100 ans d'art et de photographie abstraite à la Tate
Le débat autour de la photographie abstraite est devenu particulièrement intéressant ces dernières décennies, à mesure que la photographie numérique et la retouche photo sont devenues omniprésentes. Une nouvelle exposition qui ouvrira en mai 2018 à la Tate promet d’élargir encore davantage cette conversation. Forme de la Lumière : 100 ans de Photographie et d’Art Abstrait présentera plus de 300 œuvres de plus de 100 artistes. Elle examinera l’histoire de la photographie abstraite en lien avec le développement de l’abstraction en peinture et en sculpture. L’abstraction pure s’est largement manifestée dans la peinture et la sculpture occidentales autour de la première décennie du XXe siècle. Mais la photographie était un peu en retard. Bien qu’elle ait eu près d’un siècle pour se développer à cette époque, elle n’était toujours pas considérée comme un art véritable. Son seul usage était perçu comme un moyen de montrer la réalité — un instant figé dans le temps gravé dans le nitrate d’argent. Mais certains des premiers photographes plus philosophiques ont compris que, plutôt que de capturer des images, ce que le procédé photographique saisit vraiment, c’est la lumière. Ils ont vu que les photographes pouvaient potentiellement créer des compositions purement abstraites, tout comme un peintre ou un sculpteur, en utilisant la lumière au lieu de la peinture, du bois, du graphite ou de la pierre. Au fil des décennies, alors que divers photographes ont expérimenté différentes méthodes pour atteindre l’abstraction, ils ont suscité de nombreux débats fructueux sur ce qui définit une photographie et ce qui rend une image abstraite. En juxtaposant les fruits de ces débats aux avancées dans d’autres formes d’art abstrait, Forme de la Lumière offre une occasion fascinante de découvrir comment, parfois, la photographie abstraite a suivi les traces de la peinture et de la sculpture, et comment, à d’autres moments, elle a ouvert la voie.
Entrée du Vortographe
Un des tournants majeurs dans l’histoire de la photographie abstraite s’est produit autour du tournant du siècle, lorsque deux groupes de photographes — connus sous les noms de Photo Succession et Linked Ring — ont commencé à défendre la reconnaissance de la photographie comme un art noble. Alvin Langdon Coburn était un membre clé des deux groupes. Coburn sera mis en avant dans Forme de la Lumière, car il est considéré comme l’inventeur du Vortographe — le premier type de photo purement abstraite. Les premiers Vortographes ont été réalisés lorsque Coburn a fixé trois miroirs à l’avant de son appareil photo en formation triangulaire. Essentiellement, les miroirs agissaient comme un kaléidoscope. Les photographies obtenues montrent une réalité fracturée, pleine de lignes diagonales fortes et de formes triangulaires. Ce langage de lignes et de formes a conduit Ezra Pound à appeler ces images Vortographes, car elles ressemblent aux peintures vorticistes.
László Moholy-Nagy - Photogramme, vers 1925, Photographie, tirage au gélatino-argentique sur papier, 181 x 238 mm, Collection Jack Kirkland, Nottingham
La Tate exposera des peintures vorticistes d’artistes comme Wyndham Lewis aux côtés des Vortographes de Coburn. Elles seront également juxtaposées à des œuvres de peintres cubistes, tels que Georges Braque. La comparaison avec le Cubisme est sans doute déjà claire, car tant le Cubisme que les Vortographes divisent l’espace visuel en multiples perspectives simultanées. Mais la comparaison avec les peintures vorticistes peut être un peu plus floue. Le Vorticisme était un amalgame de Cubisme et de Futurisme. C’était une tentative purement formelle de combiner les aspects visuels des deux. Lorsqu’il a inventé le Vortographe, Coburn faisait quelque chose d’entièrement unique. Il ne cherchait pas à imiter des tendances. Il voulait prouver que la photographie pouvait être utilisée pour saisir autre chose que la réalité objective. Pour cette raison, Forme de la Lumière éclaire comment Coburn était bien plus un innovateur que ses collègues vorticistes, mettant en lumière une manière dont la photographie abstraite revendique des racines distinctives.
Barbara Kasten - Peinture photogénique, Sans titre 74/13 (ID187), 1974, Photographie, tirage au papier salé, 558 x 762 mm, Avec l’aimable autorisation de l’artiste, Thomas Dane Gallery et Bortolami Gallery, New York, © Barbara Kasten
La photographie abstraite à travers les décennies
Une autre juxtaposition fascinante proposée dans Forme de la Lumière est la mise en regard des photographies d’André Kertész avec les œuvres des peintres surréalistes. En 1933, Kertész a créé une série de photographies intitulée Distorsions, dans laquelle des miroirs étaient utilisés pour créer des images tordues, allongées et biomorphiques de corps humains. Ces photographies partagent beaucoup de points communs avec les formes humaines surréalistes dans les peintures de Picasso, Miró et d’autres. Puisque les Distorsions ont été créées plus d’une décennie après le début du mouvement surréaliste, on pourrait penser que Kertész copiait les surréalistes. Mais la première fois que Kertész a publié une photographie déformée remonte en réalité à 1917. Intitulée Nageur sous-marin, cette image montre une forme humaine ondulée et étirée dans un paysage étrange. Elle s’intégrerait naturellement dans une peinture de Salvador Dalí. Datée de trois ans avant le début du surréalisme, elle soulève à nouveau des questions sur le rôle réel de la photographie dans l’influence de la trajectoire de l’art abstrait en général.
Forme de la Lumière met également en regard les œuvres de deux artistes du milieu du siècle : Otto Steinert et Jackson Pollock. Steinert a laissé un héritage diversifié dans le monde de la photographie, mais l’une de ses contributions les plus importantes fut l’organisation dans les années 1950 d’une série d’expositions itinérantes appelées Photographie Subjective. L’idée de ces expositions était de démontrer que, plutôt que de saisir le monde extérieur, une photographie pouvait exprimer le monde intérieur du photographe. En exposant des luminogrammes de Steinert des années 1950 aux côtés des peintures éclaboussées et gouttées de Jackson Pollock, Forme de la Lumière montrera le lien entre la philosophie et l’esthétique de l’expressionnisme abstrait et celle de la photographie subjective. Et cette exposition offre bien plus encore. En plus d’étudier des légendes modernistes comme László Moholy-Nagy, Bill Brandt, Guy Bourdin et Jacques Mahé de la Villeglé, elle examine aussi de nombreux photographes abstraits contemporains tels que Barbara Kasten et James Welling. Présenter ces artistes divers ensemble est une idée visionnaire. Elle nous offre non seulement la chance de découvrir ou de redécouvrir l’histoire de la photographie abstraite, mais aussi celle de briser nos idées préconçues sur ce qu’est la photographie, ce qui définit l’abstraction, et quels artistes ont réellement façonné l’histoire de l’art abstrait.
Forme de la Lumière : 100 ans de Photographie et d’Art Abstrait se tiendra du 2 mai au 14 octobre 2018 au Tate Modern, Londres.
Image en vedette : Otto Steinert - Luminogramme II, 1952, Photographie, tirage au gélatino-argentique sur papier, 302 x 401 mm, Collection Jack Kirkland Nottingham, © Succession Otto Steinert, Musée Folkwang, Essen
Par Phillip Barcio
