Värikkään abstraktin taiteen ilo Mnuchin-galleriassa
Mnuchin-galleria New Yorkissa esittelee parhaillaan Värin ilo, jännittävän ryhmänäyttelyn värikkäästä abstraktista taiteesta vuosilta 1939–2018. Näyttely tarjoaa ainutlaatuisen vilauksen siihen, kuinka taiteilijat mobilisoivat väriä sekä sisällön että käsitteenä. Esillä on monien gallerian edustamien historiallisesti merkittävien taiteilijoiden teoksia, kuten Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis ja Sam Gilliam, yhdessä 1900-luvun pioneeritaiteilijoiden, kuten Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland ja Jack Bush, teosten kanssa. Mukana on myös maalauksia tärkeiltä nykyaikaisilta taiteilijoilta, kuten Laura Owens ja Sean Scully, sekä suhteellisen uusilta tulokkailta, kuten Sarah Crowner ja Nathlie Provosty. Joillekin newyorkilaisille tämä näyttely voisi olla täydellinen tilaisuus palata Mnuchin-tilaan. Vuonna 2016 New York -lehden taidekriitikko Jerry Saltz julkaisi purkauksen otsikolla "Miksi en enää mene Mnuchin-galleriaan." Hän mainitsi Steven Mnuchinin—gallerian omistajan Robert Mnuchinin pojan—nimittämisen kampanjarahoitusjohtajaksi tuolloin presidenttiehdokkaana olleelle Donald Trumpille syynään. Siitä lähtien, kun tuo kirjoitus julkaistiin, Steven Mnuchin nimitettiin Yhdysvaltojen valtiovarainministeriksi. Syistä, jotka eivät liity taiteeseen, vaan ideologiaan, Saltz kehotti lukijoitaan rankaisemaan taiteen myyvää isää pojan oletettujen poliittisten syntien vuoksi. Tällainen keksitty draama on naurettavaa, mutta silti, kuka tahansa, joka on antanut periksi sosiaaliselle paineelle, voisi pitää Värin iloa täydellisenä tekosyynä antaa gallerialle uusi mahdollisuus. Näyttely on enemmän kuin kävely modernin ja nykyaikaisen taiteen osastolla pienessä mutta tärkeässä museossa kuin kävely kaupallisessa galleriassa. Työ osoittaa tarkalleen, kuinka abstrakti taide parhaimmillaan kykenee ylittämään pikkupoliittiset asiat ja avaamaan uusia havaintoväyliä siihen, mikä on kaunista ja merkityksellistä tässä maailmassa.
Väri strategiana
Värin ilo avautuu vaatimattomalla Calderin mobiililla, joka roikkuu katosta portaikon yläpuolella. Punaiset, keltaiset, valkoiset ja harmaat abstraktit muodot pyörivät lempeästi kehojemme ja hengityksemme tuottamissa tuulissa. Calder käytti väriä saadakseen ihmiset ajattelemaan "irtonaisista kehoista, jotka leijuvat avaruudessa." Nämä leikkisät värilliset muodot tarjoavat jotain nautittavaa, kun pohdimme universaaleja kysymyksiä, kuten fysiikkaa ja mekaniikkaa. Mobiilin lisäksi kaksi pientä maalausta kehystää kaaren kummallakin puolella. Vasemmalla on "Lode" (2018) Nathlie Provostyltä. Oikealla on nimettömänä värikenttä Mark Rothkolta, noin 1959. Molemmat kompositiot ovat rakenteellisia, litteitä ja suorakulmaisia. Molemmat käyttävät hienovaraisia värimuutoksia kutsuakseen katsojan mietiskelevään kokemukseen. Väri ei ole täällä sisältöä niin paljon kuin se on sisäänkäynti havaintokokemuksiin sisäisestä olemuksestamme. Erityisesti Provostyn maalaus, sen hienovaraisilla keltaisen sävyillä, paljastaa hienovaraisia eroja näennäisesti samanlaisissa asioissa—vain yleistämällä voimme kutsua sitä monokromiksi. Jokainen keltainen ei ole sama.
Nathlie Provosty - Lode, 2018. Öljy pellavalle alumiinipaneelilla. 19 x 15 tuumaa (48,3 x 38,1 cm). © Nathlie Provosty. Courtesy Mnuchin Gallery
Muita näyttelyssä olevia maalauksia, jotka käyttävät väriä strategiana sitouttaa muita sisältötyyppejä, ovat "Aleph Series V" (1960) Morris Louisilta, "Landline Green Bolt" (2018) Sean Scullylta, nimettömäksi jäänyt maalaus Laura Owensilta vuodelta 2006 sekä nimettömäksi jäänyt kangas Joan Mitchellilta vuodelta 1958. Louisin maalaus vetää katseemme puoleensa värikkäillä värisuhteilla reunoillaan, mutta kun värit sulautuvat pimeyteen keskellä, tulemme tietoisemmiksi pinnasta: pohjamaalaamaton kangas yhdistyy maaliin aivan kuten värit ja muodot yhdistyvät toisiinsa - kaikki sulautuu yhdeksi. Scullyn maalaus käyttää väriä sitouttaakseen meidät pensselinvedon ja tekstuurien tarkasteluun, kutsuen meitä arvostamaan maalin materiaalisia ominaisuuksia. Owensin maalaus käyttää väriä emotionaalisena laukaisijana. Sen riemukas väripaletti heijastaa teoksen figuratiivisia piirteitä, jotka nauttivat feminiinisyydestä, avoimuudesta ja luonnosta. Lopuksi, myrskyiset pensselinjäljet Mitchellin kankaalla näyttävät meille, kuinka väri voi tulla synonyymiksi tunnelmalle, ilmaisten ihmishengen syvintä ahdistusta.
Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Öljy alumiinilla. 85 x 75 tuumaa (215,9 x 190,5 cm). © Sean Scully. Courtesy Mnuchin Gallery
Väri kuin avaruus
Monet maalaukset teoksessa Värin ilo käyttävät väriä muodollisemmassa mielessä, näyttäen värin tehokkaana visuaalisen tilan luojana ja erottajana. Alma Thomasin "Luonnon punaiset vaikutelmat" (1968) tarjoaa eeppisen selityksen tälle käsitteelle. Kaukaa katsottuna värit julistavat lineaarista rakennetta, jakamalla visuaalisen arkkitehtuurin pystysuoriin palkkeihin. Lähempää tarkasteltuna pylväät murtuvat lukemattomiin orgaanisiin muotoihin. Muotojen ja pylväiden välinen valkoinen tila vahvistaa itsensä maailmana pinnan ulkopuolella. Samankaltaista taikaa on läsnä Jack Bushin "Mansikka" (1970) -teoksessa. Massiivinen, vaaleanpunainen "U"-muoto kaikuineen väriään maalausnimeä, kun taas vaaleampi vaaleanpunainen tausta, jossa on tummia läiskiä, luo kolmiulotteisuutta. Alareunassa oleva täydentävä väripalkki tasoittaa tilaa ja huijaa silmää aistimaan yhdistelmän horisonttiviivaa ja kineettistä paraatia geometrisista muodoista.
Alma Thomas - Luonnon punaiset vaikutelmat, 1968. Akryyli kankaalla. 51 x 49 1/2 tuumaa (129,5 x 125,7 cm). © Alma Thomas. Courtesy Mnuchin Gallery
Näyttelyn silmiinpistävimmät tilalliset kompositiot ovat "Elberta" (1975) Helen Frankenthalerilta, "Mysteries: Aglow" (2002) Kenneth Nolandilta ja "The Wave (Urszula)" (2014) Sarah Crownerilta. Frankenthaler luo valtavaa avaruutta hänen liotetussa maalauksessaan, avaten silmän laajalle ja säihkeälle visuaaliselle universumille; Noland saavuttaa päinvastaisen vaikutuksen yksinkertaistamalla ja keskittämällä tilaa tutulla tähtitarkkuuskompositiollaan; Crowner järjestää tilan harmoniseen dissonanssiin värisevillä, biomorfisilla punaisilla ja oransseilla aaltoformaatiolla. Kuitenkin syvin tilan luominen tulee "Atmosphere" (1972) Sam Gilliamilta. Hänen allekirjoitustekniikkansa, jossa reunat viistetään, sallii värien luoda tilaa fyysisten rajojen yli. Maalaus kutsuu meitä miettimään, mitä rajoittamamme näkemämme ulkopuolella on - elintärkeä kysymys meille tässä ajassa, ja sellainen, jonka ehkä jopa herra Saltz haluaisi poiketa galleriaan miettimään. The Joy of Color on esillä 8. joulukuuta 2018 asti.
Esittelykuva: Värin ilo - ryhmänäyttely Mnuchin Galleriassa, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Courtesy Mnuchin Gallery
Kirjailija: Phillip Park
