Franz Kline et sa manière d'action painting

Et si, tout ce temps, nous n’étions pas censés interpréter les hiéroglyphes ? Et si ce n’étaient pas des symboles, mais simplement des formes esthétiques destinées à être appréciées comme de l’art ? Ils peuvent certainement être appréciés ainsi pour ceux d’entre nous qui ne peuvent pas les lire de toute façon. L’œuvre de Franz Kline représente un moment dans l’évolution de l’expressionnisme abstrait où une question similaire a été posée : l’interprétation était-elle nécessaire ou même possible avec certains arts abstraits ? La technique gestuelle emblématique de Kline, combinée à son usage de pinceaux ordinaires pour la maison, a donné des traces de pinceau qui, à première vue, ressemblent à celles faites par d’autres peintres d’action tels que Willem de Kooning et Jackson Pollock. Mais alors que ces peintres réalisaient des œuvres profondément ancrées dans un sens sous-jacent, Kline créait des œuvres qui ne faisaient référence qu’à elles-mêmes. Les coups de pinceau qu’il réalisait étaient, comme il l’expliquait, « sans lien avec aucune entité autre que leur propre existence. »

À la recherche de Franz Kline

S’il y avait un peintre qui aurait pu consacrer toute une vie à sonder les profondeurs de l’inconscient, c’était bien Franz Kline. La jeunesse de Kline fut marquée par la douleur. Son père est mort alors que Franz n’avait que sept ans, et sa mère l’a rapidement abandonné à un orphelinat avant de se remarier. Plus tard, la propre épouse de Franz a souffert de fréquentes crises de maladie mentale et a été hospitalisée à plusieurs reprises. Combinées au tumulte existentiel que le monde entier traversait dans les années 1940, les luttes personnelles de Kline faisaient de lui le représentant idéal des idées sur l’inconscient et la révélation mystique qui émergeaient au sein de la communauté expressionniste abstraite.

Franz Kline - Sans titre II, 1952, encre et huile sur pages découpées et collées de bottin téléphonique sur papier sur panneau, 28 x 23 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Comme beaucoup de ses contemporains, Kline a d’abord été formé comme peintre figuratif. Ses premières œuvres montrent une excellente maîtrise de la technique formelle et un talent avancé pour le dessin. Il est passé à l’abstraction après avoir lié connaissance avec des membres de l’École de New York, tels que Willem de Kooning, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Hans Hoffman et Philip Guston. Sous leur influence, Kline a resserré son champ d’exploration, étudiant la nature des coups de pinceau dans de grandes peintures d’action composées d’une palette simplifiée en noir et blanc. Mais un regard sur ses œuvres plus anciennes, bien que figuratives, comme Puppet in the Paint Box, révèle certains des mêmes coups de pinceau et une compréhension brute de la composition et de la couleur qui définissent le style abstrait qui l’a finalement rendu célèbre.

Franz Kline dans son atelier, 1954, en couverture du magazine LIFE avec deux de ses peintures emblématiques en noir et blanc. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Le lien minimaliste

Bien qu’il ait été ami avec, et soit encore aujourd’hui associé aux membres fondateurs des peintres de l’École de New York expressionniste abstraite, l’œuvre de Kline diffère de la leur d’une manière spécifique et importante. Alors que les autres expressionnistes abstraits exploraient leurs propres sentiments, intuitions et émotions inconscientes pour créer des œuvres profondément personnelles et pleines de sens cachés, Kline réalisait des œuvres qui portaient sur les qualités formelles de la peinture, telles que la peinture, le coup de pinceau, la composition et la couleur.

Franz Kline - Sans titre – Locomotive. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Il a emprunté la technique de peinture gestuelle mise au point par ses collègues expressionnistes abstraits, et avec elle a développé son propre style distinct, actif et physique. Mais il n’y avait ni mysticisme ni sens caché dans les peintures d’action emblématiques de Kline. De plus, ses compositions picturales n’étaient pas spontanées et instinctives comme celles de Pollock, mais plutôt planifiées à l’avance, souvent esquissées en détail sur des pages de vieux bottins téléphoniques.

Plutôt que d’expliquer ou d’analyser le contenu de ses œuvres, Kline encourageait les spectateurs à simplement interagir avec les marques et les compositions elles-mêmes, sans chercher de symbolisme ou de sens, mais en appréciant simplement les qualités formelles de l’art. Ces œuvres portaient entièrement sur l’appréciation esthétique singulière de ses coups de pinceau caractéristiques et de l’espace négatif environnant. Kline estimait que l’impact émotionnel de l’œuvre pouvait être ressenti entièrement par l’appréciation de ces qualités formelles, et insistait pour que ce soit là l’essentiel sur lequel se concentrer. Par ce style personnel, il est devenu une sorte de lien entre le mysticisme des expressionnistes abstraits et le formalisme adopté par les minimalistes.

Franz Kline - Sans titre – Fauteuil à bascule. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

La connexion de Kooning

L’histoire la plus souvent racontée sur l’évolution de Kline vers un maître de l’abstraction est la suivante : il réalisait déjà des peintures d’action gestuelles, bien que de petite taille. Ces pièces, telles que Sans titre – Locomotive et Sans titre – Fauteuil à bascule, toutes deux de 1946, contiennent tous les éléments bruts de traits, lignes, couleurs et composition qui allaient définir son style ultérieur. Selon la légende, l’ami de Kline, Willem de Kooning, l’a encouragé à projeter ces petites peintures en grande taille sur un mur, afin qu’il puisse simplement apprécier les coups de pinceau individuellement.

Franz Kline - Chef, 1950, huile sur toile, 148,3 x 186,7 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Comme toutes les histoires du monde de l’art, celle-ci a ses détracteurs. Qu’il s’agisse d’un mythe fondé sur des faits ou non importe peu. Il est évident d’après son travail à la fin des années 1940 que Kline s’orientait déjà vers l’isolement de la nature formelle et des caractéristiques de ses coups de pinceau. Que ce soit de Kooning qu’il ait reçu la recommandation de travailler en grand format, mettant ainsi les coups de pinceau en lumière monumentale, ou qu’il ait eu cette idée lui-même, cela importe peu. Quoi qu’il en soit, en 1950, il avait pleinement adopté l’idée de travailler en grand format. Cette année-là, il a reçu sa première exposition personnelle à la galerie Charles Egan de New York, qui l’a présenté, lui et ses peintures à grands coups de pinceau, telles que Chef, à l’Amérique.

Cy Twombly - Sans titre, 1951, peinture industrielle sur toile, 85 x 101 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Franz Kline, le professeur

Tout au long des années 1950, Kline est devenu plus célèbre et plus influent. Il a enseigné dans plusieurs institutions différentes durant cette période, notamment au Black Mountain College et à l’Institut Pratt de Brooklyn. Ce qui est le plus évident dans le travail de ses élèves est leur volonté d’explorer leur propre relation au geste, à la marque et à la physicalité. L’un des élèves les plus célèbres de Kline fut le peintre abstrait Cy Twombly, qui étudia sous Kline en 1951 à Black Mountain. Le style emblématique de Twombly est une forme très personnelle de peinture d’action profondément influencée par la technique de Kline.

Franz Kline - King Oliver, 1958, huile sur toile, 251,4 x 196,8 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

À la fin des années 1950, Kline a élargi sa palette de couleurs. Dans des œuvres telles que King Oliver, peint en 1958, son style personnel emblématique est toujours évident, tout comme ses coups de pinceau gestuels. Mais la palette de couleurs élargie ajoute de nouvelles dimensions à l’œuvre qui détournent l’attention des qualités des marques vers un examen plus profond des autres qualités formelles de la peinture. Kline a acquis une renommée internationale à cette période de sa vie grâce à l’inclusion de ses œuvres dans une exposition itinérante organisée par le MoMA de New York intitulée The New American Painting, qui a tourné en Europe en 1958.

Franz Kline est mort subitement en 1962 d’une insuffisance cardiaque. Bien qu’il n’ait jamais vécu l’épanouissement complet de mouvements tels que le minimalisme et l’abstraction post-picturale, son attention portée aux qualités formelles de la marque expressionniste abstraite a certainement conduit à leur développement intellectuel et à leur succès critique. À travers les œuvres emblématiques de Kline, nous voyons se former un pont conceptuel. Son travail d’artiste et d’enseignant a encouragé beaucoup dans sa propre génération et les suivantes à considérer les peintures comme des objets plutôt que comme des moyens ou des intermédiaires vers des expériences transcendantes, et a aidé le modernisme de la fin du XXe siècle dans sa quête d’invention et de liberté.

Image en vedette : Franz Kline - Puppet in the Paint Box, 1940, huile sur panneau de toile, 36 x 46 cm.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio