Comment Ad Reinhardt nous a appris à regarder l’art moderne

Que signifie être puriste ? Est-ce comme avoir l'esprit fermé ? Ou la quête de la pureté est-elle intrinsèquement noble, comme la poursuite de la perfection ? Pour l'artiste abstrait américain Ad Reinhardt, la pureté était essentielle aux beaux-arts. Dans son essai de 1953, « Douze règles pour une nouvelle académie », Reinhardt a défini les beaux-arts comme « l'art vidé et purifié de tout autre que l'art. significations. » Il a poursuivi en expliquant que « Plus une peinture a d’usages, de relations et d’« ajouts », moins elle est pure. Plus il y a de choses à l’intérieur, plus l’œuvre d’art est occupée, pire elle est. "Plus c'est moins". Cela peut ressembler à une déclaration étrange de la part d'un peintre associé aux expressionnistes abstraits, des artistes qui mettent définitivement plus sur leurs toiles, pas moins. Mais bien que Reinhardt ait commencé sa carrière en peignant des toiles expressives et dynamiques, sa quête de pureté a radicalement modifié son approche au fil du temps. Il a tellement réduit le contenu de ses peintures au cours de sa carrière que dans les dernières années de sa vie, il a peint uniquement avec la couleur noire. À sa mort en 1967, il était si confiant dans la pureté de ses efforts qu'il proclama qu'il avait peint les derniers tableaux dont on avait jamais besoin.

L'art rendu raffiné

La quête de pureté pourrait sembler mieux adaptée à un monastère qu’à un atelier d’art. Mais Ad Reinhardt était autant un philosophe qu’un artiste. Et l’un de ses meilleurs amis était en fait moine dans un monastère. Reinhardt échangeait régulièrement des lettres avec lui, échangeant de manière fantaisiste des points de vue sur la nature de la vie et de l'art. Durant ses études supérieures, Reinhardt a étudié l'histoire de l'art, un sujet qu'il connaissait peut-être mieux que tout autre artiste de sa génération. Peut-être que son intérêt pour la découverte de la manifestation ultime de la pureté dans l’art était autant lié à sa curiosité intellectuelle et spirituelle qu’à son désir de définir sa propre pertinence dans le continuum de l’histoire de l’art.

Lorsqu'il a commencé à exposer ses peintures à New York dans les années 1940, celles-ci étaient en accord avec le style dominant émergent de l'époque, l'Expressionnisme Abstrait. Elles étaient picturales, gestuelles, pleines de couleurs vives et vivantes avec des marques abstraites. Moins d'une décennie plus tard, il a passionnément renié toutes ces choses, publiant un manifeste dogmatique, presque comiquement spécifique, souvent contradictoire, décrivant la méthode précise de création de peintures pures et modernes : des peintures qui, soit dit en passant, n'étaient rien comme ses propres œuvres précoces. Si cela semble paradoxal, il est utile de se rappeler les propres mots célèbres de Reinhardt : « L'art est trop sérieux pour être pris au sérieux. »

Ad Reinhardt - Peinture abstraite, 1960. Huile sur toile. © 2018 Succession Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Démanteler l'avant-garde

Pour comprendre le climat culturel dans lequel Reinhardt a travaillé, il est utile de revenir sur l'histoire du Modernisme. Avant la Seconde Guerre mondiale, presque tous les mouvements d'art avant-gardistes ont vu le jour en dehors de l'Amérique. Après la Seconde Guerre mondiale, l'Amérique a donné naissance à certains des mouvements modernistes les plus influents du siècle, y compris l'Expressionnisme Abstrait, le Minimalisme et le Post-Expressionnisme. Que s'est-il passé pour précipiter ce changement dans l'influence de l'art américain ? Cela avait plus à voir avec la politique qu'avec l'art.

À la suite de la Révolution allemande au lendemain de la Première Guerre mondiale, un gouvernement représentatif est arrivé au pouvoir en Allemagne, appelé la République de Weimer. Ce gouvernement démocratiquement élu a institué de vastes réformes sociales, politiques et économiques qui ont conduit à de vastes changements culturels dans toute l'Allemagne. C’est dans cet environnement transformateur que le modernisme allemand a prospéré. Le Bauhaus a été créé la même année que la République de Weimer et dans la même ville, et au cours des 14 années suivantes, l'Allemagne est devenue une force progressiste de premier plan dans le domaine des arts.

Ad Reinhardt - Collage de papier journal, 1940. Papier imprimé découpé et collé et papier noir sur carton. 15 7/8 x 20 po (40,6 x 50,8 cm). Collection du MoMA. © 2018 Succession Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York  

Le côté obscur du purisme

Lorsque la bourse s’est effondrée en 1929, l’Allemagne, comme la plupart des autres pays occidentaux, a vu son économie s’effondrer. La dépression mondiale qui a suivi a provoqué beaucoup de frustration dans la vie des travailleurs ordinaires. Lorsque le régime nazi est arrivé au pouvoir en Allemagne en 1933, c’était sous couvert de redonner à l’Allemagne sa grandeur historique et d’inverser les tendances du passé récent. L’une des premières actions du parti nazi a été d’exercer une influence sur la culture allemande. L'art moderne était une cible clé.

Dirigés par Adolf Hitler, les nazis ont développé un concept d’art pur allemand. Il ne comprenait que l’art traditionnel et classique qui adhérait à leur définition de l’identité raciale et nationaliste. Tout art en dehors de cette définition était qualifié de dégénéré. C’est ainsi qu’a commencé un exode d’artistes d’avant-garde d’Allemagne. Et à mesure que l’influence nazie s’étendait au-delà de l’Allemagne, les artistes modernes de toute l’Europe se sont également retrouvés soumis aux mêmes persécutions.

Ad Reinhardt - Étude pour un tableau, 1938. Gouache sur papier. 4 x 5 po (10,2 x 12,8 cm). Collection du MoMA. © 2018 Succession Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Réassembler l'avant-garde

Tout au long des années 1930 et au début des années 1940, tout artiste moderne européen disposant des moyens a trouvé un moyen de partir à l'étranger. En tant qu'une des seules capitales mondiales non assiégées par les puissances fascistes, New York est devenue un phare pour les artistes avant-gardistes du monde entier. Ces artistes nouvellement arrivés se mêlaient à la scène artistique abstraite déjà vibrante de New York, qui comprenait des artistes nés américains comme Jackson Pollock ainsi que des artistes comme Willem de Kooning et Arshile Gorky qui y avaient immigré après la Première Guerre mondiale. De cette culture ont émergé les premiers mouvements d'art moderniste américains.

Ad Reinhardt a atteint sa maturité artistique en tant que membre de cette génération d'artistes avant-gardistes new-yorkais d'après-guerre. Il était pleinement engagé dans le mélange vibrant de conversations politiques, philosophiques, sociales et culturelles qui avaient lieu dans cette communauté internationale et diversifiée. Il a participé à des manifestations et a pris part à la scène de toutes les manières imaginables. Mais il était en désaccord avec ses contemporains d'une manière fondamentale. Alors qu'ils considéraient leurs vies et leur art comme un tout indissociable, Reinhardt croyait que c'était le mauvais chemin. Comme il le disait : “L'art est l'art. La vie est la vie.”

Ad Reinhardt - Étude pour un tableau, 1939. Gouache sur papier. 3 7/8 x 4 7/8 po (10 x 12,5 cm). Collection du MoMA. © 2018 Succession Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Recherche de l'invariant

Afin d'éloigner son œuvre de celle de ses contemporains, Reinhardt a formulé une idée de « l'objet éclairé », une œuvre d'art qui ne faisait référence à aucune chose extérieure, à aucune idée extérieure, mais existait simplement comme un exemple singulier de son soi pur. L’objet éclairé était une forme de ce qu’un spiritualiste pourrait appeler « l’invariant », le grand ultime, la substance immuable qui, même au milieu d’une transformation, ne se transforme pas. Essentiellement, il recherchait la version artistique de Dieu.

Reinhardt a recherché l'invariant par la négation, ce qui signifie qu'au lieu de définir ce qu'est l'art pur, il a défini ce que l'art pur n'est pas. Ses 12 règles pour une nouvelle académie, publiées en 1953, contenaient sa liste de négations, formulées comme des règles sur la manière d'arriver à l'art pur. Ces règles incluaient : Pas de réalisme, pas d'impressionnisme, pas d'expressionnisme, pas de sculpture, pas de plasticisme, pas de collage, pas d'architecture, pas de décoration, pas de texture, pas de pinceau, pas d'idées de croquis préalables, pas de formes, pas de design, pas de couleurs, pas de lumière. , pas d'espace, pas de temps, pas de taille, pas de mouvement, pas de sujet, pas de symboles, pas d'images et pas de plaisir. Il a ajouté : « Extérieurement, tenez-vous à l’écart de toutes relations, et intérieurement, n’ayez aucune envie dans votre cœur. »

Ad Reinhardt - Collage de papier, 1939. Musée Hirshhorn et jardin de sculptures, Washington DC. © 2018 Succession Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Changer avec le changement

Il est essentiel de garder à l'esprit en lisant 12 règles pour une nouvelle académie que Reinhardt a travaillé comme auteur de comédie à l'université et qu'il était également une personne spirituelle et philosophique. Il avait un esprit vif et parlait souvent intentionnellement dans des déclarations paradoxales. Même s’il croyait que toutes ses règles pouvaient être suivies individuellement, il devait sûrement aussi savoir que les suivre toutes simultanément signifiait que certaines seraient violées.

Par exemple, en ce qui concerne les Peintures Noires qu'il a passées les 12 dernières années de sa vie à peindre, il les a qualifiées de, "Une icône libre, non manipulée, non manipulable, inutile, non commercialisable, irréductible, non photographiable, non reproductible, inexplicable." Mais elles n'étaient pas libres ; elles étaient le produit d'un système idéologique et dogmatique. Quant à être non photographiables et non commercialisables, elles se sont en fait rapidement vendues et continuent d'être mises en vente régulièrement aux enchères aujourd'hui, avec de belles photographies incluses dans les catalogues. Reinhardt faisait-il une blague ? Ou faisait-il une déclaration plus profonde sur les complexités de la création et de la discussion autour de l'art abstrait ?

Ad Reinhardt - Sans titre, 1947. Huile sur toile. Galerie nationale d'art, Washington DC. © 2018 Succession Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

L'état immuable

Comprendre Reinhardt, c'est comprendre sa culture. Reinhardt faisait partie d'une scène artistique dominée par un travail passionné, émotionnel, personnel et pictural. Sa réponse a été de plaider pour son contraire. Lorsque les artistes militent avec passion pour la réintégration de l’art dans la vie quotidienne, Reinhardt insiste sur le fait que l’art et la vie sont séparés. Il prétendait avoir peint les derniers tableaux, mais en tant qu'historien de l'art, il savait que la fin de la peinture ne viendrait jamais tant qu'il y aurait des artistes prêts à peindre.

Une certaine compréhension d'Ad Reinhardt se trouve dans cette citation de Bruce Lee : « Changer avec le changement est l'état immuable ». En offrant une alternative aux tendances dominantes du moment, Reinhardt a assuré que l'histoire de l'art continuerait. Comme le Carré noir de Kasimir Malevich, les Peintures noires d'Ad Reinhardt n'ont pas mis fin à la peinture, mais ont plutôt fait avancer le continuum. En étant dogmatique, il n'insistait pas sur le fait qu'il n'y avait qu'une seule façon, il offrait un cadeau à la prochaine génération : un ennemi contre lequel travailler : un puriste à résister et une idéologie à défier.

Image en vedette : Ad Reinhardt - Numéro 6, 1946. Huile sur masonite. © 2018 Succession Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio