¿Qué hemos aprendido de los pioneros del campo del color?
Cuando piensas en el Expresionismo Abstracto, ¿qué te viene a la mente? ¿Imaginas a pintores lanzando, goteando, salpicando y esparciendo pintura sobre lienzos con gestos cargados de emoción? Aunque la Pintura de Acción fue una gran parte del Ab-Ex, también hubo un lado más contenido en el movimiento. La pintura de Campo de Color, como se le llamaba, involucraba superficies planas, no pictóricas, compuestas por espacios de color. En las pinturas de Campo de Color, la personalidad del artista es menos visible que en las Pinturas de Acción. Mientras que los Pintores de Acción transmitían sus propias maquinaciones subconscientes a través de su obra, los pintores de Campo de Color creaban obras que ofrecían a los espectadores un espacio para experimentar sus propias revelaciones.
Abstracción Post-Pictórica
El término “pictórico” se refiere a cualidades que puede tener la superficie de una pintura, como el trazo y la textura, cualidades que hacen evidente la mano del artista en la obra. Por ejemplo, una pintura que presenta capas de pintura aplicadas en forma gruesa donde los trazos del pincel son claramente visibles y la técnica individual del pintor es obvia podría considerarse pictórica. La Abstracción Post-Pictórica fue un movimiento que surgió en los años 60 con pintores que evitaban hacer obras pictóricas.
La frase Abstracción Post-Pictórica fue acuñada por el crítico de arte Clement Greenberg, quien la usó como título de una exposición que debutó en 1964 en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Esa exposición presentó a 31 artistas, muchos de los cuales estaban asociados con el Expresionismo Abstracto. Mientras que los primeros pintores expresionistas abstractos como Jackson Pollock y Willem de Kooning hacían cuadros pictóricos en los que sus técnicas individuales eran claramente evidentes en las cualidades superficiales de las obras, los artistas de la Abstracción Post-Pictórica creaban obras abstractas con superficies planas donde la mano del artista no era evidente.
Robert Motherwell - Elegía a la República Española No. 110, 1971, acrílico con grafito y carbón sobre lienzo, Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenciado por VAGA, Nueva York, NY
Artistas del Campo de Color
Entre los artistas de la Abstracción Post-Pictórica hubo un grupo de pintores que llegaron a ser conocidos como los pintores del Campo de Color. Su nombre se refería a la tendencia que tenían estos artistas de incorporar grandes áreas de color en sus obras. Sus campos de color podían envolver completamente al espectador al observar de cerca una obra. No eran solo superficies pintadas; también eran espacios en los que podía ocurrir la introspección.
Los pintores del Campo de Color fueron revolucionarios porque, en lugar de usar la superficie como un fondo sobre el cual pintar un sujeto, hicieron que la superficie misma se convirtiera en el sujeto. Evitaban las formas en sus pinturas. No había imagen de nada presente. El fondo y el primer plano eran uno solo. Los campos de color no tenían un contexto propio, sino que eran un lugar en el que el espectador podía conectar con algo personal, quizás algo mítico, y trascender las limitaciones de la imagen.
Frank Stella - Harran II, 1967, pintura de polímero y polímero fluorescente sobre lienzo, 120 × 240 pulgadas, Museo de Young, San Francisco, © 2019 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Una Arena en el Lienzo
El Expresionismo Abstracto considera el lienzo como una arena en la que algo puede ocurrir. El drama y la emoción ocurren en las obras de los Pintores de Acción. Mientras que los pintores del Campo de Color también usan el lienzo como una arena, en lugar de que su propio drama se desarrolle allí, es un lugar donde la introspección del espectador puede contribuir o incluso crear por completo el drama que emerge. Las pinturas de Campo de Color atraen al espectador hacia la obra, invitándolo a contemplar mucho más que solo la pintura, el color y la superficie. Se les invita a contemplarse a sí mismos, usando la arena de la pintura como una especie de talismán en ese viaje personal.
Se requiere una reflexión sostenida al mirar una pintura de Campo de Color. En lugar de experimentar una carga inmediata de una Pintura de Acción, o sentir armonía de una obra abstracta geométrica, o percibir nostalgia, romance o alegría de una obra figurativa, los espectadores de las pinturas de Campo de Color deben mirar hacia adentro en busca de nuevas revelaciones. Pero la libertad también puede ser una carga. La angustia de los Pintores de Acción a menudo proviene de su total libertad para expresar su yo interior. Con las pinturas de Campo de Color, esa temida sensación de libertad se transfiere al espectador.
Campos de Emoción No Objetiva
Aunque rechazó la etiqueta, Mark Rothko es considerado por muchas personas como el pintor del Campo de Color más influyente. Las pinturas icónicas de Rothko consisten en franjas horizontales de color, que interactúan entre sí de manera amorfa, fusionándose en sus bordes. Sus pinturas a veces presentan tonos brillantes, como naranja, amarillo o rojo. Otras veces presentan azules, marrones y negro. Los espectadores que se enfrentan a estas pinturas a menudo se ven invadidos por emociones que van desde la excitación y la alegría hasta la tristeza e incluso la desesperación. Rothko dijo sobre su obra, “Las personas que lloran ante mis cuadros están teniendo la misma experiencia religiosa que yo tuve cuando los pinté.”
Mark Rothko - Naranja y Amarillo, 1956, óleo sobre lienzo, 180.3 x 231.1 cm, Galería de Arte Albright
Líneas Zip
Barnett Newman hizo obras en una línea similar a la de Rothko, pero tenían un efecto muy diferente en los espectadores. Las pinturas de Campo de Color de Newman presentan franjas verticales de color separadas por bandas mucho más delgadas de color, a veces llamadas “zips”. Las pinturas zip de Newman a veces presentan un solo zip, a veces varios. A veces los bordes de los zips son duros, otras veces se mezclan con los campos de color circundantes. La verticalidad de las imágenes de Newman y la presencia de los zips crean una respuesta emocional muy diferente a la de las obras de Rothko.
Algo en los zips impide que el ojo se concentre demasiado tiempo en un solo punto. La línea vertical puede adquirir una cualidad antropomórfica, como si representara una figura o un carril. Atrae la mirada hacia ella y luego la desplaza hacia los campos de color. Las obras de Newman transmiten una sensación de valentía y parecen un poco más ansiosas que las de Rothko por esta razón. Invitan a una contemplación nerviosa y muy moderna.
Barnett Newman - Onement I, 1948, óleo sobre lienzo y óleo sobre cinta adhesiva sobre lienzo, 27 1/4 x 16 1/4 pulgadas (69.2 x 41.2 cm), © 2019 Fundación Barnett Newman / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Unión y Revelación
Las pinturas de Campo de Color de Clyfford Still poseen una presencia completamente diferente a la de Rothko o Newman. Los espacios coloreados en ellas parecen estar en un estado de transformación o evolución. Tienen una cualidad orgánica. Aunque no hay una forma específica presente, las áreas parecen cambiar e interactuar y sugieren la posibilidad de una forma futura. Donde hay un sentido de estabilidad en las pinturas que hicieron Rothko y Newman, las pinturas de Still proyectan más una sensación de cambio. Fuerzas dispares se unen en ellas, sugiriendo que el tiempo para la introspección es limitado ya que todo está en flujo. Still dijo sobre sus pinturas, “Estas no son pinturas en el sentido usual; son vida y muerte fusionándose en una unión temerosa. En cuanto a mí, encienden un fuego; a través de ellas vuelvo a respirar, sostengo un cordón dorado, encuentro mi propia revelación.”
Clyfford Still - PH-971, 1957, óleo sobre lienzo, 113 1/4 x 148 x 2 1/4 pulgadas, Colección SFMoMA, © Ciudad y Condado de Denver, Cortesía Museo Clyfford Still / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Desbordes de Emoción
Helen Frankenthaler fue una de las pintoras del Campo de Color más innovadoras. Desarrolló una técnica innovadora de teñir sus lienzos sin imprimar vertiendo pintura diluida directamente sobre la superficie. Al verter la pintura en lugar de extenderla con una herramienta, evitó por completo cualquier sugerencia de la mano del artista y creó una planitud aún más uniforme. También permitió que la pintura se extendiera e interactuara con el lienzo de maneras inesperadas. Las áreas teñidas se permitieron sangrar unas en otras, alterarse mutuamente y combinarse. El resultado de la técnica de teñido de Frankenthaler fueron cuadros que comunicaban un sentido de procesos naturales orgánicos profundamente profundos.
Helen Frankenthaler - Cañón, 1965, Acrílico sobre lienzo, 44 x 52 pulgadas, © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
El Aspecto Teñido
Morris Louis fue profundamente influenciado por la técnica de teñido de Frankenthaler, y la modificó para desarrollar su propio enfoque estético característico. Al igual que Frankenthaler, Louis también vertía pintura diluida sobre sus lienzos para lograr el aspecto teñido, pero lo hacía utilizando una técnica secreta muy protegida que supuestamente involucraba algo parecido a doblar el lienzo como un embudo. Los campos de color resultantes que creó Louis poseen una cualidad inquietante que atrae al espectador hacia un espacio de pensamiento místico e introspectivo.
Morris Louis - Salient, 1954, resina acrílica (Magna) sobre lienzo, 74 1/2 x 99 1/4 pulgadas (189.2 x 252.1 cm), © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Un Poco Más de Atmósfera
Basándose en las ideas de Frankenthaler y Louis, Jules Olitski desarrolló su propia técnica única para sus pinturas de Campo de Color. Aplicaba pintura a sus lienzos con una pistola pulverizadora, rociando ligeramente capas de pintura unas sobre otras para crear campos de color luminosos y atmosféricos que incluso hoy parecen futuristas. El estilo característico de Olitski también se marcaba por líneas de bordes duros añadidas cerca de los bordes exteriores del lienzo. Ese gesto de borde quizás presagiaba el fin de la pintura de Campo de Color, ya que parece casi reintroducir la noción de que el tema se presenta dentro de un marco.
Jules Olitski - Patutsky en el Paraíso, 1966, © Patrimonio Jules Olitski/Licenciado por VAGA, Nueva York
La Contemplación como Legado Duradero
Estos pioneros del Campo de Color lograron crear pinturas que podían actuar no solo como objetos artísticos sino también como intermediarios para las experiencias estéticas trascendentales del espectador. Al crear obras que no tenían otro tema que el color mismo, alteraron la forma en que se podía percibir una pintura y llevaron la pintura a nuevos ámbitos míticos y espirituales. La contemplación es el legado duradero de los pioneros del Campo de Color. Para muchos de nosotros, sus pinturas son talismanes que nos guían por caminos hacia un estado mental más introspectivo.
Imagen destacada: Helen Frankenthaler - Montañas y Mar, 1952, óleo y carbón sobre lienzo sin preparar ni imprimar, 86 3/8 × 117 1/4 pulgadas (219.4 × 297.8 cm), © 2019 Fundación Helen Frankenthaler, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
