À Dubaï, une exposition célébrant les maîtres de l’art moderne indien

Une exposition actuellement visible à Dubaï offre un rare aperçu de certaines des voix majeures de l'art moderne indien. Elle éclaire une histoire régionale vaste et complexe ; une histoire parfois mal documentée, et qui est donc encore en train de s’écrire. Elle montre aussi qu’il n’y a pas eu, en réalité, une seule histoire moderniste en Inde, mais plutôt une multitude d’histoires. Le titre de cette exposition, Le Singulier et le Pluriel, rend hommage à cette réalité. Nombre de visiteurs venant voir cette exposition auront une idée préconçue sur la nature de l’art indien. Des sites rupestres mésolithiques indiquent que le sous-continent indien est habité par des humains créant de l’art depuis plus de 30 000 ans. Mais la nation moderne que nous appelons Inde — la plus grande démocratie du monde, avec une population plus importante que celle de l’Europe et des États-Unis réunis — n’a fêté ses 70 ans que l’an dernier. Le modernisme indien est né d’un processus de découverte de soi et d’expérimentation, qui a affronté ces racines ancestrales bien connues, mais aussi traité des influences coloniales et des questions sur ce que pourrait être l’avenir de l’art indien. Plusieurs mouvements d’art moderne indien sont explorés dans l’exposition, notamment l’École du Bengale, le Groupe de Calcutta et le Groupe des Artistes Progressistes. Chacun de ces groupes a suivi une position esthétique unique. Le Singulier et le Pluriel les rassemble, ainsi que de nombreux autres artistes modernes indiens qui ont formulé leur propre vision singulière. Il présente une déclaration convaincante sur les nombreuses trajectoires que ces artistes ont tracées dans leur effort pour développer un nouveau vocabulaire visuel indien. Il montre comment ils ont été influencés par le monde extérieur et par leur propre passé, tout en révélant comment ils ont ouvert des portes à de nouvelles potentialités par l’expérimentation.

Une culture de résistance

En tant que l’une des civilisations les plus anciennes de la terre, l’Inde a été subtilement influencée par de nombreuses forces extérieures au fil des siècles. Néanmoins, pendant la majeure partie de son histoire, l’art et la culture indiens ont développé et maintenu un caractère distinct. Mais tout cela a commencé à changer au milieu du XVIIIe siècle, lorsque la puissance coloniale européenne s’est imposée de manière spectaculaire dans la région, exerçant une pression sur tous les aspects de la vie indienne, de la nourriture à l’architecture en passant par l’art. Mais tout au long de la période coloniale, une culture de résistance est restée, qui s’est accrochée fermement aux anciennes traditions indigènes. C’est là que commence cette exposition. C’est ce qui était au cœur des efforts de l’École du Bengale — un groupe d’artistes qui, des décennies avant l’indépendance de l’Inde, ont commencé à se poser des questions sur la manière d’exprimer la condition culturelle moderne indienne.

Leur recherche a commencé avec la peinture moghole, un type d’art miniature figuratif qui remonte à juste avant l’époque de l’influence coloniale. Des artistes tels qu’Abanindranath Tagore et Nandlal Bose ont repris ce style d’art, et ce, des décennies avant l’Indépendance, devenant parmi les premiers à rejeter les enseignements occidentaux prédominants dans les écoles d’art indiennes au début du XXe siècle. Bien que leur travail se réfère au passé, il était avant-gardiste, car il rejetait le statu quo. Ils ont rapidement été suivis par le Groupe de Calcutta, qui a également adopté l’idée de résistance. Les artistes de ce groupe, tels que Nirode Mazumdar et Paritosh Sen, sont allés au-delà du rejet de la culture européenne, rejetant aussi les sujets religieux et les images purement figuratives. Ils ont d’abord été largement rejetés comme scandaleux, mais lorsque l’Indépendance est arrivée, leur influence sur le modernisme indien a été profonde.

M. F. Husain - Vision pour le Musée d’Abu Dhabi, 2008, Acrylique sur toile

Expériences visuelles

En 1947, le Groupe des Artistes Progressistes a été formé. Basé principalement à Bombay, ce groupe a absorbé les philosophies de ses deux prédécesseurs — embrassant l’histoire indienne, tout en prônant une plus grande liberté esthétique. Mais ils ont aussi ouvert leur esprit à l’exploration des idées d’artistes internationaux. Les peintures de Ganesh Pyne dialoguent de manière obsédante avec le surréalisme, bien qu’elles restent distinctement fidèles à la culture indienne. Les peintures colorées et abstraites de S. H. Raza ont évolué au fil des décennies pour employer une gamme de langages visuels, allant de l’abstraction lyrique, au suprématisme jusqu’à l’orphisme. Pendant ce temps, M. F. Husain a clairement été influencé par Picasso ; Sanat Kar s’est inspiré du néoclassicisme ; et F. N. Souza a développé une variation expressivement unique de l’art brut.

Cependant, plusieurs artistes de cette exposition se distinguent par leurs voix visuelles assurées et singulières. Les couleurs et formes abstraites et oniriques dans l’œuvre de Vasudeo S. Gaitonde sont transcendantes. Les compositions abstraites biomorphiques de Jeram Patel s’affirment comme essentiellement indiennes, mais universellement sublimes. Les peintures abstraites fantastiques de Krishna Reddy sont d’une vitalité rafraîchissante, et différentes de tout ce que j’ai vu auparavant. Et puis il y a les coloristes : Jagdish Swaminathan, dont les images fantaisistes élèvent la couleur à des sommets d’extase tout en apaisant l’âme par leur simplicité ; et Sohan Qadri, dont l’œuvre intensément dramatique défie la perception visuelle.

Krishen Khanna - Sans titre, Huile sur toile, 91 x 61 cm

Le mythe de la singularité

Ce qui est le plus évident tout au long de cette exposition, c’est qu’il n’existe pas de style unique d’art moderne indien. Mais d’un autre côté, il n’y a pas non plus un artiste dans cette exposition dont l’œuvre ne s’engage pas, d’une manière ou d’une autre, que ce soit de façon figurative, formelle ou abstraite, avec l’héritage commun indien que tous ces artistes partagent. Leur travail est d’une certaine façon aussi distinctement indien que le travail des peintres de l’École de New York est distinctement américain. Ou peut-être est-ce une perception que j’impose à l’œuvre, qui ne serait pas évidente sans ma connaissance préalable du thème de l’exposition.

Quoi qu’il en soit, je trouve que cette exposition est une révélation. Elle dissipe les notions d’idéologie et invite à une célébration de l’ouverture. Elle me rappelle que la singularité en culture est un mythe ; qu’il n’y a pas une histoire de l’Inde, ni une histoire de l’Europe, ni une histoire de l’Amérique. Il n’y a pas non plus une histoire de l’abstraction, ni une histoire du modernisme. Toute histoire se raconte au pluriel. Le Singulier et le Pluriel est visible à la Galerie 1x1, au complexe artistique Alserkal Avenue à Dubaï, jusqu’au 28 février 2018.

M. F. Husain - Sans titre, Huile sur toile, 122 x 145 cm, vers les années 1970

Image en vedette : SH Raza - Bindu, 1999, Acrylique sur toile

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement

Par Phillip Barcio