Por qué la crítica de arte Rosalind Krauss sigue siendo crucial para la abstracción

Rosalind Krauss es considerada por muchos artistas, educadores de arte y profesionales del mundo del arte como la crítica de arte más importante viva. Y aunque es innegable que a través de sus escritos ha difundido algunas de las teorías de arte más influyentes de los últimos cincuenta años, por más que lo intento, no puedo entender por qué se le etiqueta con esa palabra: crítica. Según mi entendimiento de lo que ella hace, Krauss no es una crítica. Es una anti-crítica. Es alguien que piensa profundamente sobre el arte y escribe sobre él, pero que no define la forma en que el resto de nosotros deberíamos valorarlo. Ella es una escritora de arte. Ella es una defensora del arte. Ella es una defensora del arte. ¿Pero crítica? ¿Quién la necesita? Los artistas ciertamente no tienen uso para la crítica. Lo único que un artista necesita escuchar es elogio. La crítica es para el mercado. Es una forma de mantener estándares de gusto. Pero no existe tal cosa como el arte "bueno" o el arte "malo". Lo único que los críticos de arte realmente terminan haciendo es iniciar discusiones, arruinar la diversión y limitar las posibilidades. Difunden entre las masas juicios de valor subjetivos y a menudo infundados. Influyen en la opinión pública basándose en las opiniones de una minoría de uno. Pero lo que Krauss ha pasado su vida haciendo, en mi opinión, es todo lo contrario. Ha ampliado las posibilidades de los artistas. Ha desafiado el status quo, y durante más de cinco décadas ha ampliado continuamente la forma en que las personas se sienten empoderadas para mirar, hablar y escribir sobre el arte. En cuanto a mí, Krauss me enseñó a través de su escritura que lo más importante que puedo hacer en servicio de una obra de arte es describirla. Me mostró que una descripción reflexiva y precisa es el mayor cumplido que puedo dar a un artista o a una obra de arte, mucho más alto que llegar a la fase de juicio: decir que algo es "bueno" o que "me gusta" algo. El gusto es subjetivo. El juicio es manipulador. Una descripción precisa demuestra que uno ha respetado la obra lo suficiente como para mirarla de cerca y traducirla honestamente en un lenguaje sencillo que todos puedan entender.

La joven Rosalind Krauss

Rosalind Krauss nació en 1941 en Washington, D.C. Su padre era abogado del Departamento de Justicia de los Estados Unidos. A menudo llevaba a Rosalind a visitar la Galería Nacional de Arte. Fue allí donde comenzó a desarrollar el deseo y la capacidad de hablar intelectualmente sobre el valor del arte moderno. En una entrevista de 2016 con Dylan Kerr para Artspace, Krauss recordó que su padre era crítico del arte moderno. Pero incluso como joven se sintió impulsada a defender la obra. Tenía la idea de que era vital y abogaba regularmente por ello ante su padre mientras recorrían el museo. “Adopté cierta militancia”, dice, “pues tenía que intentar convencer a mi padre de que estas obras de arte modernas no eran falsas, que realmente eran importantes. Esto agudizó mi deseo de explicar.”

Al inscribirse en Wellesley College en 1958, comenzó lo que se ha convertido en una carrera académica de toda la vida dedicada a la idea de explicar la importancia del arte. Estudió historia del arte y comenzó a leer seriamente lo que otros escritores de arte tenían que decir sobre las tendencias predominantes del momento. Fue un momento emocionante para el arte estadounidense. El Expresionismo Abstracto estaba en la cúspide de su poder, y los artistas que se oponían a él o se sentían inspirados por él estaban moviendo el paisaje artístico estadounidense en una multitud de direcciones fascinantes: Arte Conceptual, Arte de Instalación, Obras de Tierra y Arte de Tierra, Arte de Performance, Arte de Luz y Espacio, y Minimalismo, por nombrar solo algunos. Krauss era astuta y perceptiva. Aunque era una rápida estudiosa de la historia, también desarrolló sus propias ideas sobre lo que estudiaba. Y en el proceso enfrentó una dura realidad de la época: el punto de vista limitado de cómo era aceptable hablar sobre el arte, y el pequeño número de voces influyentes que lo definían.

Rosalind Krauss - La originalidad de la vanguardia y otros mitos modernistas (MIT Press), portada del libro

Los Bergs

Los dos críticos de arte más influyentes a mediados del siglo XX fueron Harold Rosenberg y Clement Greenberg. Clement Greenberg fue responsable de hacer las carreras de algunos de los artistas más famosos del período de posguerra. Es más conocido por defender a los expresionistas abstractos blancos y masculinos como Jackson Pollock y Willem de Kooning, y por ignorar a las mujeres y a los artistas de color. La forma más sencilla de describir la manera en que Greenberg escribía sobre el arte es decir que era un formalista. Hablaba de las pinturas no en términos de su contenido, su narrativa o su significado cultural. Hablaba de ellas en términos de color, línea, forma, cualidades de superficie y especificidad del medio.

Harold Rosenberg habló sobre el arte utilizando un lenguaje diferente al que usó Clement Greenberg. Rosenberg podría describirse de manera más simple como un crítico que se centró en los elementos poéticos del arte. Escribió sobre la capacidad de ciertos artistas para crear obras contemplativas y escribió sobre las cualidades trascendentes de su arte. Tanto Greenberg como Rosenberg fueron ampliamente respetados y continúan siendo tomados en serio hoy en día. En gran medida, son héroes porque legitimaron en gran medida la abstracción en la conciencia americana. Cada uno a su manera, estos dos críticos enseñaron a los estadounidenses de la posguerra que el arte abstracto era más grande, más profundo y más complicado de lo que parecía para la mayoría de las personas en ese momento. Elevaban la abstracción al mismo prestigio que el arte realista que llenaba museos y libros de historia. Pero de otra manera, ambos críticos representaban una forma antigua de hablar sobre el arte. Se comprometían con él de una manera estructurada, arraigada en las tradiciones del pasado. Lo juzgaban y hacían juicios de valor basados en agendas que se alineaban con la estructura de poder existente en la sociedad, y de esa manera limitaban lo que el arte podría llegar a ser.

Rosalind Krauss - Inventario Perpetuo (October Books), portada del libro

Escritura Artística Post-Estructuralista

Tras su graduación de Wellesley, Rosalind Krauss fue a Harvard, de donde obtuvo su Ph.D. en 1969. Mientras aún era estudiante, comenzó a escribir sobre arte en Artforum. Inicialmente, tenía una afinidad por el trabajo de Clement Greenberg. Pero con el tiempo llegó a adoptar un punto de vista Post-Estructuralista. Básicamente, el Estructuralismo es la idea de que el mundo puede ser entendido en términos de estructuras identificables y descriptibles que a su vez hacen que todo lo demás tenga sentido. La historia a menudo se habla como una serie estructurada de eventos que llevaron inevitablemente al mundo de hoy. Un crítico de arte estructuralista cree que cada elemento de una obra de arte puede ser entendido en términos de cómo se relaciona con un sistema de pensamiento estructurado existente. Y, por el contrario, el Post-Estructuralismo desafía esencialmente esa idea.

La escritura artística post-estructuralista no es crítica en la medida en que no busca un juicio final sobre una obra de arte. El post-estructuralismo invita a múltiples interpretaciones. Aboga por la evaluación individual. Rechaza la autoridad de las estructuras heredadas. Aboga por hablar de las cosas de maneras que cuestionen el statu quo. Reconoce que las estructuras sociales históricas apoyan una forma de ver e interactuar con el mundo que se ajusta a las narrativas existentes de los agentes de poder. Los post-estructuralistas creen que al desafiar esas formas de ver e interactuar con el mundo, puede surgir un mundo más diverso, equitativo, experimental e interesante: uno que, en última instancia, también será más verdadero.

Rosalind Krauss - Licenciatura, portada del libro

En la red

Después de diez años escribiendo para Artforum, Rosalind Krauss dejó para cofundar una nueva revista de arte con Annette Michelson, llamada October. La idea de October era promover nuevas formas de pensar sobre el arte. La revista fue nombrada así por el mes que marcó el comienzo de la Revolución Bolchevique. En las páginas de October, Krauss ha publicado su escritura sobre arte más influyente. En el Volumen 8, publicó su ensayo Escultura en el Campo Expandido, que explicaba un punto de vista enormemente ampliado sobre la escultura. El ensayo no describía una forma específica de definir la escultura, sino que comenzaba una conversación sobre cómo hablar de las tendencias del arte plástico sin tener que definir rígidamente lo que son. Este ensayo perdura como un salvavidas para los artistas experimentales y multidisciplinarios de hoy.

Y en el Volumen 9 de octubre, Krauss publicó un ensayo llamado Grids, que hoy en día es considerado por muchas personas como uno de los ensayos más importantes del siglo XX que explica la abstracción. El ensayo explora la historia del uso de rejillas en el arte y contempla las diversas formas en que los artistas han reducido su trabajo a exploraciones de la rejilla. Lo que es notable sobre el ensayo, en mi opinión, es que a pesar de estar académicamente informado y ser altamente descriptivo, es abierto y llega a pocas conclusiones. Una generalización a la que Krauss llega es la idea de que las rejillas son en última instancia simbólicas. Pero en cuanto a lo que simbolizan, eso queda abierto. Krauss presenta muchos ejemplos, abriendo muchas posibilidades, y los respalda con ejemplos educados. Pero al final describe mucho más de lo que juzga. Y eso, para mí, es su mayor legado. Ella abre la puerta a lo que podría venir, y permite que el futuro del arte se desarrolle como quiera.

Rosalind Krauss - El Inconsciente Óptico, portada del libro

Imagen destacada: Rosalind Krauss, foto de Judy Olausen, c.1978

Por Phillip Barcio