Por qué la crítica de arte Rosalind Krauss sigue siendo crucial para la abstracción

Rosalind Krauss es considerada por muchos artistas, educadores de arte y profesionales del mundo del arte como la crítica de arte más importante viva. Y aunque es innegable que a través de sus escritos ha difundido algunas de las teorías artísticas más influyentes de los últimos cincuenta años, por más que lo intento no puedo entender por qué se le etiqueta con esa palabra: crítica. Según mi comprensión de lo que hace, Krauss no es una crítica. Es una anti-crítica. Es alguien que piensa profundamente sobre el arte y escribe sobre él, pero que no define la manera en que el resto de nosotros deberíamos valorarlo. Es una escritora de arte. Es una defensora del arte. Es una protectora del arte. ¿Pero crítica? ¿Quién la necesita? Los artistas ciertamente no tienen uso para la crítica. Lo único que un artista necesita escuchar es elogio. La crítica es para el mercado. Es una forma de mantener estándares de gusto. Pero no existe tal cosa como “arte bueno” o “arte malo”. Lo único que los críticos de arte realmente terminan haciendo es iniciar discusiones, arruinar la diversión y limitar las posibilidades. Difunden entre las masas juicios de valor subjetivos y a menudo infundados. Influyen en la opinión pública basándose en las opiniones de una minoría de uno. Pero lo que Krauss ha pasado su vida haciendo, en mi opinión, es todo lo contrario. Ha ampliado las posibilidades de los artistas. Ha desafiado el statu quo, y durante más de cinco décadas ha ampliado continuamente la manera en que las personas se sienten facultadas para mirar, hablar y escribir sobre el arte. En cuanto a mí, Krauss me enseñó a través de sus escritos que lo más importante que puedo hacer al servicio de una obra de arte es describirla. Me mostró que una descripción reflexiva y precisa es el mayor cumplido que puedo dar a un artista o a una obra, mucho más alto que llegar a la fase de juicio: decir que algo es “bueno” o que “me gusta” algo. El gusto es subjetivo. El juicio es manipulador. La descripción precisa demuestra que uno ha respetado la obra lo suficiente como para mirarla detenidamente y traducirla honestamente a un lenguaje sencillo que todos puedan entender.

La joven Rosalind Krauss

Rosalind Krauss nació en 1941 en Washington, D.C. Su padre era abogado del Departamento de Justicia de los Estados Unidos. A menudo llevaba a Rosalind a visitar la Galería Nacional de Arte. Fue allí donde comenzó a desarrollar el deseo y la capacidad de hablar intelectualmente sobre el valor del arte moderno. En una entrevista de 2016 con Dylan Kerr para Artspace, Krauss recordó que su padre era crítico con el arte moderno. Pero incluso siendo joven sentía la necesidad de defender la obra. Tenía la idea de que era vital, y regularmente lo defendía ante su padre mientras recorrían el museo. “Adopté cierta militancia”, dice, “porque tenía que tratar de convencer a mi padre de que estas obras modernas no eran falsas, que realmente eran importantes. Esto agudizó mi deseo de explicar.”

Al ingresar en Wellesley College en 1958, comenzó lo que se ha convertido en una carrera académica de toda la vida dedicada a la idea de explicar la importancia del arte. Estudió historia del arte y comenzó a leer seriamente lo que otros escritores de arte decían sobre las tendencias predominantes del momento. Fue una época emocionante para el arte estadounidense. El Expresionismo Abstracto estaba en la cima de su poder, y artistas que se oponían o se inspiraban en él estaban moviendo el panorama artístico estadounidense en múltiples direcciones fascinantes: Arte Conceptual, Arte de Instalación, Trabajos de Tierra y Arte de Paisaje, Arte de Performance, Arte de Luz y Espacio, y Minimalismo, solo por nombrar algunos. Krauss era astuta y perceptiva. Aunque aprendía rápido la historia, también desarrolló sus propias ideas sobre lo que estudiaba. Y en el proceso enfrentó una dura realidad de la época: el punto de vista estrecho sobre cómo era aceptable hablar del arte y el pequeño número de voces influyentes que lo definían.

Rosalind Krauss - La Originalidad de la Vanguardia y Otros Mitos Modernistas (MIT Press), portada del libro

Los Berg

Los dos críticos de arte más influyentes de mediados del siglo XX fueron Harold Rosenberg y Clement Greenberg. Clement Greenberg fue responsable de impulsar las carreras de algunos de los artistas más famosos del período de posguerra. Es más conocido por defender a los expresionistas abstractos blancos y masculinos como Jackson Pollock y Willem de Kooning, y por ignorar a las mujeres y a los artistas de color. La forma más sencilla de describir cómo Greenberg escribía sobre arte es decir que era formalista. Hablaba de las pinturas no en términos de su contenido, su narrativa o su significado cultural, sino en términos de color, línea, forma, cualidades superficiales y especificidad del medio.

Harold Rosenberg hablaba del arte usando un lenguaje diferente al de Clement Greenberg. Rosenberg podría describirse más simplemente como un crítico que se centraba en los elementos poéticos del arte. Escribía sobre la capacidad de ciertos artistas para crear obras contemplativas y sobre las cualidades trascendentes de su arte. Tanto Greenberg como Rosenberg fueron ampliamente respetados y continúan siendo tomados en serio hoy en día. En gran medida, son héroes porque legitimaron en gran medida la abstracción en la conciencia estadounidense. Cada uno a su manera, estos dos críticos enseñaron a los estadounidenses de posguerra que el arte abstracto era más grande, más profundo y más complicado de lo que parecía para la mayoría en ese momento. Elevaron la abstracción al mismo prestigio que el arte realista que llenaba museos y libros de historia. Pero, de otra manera, ambos críticos representaban una forma antigua de hablar sobre el arte. Se relacionaban con él de manera estructurada, arraigada en las tradiciones del pasado. Lo juzgaban y emitían juicios de valor basados en agendas que reforzaban la estructura de poder existente en la sociedad, y de esa manera limitaron lo que el arte podría llegar a ser.

Rosalind Krauss - Inventario Perpetuo (October Books), portada del libro

Escritura artística post-estructuralista

Tras graduarse de Wellesley, Rosalind Krauss fue a Harvard, donde obtuvo su doctorado en 1969. Aún siendo estudiante comenzó a escribir sobre arte en Artforum. Inicialmente, sentía afinidad por la obra de Clement Greenberg. Pero con el tiempo adoptó un punto de vista post-estructuralista. Básicamente, el estructuralismo es la idea de que el mundo puede entenderse en términos de estructuras identificables y descriptibles que a su vez hacen que todo lo demás tenga sentido. La historia a menudo se habla como una serie estructurada de eventos que condujeron inevitablemente al mundo actual. Un crítico de arte estructuralista cree que cada elemento de una obra puede entenderse en función de cómo se relaciona con un sistema estructurado de pensamiento existente. Y, por el contrario, el post-estructuralismo desafía esencialmente esa idea.

La escritura artística post-estructuralista no es crítica en el sentido de buscar un juicio final sobre una obra de arte. El post-estructuralismo invita a múltiples interpretaciones. Aboga por la evaluación individual. Rechaza la autoridad de las estructuras heredadas. Propugna hablar de las cosas de maneras que cuestionen el statu quo. Reconoce que las estructuras sociales históricas sostienen una forma de ver e interactuar con el mundo que encaja con las narrativas existentes de los que detentan el poder. Los post-estructuralistas creen que al desafiar esas formas de ver e interactuar con el mundo, puede surgir un mundo más diverso, equitativo, experimental e interesante: uno que, en última instancia, también será más verdadero.

Rosalind Krauss - Solteros, portada del libro

Sobre la cuadrícula

Después de diez años escribiendo para Artforum, Rosalind Krauss dejó la revista para cofundar una nueva publicación artística con Annette Michelson, llamada October. La idea de October era promover nuevas formas de pensar sobre el arte. La revista fue nombrada en honor al mes que marcó el inicio de la Revolución Bolchevique. En las páginas de October, Krauss ha publicado sus escritos artísticos más influyentes. En el Volumen 8, publicó su ensayo Escultura en el Campo Expandido, que explicó un punto de vista ampliamente ampliado de la escultura. El ensayo no describía una forma específica de definir la escultura, sino que iniciaba una conversación sobre cómo hablar de las tendencias del arte plástico sin tener que definirlas rígidamente. Este ensayo perdura como un salvavidas para artistas experimentales y multidisciplinarios hoy en día.

Y en el Volumen 9 de October, Krauss publicó un ensayo llamado Cuadrículas, que muchas personas consideran hoy uno de los ensayos más importantes del siglo XX que explica la abstracción. El ensayo explora la historia del uso de las cuadrículas en el arte y contempla las diversas maneras en que los artistas han reducido su obra a exploraciones de la cuadrícula. Lo que resulta notable del ensayo, en mi opinión, es que a pesar de estar informado académicamente y ser muy descriptivo, es abierto y llega a pocas conclusiones. Una generalización a la que Krauss llega es la idea de que las cuadrículas son, en última instancia, simbólicas. Pero en cuanto a lo que simbolizan, eso queda abierto. Krauss presenta muchos ejemplos, abre muchas posibilidades y los respalda con ejemplos ilustrados. Pero al final describe mucho más de lo que juzga. Y eso, para mí, es su mayor legado. Abre la puerta a lo que podría venir y permite que el futuro del arte se despliegue como quiera.

Rosalind Krauss - El Inconsciente Óptico, portada del libro

Imagen destacada: Rosalind Krauss, foto de Judy Olausen, c.1978

Por Phillip Barcio