À Dubaï, une exposition célébrant les maîtres de l’art moderne indien

Une exposition actuellement visible à Dubaï offre un aperçu rare de certaines des voix majeures de l'art moderne indien. Elle met en lumière une histoire régionale qui est vaste et complexe ; une histoire qui a parfois été mal documentée et qui est donc encore en cours d'écriture. Et elle montre qu'il n'y a pas eu, en fait, une seule histoire moderniste en Inde, mais plutôt une multitude d'histoires. Le titre de cette exposition, Le Singulier et Le Pluriel, rend hommage à cette réalité. De nombreux visiteurs assistant à cette exposition viendront avec une idée préconçue sur la nature de l'art indien. Des sites rocheux mésolithiques indiquent que le sous-continent indien a été peuplé par des humains créant de l'art depuis plus de 30 000 ans. Mais la nation moderne que nous appelons l'Inde—la plus grande démocratie du monde, avec une population plus importante que celle de l'Europe et des États-Unis réunis—n'a eu que 70 ans l'année dernière. Le modernisme indien a émergé d'un processus de découverte de soi et d'expérimentation, qui a lutté avec ces racines ancestrales bien connues, mais a également traité des influences coloniales et des questions sur ce que pourrait être l'avenir de l'art indien. Plusieurs mouvements d'art moderne indien sont explorés dans l'exposition, y compris l'École de Bengal, le Groupe de Calcutta et le Groupe des Artistes Progressistes. Chacun de ces groupes a poursuivi une position esthétique unique. Le Singulier et Le Pluriel les rassemble, ainsi que de nombreux autres artistes modernes indiens qui ont formulé leur propre vision idiosyncratique. Elle présente une déclaration convaincante sur les nombreuses trajectoires que ces artistes ont tracées dans leur effort pour développer un nouveau vocabulaire visuel indien. Elle montre comment ils ont été influencés par le monde extérieur et par leur propre passé, tout en révélant comment ils ont ouvert des portes à de nouvelles potentialités grâce à l'expérimentation.

Une culture de résistance

En tant que l’une des civilisations les plus anciennes de la planète, l’Inde a été subtilement influencée par de nombreuses forces extérieures au fil des siècles. Néanmoins, tout au long de l’histoire, l’art et la culture indienne ont développé et conservé un caractère distinct. Mais tout a commencé à changer au milieu du XVIIIe siècle, lorsque la puissance coloniale européenne s’est affirmée de façon spectaculaire dans la région, exerçant une pression sur tous les aspects de la vie indienne, de la nourriture à l’architecture en passant par l’art. Mais tout au long de la période coloniale, une culture de résistance est restée fidèle aux anciennes traditions autochtones. C'est là que commence cette exposition. C’est ce qui était au cœur des efforts de l’École du Bengale, un groupe d’artistes qui, des décennies avant l’indépendance de l’Inde, ont commencé à se poser des questions sur la manière d’exprimer la condition culturelle indienne moderne.

Leur enquête a commencé avec la peinture moghole, un type d’art figuratif miniature qui remonte juste avant l’époque de l’influence coloniale. Des artistes tels qu’Abanindranath Tagore et Nandlal Bose se sont réappropriés ce style d’art, et ils l’ont fait des décennies avant l’indépendance, devenant ainsi parmi les premiers à rejeter les enseignements occidentaux répandus dans les écoles d’art indiennes au début du XXe siècle. Bien que rappelant le passé, leur travail était avant-gardiste, car il rejetait le statu quo. Ils furent bientôt suivis par le Groupe de Calcutta, qui embrassait également l’idée de résistance. Les artistes de ce groupe, tels que Nirode Mazumdar et Paritosh Sen, sont allés au-delà du rejet de la culture européenne et ont également rejeté les sujets religieux et l'imagerie purement figurative. Au début, ils ont été largement rejetés comme scandaleux, mais lorsque l’indépendance est arrivée, leur influence sur le modernisme indien a été profonde.

M. F. Husain - Vision for Abu Dhabi Museum, 2008, Acrylic on canvas

Expériences visuelles

En 1947, le Groupe des Artistes Progressistes a été formé. Basé principalement à Bombay, ce groupe a absorbé les philosophies de leurs prédécesseurs - embrassant l'histoire indienne, tout en plaidant pour plus de liberté esthétique. Mais ils ont également ouvert leur esprit à l'exploration des idées d'artistes internationaux. Les peintures de Ganesh Pyne parlent dans une conversation troublante avec le Surréalisme, bien qu'elles soient distinctement fidèles à la culture indienne. Les peintures colorées et abstraites de S. H. Raza ont évolué au fil des décennies pour employer une gamme de langages visuels, de L'Abstraction Lyricale, au Suprématisme jusqu'à l'Orphisme. Pendant ce temps, M. F. Husain a clairement été influencé par Picasso ; Sanat Kar a été inspiré par le Néo-Classicisme ; et F. N. Souza a développé une variation expressivement unique de l'Art Brut.

Cependant, plusieurs artistes de cette exposition se distinguent par leurs voix visuelles confiantes et idiosyncrasiques. Les couleurs et formes abstraites et oniriques de l’œuvre de Vasudeo S. Gaitonde sont transcendantes. Les compositions abstraites biomorphiques de Jeram Patel se déclarent essentiellement indiennes, mais universellement sublimes. Les peintures abstraites fantastiques de Krishna Reddy sont d’une vie rafraîchissante et ne ressemblent à rien de ce que j’ai vu auparavant. Et puis il y a les coloristes : Jagdish Swaminathan, dont les images fantaisistes élèvent la couleur à des sommets d'extase tout en apaisant l'âme avec simplicité ; et Sohan Qadri, dont le travail intensément dramatique remet en question la perception visuelle.

Krishen Khanna - Untitled, Oil on canvas, 91 x 61 cm

Le mythe de la singularité

Ce qui ressort le plus clairement de cette exposition, c’est qu’il n’existe pas de style unique dans l’art indien moderne. Mais là encore, il n’y a pas un seul artiste dans cette exposition dont le travail ne s’engage d’une manière ou d’une autre, que ce soit de manière figurative, formelle ou abstraite, avec l’héritage indien commun que partagent tous ces artistes. Leur travail est en quelque sorte aussi distinctement indien que le travail des peintres de l’école de New York est distinctement américain. Ou peut-être est-ce une perception que je donne à l’œuvre, qui ne serait pas évidente sans ma conscience préexistante de l’objectif de l’exposition.

Dans tous les cas, je pense que ce spectacle est une révélation. Il dissipe les notions d'idéologie et invite à une célébration de l'ouverture. Il me rappelle que la singularité dans la culture est un mythe ; qu'il n'y a pas une histoire de l'Inde, ni une histoire de l'Europe, ni une histoire de l'Amérique. Il n'y a pas non plus une histoire de l'abstraction, ni une histoire du Modernisme. Toute l'histoire est racontée en multiples. Le Singulier et Le Pluriel est exposé à 1x1 Gallery, dans le complexe artistique d'Alserkal Avenue à Dubaï, jusqu'au 28 février 2018.

M. F. Husain - Untitled, Oil on canvas, 122 x 145 cm, Circa 1970s

Image en vedette : SH Raza - Bindu,1999, Acrylique sur toile

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio