artistas que de otro modo tendrían poco original que aportar a la conversación ganen credibilidad. Lo cual no es menospreciar a ningún artista ni su trabajo. Solo es señalar que cuando dejamos que movimientos y etiquetas fabricados dominen nuestra comprensión de algo tan complicado como el arte, cedemos a la influencia de los intermediarios del poder del pasado, que a menudo estaban más motivados por la raza, el género y sus propios egos que por la estética.

Morris Louis - Gamma Epsilon, 1960-196, Acrílico sobre lienzo, 260.4 × 492.8 cm

Imagen destacada: Gene Davis - Tarzán (detalle), de la Serie de Portafolios 1, 1969, Serigrafía sobre lienzo montado en tablero, 61.6 × 76.8 cm, créditos fotográficos Art Resource Group, Irvine

Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.

Por Phillip Barcio