Moments déterminants de l’histoire de l’art abstrait

Les mots peuvent être si controversés. Nous voulons simplement discuter de l’histoire de l’art abstrait. Mais cette phrase est pleine de pièges conceptuels. (L’histoire de qui ? Qu’est-ce que l’art ? Que signifie être abstrait ?) Pour être précis, nous devrions peut-être intituler cet article quelque chose comme : « Moments décisifs dans la chaîne d’événements constituant la chronologie généralement acceptée de la civilisation occidentale relative aux objets et phénomènes créés par des artistes se décrivant eux-mêmes et n’ayant pas l’intention d’être représentatifs de la réalité visuelle objective. » Mais ce n’est pas vraiment un titre accrocheur. (Ou l’est-ce ?) Pour préserver la raison, mettons la sémantique de côté pour cet article et commençons simplement par le début.

La préhistoire de l’art abstrait

Parmi les premières marques des habitants des cavernes préhistoriques figuraient des lignes, des griffures et des empreintes de mains. Notre meilleure interprétation est qu’elles étaient symboliques. Cela en fait-il les premiers exemples d’art abstrait  ? Peut-être. Mais même les images figuratives laissées par nos ancêtres anciens ne sont pas exactement photoréalistes. Ce qui manque dans nos analyses, c’est la compréhension de l’intention de nos premiers artistes. Quand nous parlons d’art abstrait, nous entendons un art spécifiquement destiné à être abstrait. Comme nous ne pouvons pas savoir ce que les artistes préhistoriques voulaient communiquer à travers leurs images, nous ne pouvons pas juger si c’était abstrait, ni même si c’est de l’art. Cela pourrait avoir eu des usages utilitaires, qui sait. Passons donc bien plus loin, à une époque mieux documentée, où les intentions des artistes étaient plus claires.

Henri Matisse - Femme au chapeau, 1905, huile sur toile, 80,5 × 59,7 cm, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Avant le début des années 1800, on peut dire sans risque que la grande majorité des artistes, la plupart du temps, n’avaient pas le luxe de choisir ce qu’ils allaient créer. La plupart des artistes de l’ère pré-romantique dépendaient du soutien d’institutions religieuses ou d’un autre pouvoir autoritaire pour survivre. Les rois et les hommes saints déterminaient donc le sujet de la plupart des œuvres de ces artistes. À mesure que ce système de mécénat déclinait, d’autres modes de survie se présentaient aux artistes. Un système de galeries émergea ; des marchands d’art indépendants commencèrent à représenter les œuvres des artistes ; des particuliers fortunés et des institutions privées commencèrent à soutenir les artistes et à collectionner leurs œuvres. Pour la première fois, les artistes eurent la chance de répondre eux-mêmes à la question : « Que veux-je créer ? » Immédiatement vint la question suivante inévitable : « Pourquoi veux-je le créer ? » La réponse à cette question est une cause majeure de l’essor ultérieur de l’art abstrait, et peut-être le concept le plus durable à émerger de l’ère romantique ; un concept exprimé par de nombreux penseurs de l’époque, résumé par les Français par : « L'art pour l'art. » L’art pour l’art. Ou comme l’écrivain Edgar Allan Poe l’a dit en 1850 : « …si seulement nous nous permettions de regarder dans nos propres âmes, nous découvririons immédiatement qu’il n’existe ni ne peut exister sous le soleil aucune œuvre plus dignifiée, plus noble suprêmement, que ce poème même… écrit uniquement pour le plaisir du poème. »

André Derain - Les voiles qui sèchent, 1905, huile sur toile, 82 x 101 cm, © Musée Pouchkine, Moscou

Premières impressions

Une fois libérés des contraintes du sujet prédéterminé, les artistes commencèrent à se libérer d’autres contraintes également. De la fin des années 1850 aux années 1870 environ, le mouvement esthétique permit aux artistes de créer de l’art purement pour des raisons esthétiques, plutôt que de se concentrer sur des sujets liés à la culture, à la société et à la politique. Puis vinrent les impressionnistes, artistes parisiens qui réalisèrent des œuvres mettant fortement l’accent sur la représentation des qualités de la lumière, amorçant une distillation des éléments esthétiques individuels d’une œuvre d’art. Dans les années 1880, le peintre Georges Seurat développa une technique de construction d’image entièrement à partir de petits points. Cette technique, connue sous le nom de pointillisme, créait des images déformées, mais figuratives. Le pointillisme  contribua à l’essor des coups de pinceau expérimentaux et des techniques de composition suggérant une tendance vers l’abstraction. Cette tendance fut approfondie tout au long de la période post-impressionniste, alors que les artistes commencèrent à expérimenter avec le symbolisme et l’usage arbitraire de la couleur, de la forme et de la ligne.

Tout est subjectif

Dans les années 1900, les expressionnistes contribuèrent à la tendance vers l’abstraction pure en mettant l’accent sur la subjectivité. En déformant fortement leurs images, ils cherchaient à présenter un point de vue profondément personnel, plus représentatif de l’émotion que de la réalité physique. Durant cette période apparurent également les fauves, peintres se concentrant presque exclusivement sur la couleur vive et les marques picturales. Pour les fauves, le sujet était secondaire par rapport aux composantes esthétiques de l’œuvre. À cette époque, l’émergence de l’abstraction pure était inévitable. Partout, les artistes travaillaient avec des représentations symboliques de la réalité, cherchant à communiquer des idées et des sentiments de manière indépendante du sujet. Ils étaient par définition en train d’abstraire. Mais qui fut le premier à réussir à créer une peinture purement abstraite ?

Hans Hofmann - Lune montante, 1965, huile sur toile, collection privée, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Que le vrai premier abstrait se lève !

Presque tous les historiens s’accordent à dire que la première peinture abstraite fut Sans titre (Première aquarelle abstraite) de Wassily Kandinsky, peinte en 1910. Composée de taches colorées vives, de cercles, de lignes, de gribouillis et de champs de couleur assemblés de manière apparemment aléatoire, l’œuvre ne fait référence en aucun cas à des éléments visuels préexistants du monde physique. De manière conspiratrice, on pourrait, juste pour s’amuser, postuler que Sans titre (Première aquarelle abstraite) de Kandinsky n’était pas la première peinture purement abstraite. Un an plus tôt, en 1909, le peintre avant-gardiste français Francis Picabia peignit Caoutchouc, une œuvre proto-cubiste présentant des formes géométriques méconnaissables enveloppées dans des champs de couleur apparemment sans lien. Cette œuvre ne semble en rien représenter la réalité visuelle objective. Cependant, le mot Caoutchouc signifie vaguement sève de caoutchouc naturel, une référence à la matière première pour fabriquer le caoutchouc vulcanisé. N’ayant jamais analysé les éléments visuels du caoutchouc non vulcanisé, nous ne pouvons pas dire, mais peut-être que cette peinture est figurative. Qui sait ? Ce que nous savons, c’est que Kandinsky était un théoricien de l’art passionné et un écrivain prolifique. Il écrivait avec enthousiasme sur sa quête de créer la première œuvre d’art purement abstraite au monde. Il parlait ouvertement de son intention de devenir le fondateur de l’art abstrait, et de son succès à y parvenir. Personne ne peut nier qu’il avait l’intention d’être le premier, peu importe si quelqu’un avant lui l’a accidentellement devancé.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, huile sur toile, 216,5 x 186,7 cm, © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Ce que Kandinsky a définitivement fait

En annonçant ouvertement son intention de créer de l’art abstrait pur, Kandinsky libéra les artistes de leur dépendance aux références au monde observable. Il rompit avec la logique antérieure de l’art. Il ouvrit le champ à une expérimentation profonde et rapide. Il porta à maturité la promesse des romantiques, que, comme le disait Caspar David Friedrich, l’artiste romantique allemand, « Le sentiment de l’artiste est sa loi. »

Wassily Kandinsky - Composition IV, 1911, huile sur toile, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Allemagne

Le monde en guerre

Au cours des décennies suivantes, les artistes expérimentèrent abondamment avec l’abstraction. De nombreux nouveaux styles virent le jour, influencés par l’appel à la liberté de l’abstraction, mais aussi par les horreurs de la Première Guerre mondiale et l’essor de l’ère mécanique. Le cubisme incita les artistes à réduire leur langage visuel à ses éléments les plus fondamentaux. Le futurisme montra la vitalité et la puissance de la ligne. Le dadaïsme  remettait en question le sens de l’art, réaffirmant la liberté de l’art et son rejet de la bourgeoisie. Dans les années 1920, le surréalisme ouvrit l’esprit des artistes au pouvoir de l’inconscient. Avec son accent sur l’imagerie onirique et son rejet de la logique consciente, il influença profondément les artistes abstraits à expérimenter davantage avec des techniques, des supports et des méthodes pouvant les relier plus directement à leur moi inconscient.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913, huile sur toile, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Faites du neuf !

Dans les années 1930, le peintre germano-américain Hans Hofmann est reconnu pour avoir diffusé en Amérique les philosophies essentielles de ce qui devint le modernisme, la dernière version du rejet des modes et méthodes du passé. Peintre abstrait lui-même, Hofmann encouragea ses élèves de la Californie à New York à adopter de nouvelles méthodes de création d’images, en quête de moyens pour affronter et exprimer les angoisses et les merveilles d’une société en industrialisation rapide. En 1934, le poète Ezra Pound résuma l’attitude des modernistes avec son célèbre appel aux artistes : « Faites du neuf ! » Pound fut une figure controversée, s’installant finalement en Italie, où il soutint les principaux dirigeants fascistes de la Seconde Guerre mondiale. Néanmoins, son rejet enthousiaste de l’ancien s’enracina dans l’esprit des artistes abstraits, menant à de puissants changements à l’horizon proche.

Wassily Kandinsky - Tache noire I (détail), 1912, huile sur toile, 100,0 × 130,0 cm, Musée russe, Saint-Pétersbourg, Russie

Une nouvelle pureté

Après deux guerres mondiales, une dépression mondiale, des famines, des atrocités et deux attaques nucléaires sur des villes peuplées, l’ampleur de l’angoisse ressentie par l’être humain moyen au milieu des années 1940 ne peut être sous-estimée. Cette angoisse suscita un nouvel intérêt généralisé pour le domaine relativement jeune de la psychanalyse. Parmi les millions de personnes qui se tournèrent vers la psychanalyse à cette époque se trouvait Jackson Pollock , l’un des membres principaux d’un groupe d’artistes connus sous le nom d’expressionnistes abstraits. Pollock fut exposé à la psychanalyse lors de sa rééducation. Cela ouvrit son esprit au monde des connaissances primordiales enfermées dans son subconscient. Beaucoup de ses contemporains cherchaient de nouvelles façons de se connecter à l’essence cachée de leur humanité, travaillant à exprimer des émotions brutes et primitives à travers leurs peintures. Pollock cherchait des images cachées, espérant pouvoir se connecter à quelque chose de profond en lui-même, quelque chose de plus pur que ce qui avait encore été exprimé par l’art abstrait. Vers 1947, Pollock inventa sa technique emblématique du dripping. Cette technique consistait à appliquer la peinture sur une surface en utilisant des forces telles que la gravité et l’élan, plutôt que par contact direct d’outils sur la toile. Adoptant ce nouveau niveau de physicalité, et rejetant totalement toute forme reconnaissable, Pollock entra dans un nouveau domaine d’abstraction pure basé entièrement sur l’intention subconsciente, la couleur, le mouvement, la puissance et la force.

Wassily Kandinsky - Première aquarelle abstraite de Kandinsky, 1910, aquarelle, encre de Chine et crayon sur papier, 49,6 × 64,8 cm, Paris, Centre Georges Pompidou

La fin du commencement

Le travail de Pollock a en bien des façons tenu la promesse de l’abstraction : la libération totale de l’artiste des contraintes des attentes esthétiques. Peut-être aussi ses efforts ont-ils conduit à la fin logique de l’abstraction. Pollock mit en lumière l’importance de la texture, de la matérialité, du processus et de l’idée de voir une œuvre non pas comme une surface pour transmettre de l’art, mais comme une forme unifiée en soi. Bien que reflétés de manière primitive dans l’œuvre de Pollock, ces concepts sont essentiels au travail des minimalistes , qui remplacèrent les expressionnistes abstraits comme artistes les plus influents des années 1960. Comme Kandinsky, le membre principal du mouvement minimaliste, Donald Clarence Judd, était un théoricien et écrivain passionné d’art. Bien qu’il rejetât l’étiquette minimaliste, Judd devint le représentant des idées de réduction du langage visuel et de purification des concepts de forme et d’espace. Plutôt que de rejeter les références visuelles reconnaissables et la réalité objective, les artistes minimalistes comme Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt et Frank Stella se concentrèrent sur la forme, l’usage de couleurs vives et pures, la ligne nette, la texture minimale et la matérialité moderne. Plutôt que d’abstraire la réalité, les minimalistes manifestèrent les formes, couleurs, formes et lignes souvent explorées dans l’art abstrait, les habitant dans l’espace physique de manière figurative.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

Le nouveau nouveau

L’histoire de l’art abstrait est celle de la quête de liberté des artistes. Ce que cela signifie aujourd’hui, c’est que les artistes sont libres de s’exprimer comme bon leur semble, explorant la méthode qui les pousse. La beauté du style ouvert d’aujourd’hui est qu’un artiste peut utiliser le style, le médium ou la méthode qui conviennent le mieux à la réalisation d’une idée. Bien que le minimalisme ait pu reléguer l’art abstrait au second plan dans les années 1970, l’abstraction est revenue au premier plan dans la pratique de nombreux artistes. Les peintres abstraits contemporains bénéficient de la mentalité ouverte de leurs prédécesseurs. L’abstraction continue de nous relier à quelque chose que la réalité objective ne peut expliquer ; quelque chose de profond en nous qui dépasse la réalité visible.

Image en vedette : Wassily Kandinsky - Première aquarelle abstraite de Kandinsky, 1910, photo via Wikipedia

Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement

Par Phillip Barcio