Définir l'abstraction lyrique

Lyrical Abstraction est un terme apparemment auto-définissant, et pourtant son origine et sa signification ont été débattues pendant des générations. Le collectionneur d'art américain Larry Aldrich a utilisé ce terme en 1969 pour définir la nature de diverses œuvres qu'il avait récemment acquises et qui, selon lui, signalaient un retour à l'expression personnelle et à l'expérimentation après le Minimalisme. Mais le critique d'art français Jean José Marchand a utilisé une variante du terme, Abstraction Lyrique, des décennies plus tôt, en 1947, pour désigner une tendance européenne émergente en peinture similaire à l'Expressionnisme Abstrait aux États-Unis. Les deux usages du terme désignaient un art caractérisé par des compositions libres, émouvantes, personnelles, sans lien avec la réalité objective. Mais ces tendances remontent encore plus loin, au moins à la première décennie du XXe siècle et au travail de Wassily Kandinsky. Pour découvrir les véritables racines et la signification de l'Abstraction Lyrique, et comprendre comment interagir avec ses tendances en art, il faut se tourner vers les premiers jours de l'art abstrait.

Mettre le lyrique dans l’Abstraction lyrique

Dans les années 1910, plusieurs groupes d’artistes différents flirtèrent avec l’abstraction, chacun selon une perspective unique. Les artistes cubistes et futuristes travaillaient avec des images du monde réel qu’ils modifiaient de manière conceptuelle pour exprimer des idées abstraites. Les artistes suprématistes et constructivistes utilisaient des formes reconnaissables dans leur art, mais de façon ambiguë ou symbolique, ou pour tenter de transmettre des universalités. Mais un autre groupe d’artistes abordait l’abstraction d’une perspective complètement différente des autres.

Illustré par Wassily Kandinsky, ce groupe abordait l’abstraction en partant du principe qu’ils ne savaient pas quelle signification pouvait se trouver dans ce qu’ils peignaient. Ils espéraient qu’en peignant simplement librement, sans idées préconçues sur l’esthétique ou le monde objectif, quelque chose d’inconnu pourrait s’exprimer à travers leur œuvre. Kandinsky comparait ses peintures à des compositions musicales, qui communiquaient l’émotion de manière totalement abstraite. Ses peintures abstraites étaient imaginatives, émouvantes, expressives, personnelles, passionnées et entièrement subjectives ; en d’autres termes, lyriques.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Huile sur toile. 195,0 × 300,0 cm (76,8 × 118,1"). Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg

L’Abstraction lyrique d’après-guerre

L’Abstraction lyrique de Kandinsky contrastait avec beaucoup d’autres tendances de l’art abstrait des années 1920 et 1930. Son art n’était pas spécifiquement associé à une religion, mais il y avait quelque chose de manifestement spirituel. D’autres artistes liés à des styles comme De Stijl, l’Art Concret et le Surréalisme réalisaient un art laïque qui se prêtait à une interprétation objective et académique. Kandinsky cherchait quelque chose qui ne pourrait jamais être entièrement défini ou expliqué. Il exprimait sa connexion personnelle avec les mystères de l’univers de manière ouverte. C’était comme s’il avait inventé une sorte d’existentialisme spirituel.

L’existentialisme est une philosophie qui a pris de l’importance après la Seconde Guerre mondiale, lorsque les gens peinaient à comprendre ce qu’ils percevaient comme le non-sens de la vie. Les penseurs critiques ne pouvaient croire qu’une puissance supérieure puisse exister et permettre le genre de destruction qu’ils venaient de voir. Mais plutôt que de devenir nihilistes face à l’absence apparente de dieu, les existentialistes tentèrent de surmonter ce non-sens global de la vie en cherchant un sens personnel. Comme l’écrivait l’auteur existentialiste Jean-Paul Sartre dans son livre L’Être et le Néant en 1943, « L’homme est condamné à être libre ; il est responsable de tout ce qu’il fait. » La recherche de ce qui est essentiellement personnel était primordiale pour l’existentialisme, et aussi pour la réapparition généralisée de l’Abstraction lyrique après la Seconde Guerre mondiale.

Wassily Kandinsky - Le Jugement dernier, 1912. Collection privée

Sous d’autres noms

Durant les années 1940 et 1950, de nombreux mouvements d’art abstrait émergèrent qui, d’une manière ou d’une autre, impliquaient tous l’expression personnelle subjective comme fondement pour exprimer le sens en art. L’Abstraction Lyrique, l’Art Informel, le Tachisme, l’Art Brut, l’Expressionnisme Abstrait, l’art des champs de couleur, et même l’art conceptuel et l’art de la performance, pouvaient tous, dans une certaine mesure, être rattachés à cette même quête existentielle générale. L’un des critiques d’art les plus influents de cette époque, Harold Rosenberg, l’avait compris quand il écrivait, « Aujourd’hui, chaque artiste doit entreprendre de s’inventer lui-même... Le sens de l’art à notre époque découle de cette fonction d’auto-création. »

Mais à mesure que la culture changeait avec la génération suivante, beaucoup de ces tendances existentielles en art tombèrent en désuétude. Et une fois de plus, une approche géométrique, concrète et sans émotion de l’art abstrait, incarnée par le Minimalisme, prit leur place. Mais tous les artistes n’abandonnèrent pas la tradition lyrique. À la fin des années 1960, la tendance s’inversa à nouveau. Comme l’a souligné Larry Aldrich, qui a redonné vie au terme Lyrical Abstraction en 1969, « Au début de la dernière saison, il est devenu évident qu’en peinture, on s’éloignait du géométrique, du contour net et du minimalisme, pour aller vers des abstractions plus lyriques, sensuelles, romantiques, aux couleurs plus douces et plus vibrantes… Le toucher de l’artiste est toujours visible dans ce type de peinture, même lorsque les œuvres sont réalisées avec des pistolets à peinture, des éponges ou d’autres objets. »

Jean-Paul Riopelle - Composition, huile sur toile, 1954. © Jean-Paul Riopelle

L’Abstraction lyrique contemporaine

Il est évident que, comme c’est souvent le cas avec les mouvements artistiques, les tendances qui définissent l’Abstraction lyrique ont précédé la création du terme. Dans les premières décennies du XXe siècle, des artistes comme Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee et Wols incarnèrent d’abord les tendances lyriques dans l’abstraction. Et des décennies plus tard, des artistes comme Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages et Joan Mitchell les portèrent ensuite. Puis, à la fin des années 1960 et dans les années 1970, des artistes comme Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko et des dizaines d’autres revitalisèrent et élargirent la portée de cette position.

En 2015, l’une des voix les plus fascinantes de l’Abstraction lyrique contemporaine, l’artiste espagnol Laurent Jiménez-Balaguer, s’est éteinte. Mais ses concepts, théories et techniques continuent de se manifester puissamment aujourd’hui dans le travail d’artistes tels que Margaret Neill, dont les compositions instinctives de lignes lyriques et entrelacées invitent le spectateur à une participation subjective de sens personnel, et celui d’Ellen Priest, dont l’œuvre fait vivre sa conversation esthétique personnelle, continue et de longue date, avec la musique jazz. Ce qui unit tous ces artistes dans un lien commun est la quête fondamentale de l’Abstraction lyrique : exprimer quelque chose de personnel, subjectif et émouvant, et le faire de manière poétique et abstraite.

Ellen Priest - Étude de danse du dauphin 15.

Image en vedette : Margaret Neil - Switchback (détail).
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio