Définir l'abstraction lyrique

Abstraction lyrique est un terme apparemment auto-définitif, et pourtant, depuis des générations, son origine et sa signification font l'objet de débats. Le collectionneur d'art américain Larry Aldrich a utilisé ce terme en 1969 pour définir la nature de diverses œuvres qu'il avait récemment collectionnées et qui, selon lui, marquaient un retour à l'expression personnelle et à l'expérimentation après le minimalisme. Mais le critique d'art français Jean José Marchand a utilisé une variante du terme, Abstraction Lyrique, des décennies plus tôt, en 1947, pour faire référence à une tendance européenne émergente en matière de peinture, similaire à l'expressionnisme abstrait aux États-Unis. Les deux utilisations du terme faisaient référence à un art caractérisé par des compositions libres, émotives et personnelles sans rapport avec la réalité objective. Mais ces tendances remontent encore plus loin, au moins jusqu’à la première décennie du XXe siècle et aux travaux de Vassily Kandinsky. Pour découvrir les véritables racines et le sens de l’abstraction lyrique, et comprendre comment interagir avec ses tendances artistiques, nous devons nous tourner vers les premiers jours de l’art abstrait.

Mettre le lyrique dans l'abstraction lyrique

Dans les années 1910, plusieurs groupes différents d'artistes flirtaient avec l'abstraction, chacun d'un point de vue unique. Les artistes cubistes et futuristes travaillaient avec des images du monde réel et les modifiaient de manière conceptuelle pour exprimer des idées abstraites. Les artistes suprématistes et constructivistes utilisaient des formes reconnaissables dans leur art, mais les employaient de manière ambiguë ou symbolique, ou d'une manière qui tentait de transmettre des universalités. Mais un autre groupe d'artistes abordait l'abstraction d'une perspective complètement différente de celle des autres.

Incarné par Vassily Kandinsky, ce groupe a abordé l'abstraction dans la perspective qu'il ne savait pas quel sens pouvait avoir ce qu'il peignait. Ils espéraient qu'en peignant simplement librement, sans notions préconçues d'esthétique ou de monde objectif, quelque chose d'inconnu pourrait s'exprimer à travers leur travail. Kandinsky comparait ses peintures à des compositions musicales qui communiquaient des émotions de manière complètement abstraite. Ses peintures abstraites étaient imaginatives, émotives, expressives, personnelles, passionnées et complètement subjectives ; en d'autres termes, lyrique.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Oil on canvas. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Hermitage Museum, Saint Petersburg

Abstraction lyrique d'après-guerre

L’abstraction lyrique de Kandinsky contrastait avec de nombreuses autres tendances de l’art abstrait des années 1920 et 1930. Son art n’était spécifiquement associé à aucune religion, mais il avait quelque chose de ouvertement spirituel. D'autres artistes associés à des styles comme De Stijl, l'Art Concret et le Surréalisme créaient un art laïque et se prêtaient à une interprétation objective et académique. Kandinsky cherchait quelque chose qui ne pourrait jamais être entièrement défini ou expliqué. Il exprimait de manière ouverte son lien personnel avec les mystères de l’univers. C’était comme s’il avait inventé une sorte d’existentialisme spirituel.

L’existentialisme est une philosophie qui a pris de l’importance après la Seconde Guerre mondiale, lorsque les gens avaient du mal à comprendre ce qu’ils percevaient comme l’absurdité de la vie. Les penseurs critiques ne pouvaient pas croire qu’il puisse exister une puissance supérieure qui permettrait le genre de destruction dont ils venaient d’être témoins. Mais plutôt que de devenir nihilistes en l’absence apparente de Dieu, les existentialistes ont tenté de se frayer un chemin à travers l’absurdité globale de la vie, en recherchant un sens personnel. Comme l’écrivait l’auteur existentialiste Jean-Paul Sartre dans son livre L’être et le néant en 1943 : « L’homme est condamné à être libre ; il est responsable de tout ce qu’il fait. La recherche de ce qui est essentiellement personnel était primordiale pour l’existentialisme, ainsi que pour la réémergence généralisée de l’abstraction lyrique après la Seconde Guerre mondiale.

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. Private collection

Sous d'autres noms

Tout au long des années 1940 et 1950, un grand nombre de mouvements d'art abstrait ont émergé, qui tous, d'une manière ou d'une autre, impliquaient l'expression personnelle subjective comme fondement pour exprimer un sens dans l'art. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Expressionnisme Abstrait, art de champ de couleur, et même l'art conceptuel et l'art de la performance, tous, dans une certaine mesure, pouvaient être retracés à la même quête existentielle générale. L'un des critiques d'art les plus influents de cette époque, Harold Rosenberg, comprit cela lorsqu'il écrivit : “Aujourd'hui, chaque artiste doit entreprendre de s'inventer lui-même... Le sens de l'art à notre époque découle de cette fonction de création de soi.”

Mais à mesure que la culture a évolué avec la génération suivante, beaucoup de ces tendances existentielles dans l'art sont tombées en désuétude. Et une fois de plus, une approche inébranlable, concrète et géométrique de l'art abstrait, incarnée par le Minimalisme, a pris leur place. Mais tous les artistes n'ont pas abandonné la tradition lyrique. À la fin des années 1960, la marée avait de nouveau tourné. Comme l'a souligné Larry Aldrich, qui a redéfini le terme Abstraction Lyrique en 1969, "Au début de la saison dernière, il est devenu évident qu'en peinture, il y avait un mouvement loin du géométrique, des contours nets et du minimal, vers des abstractions plus lyriques, sensuelles et romantiques dans des couleurs plus douces et plus vibrantes... La touche de l'artiste est toujours visible dans ce type de peinture, même lorsque les peintures sont réalisées avec des pistolets à peinture, des éponges ou d'autres objets."

Jean-Paul Riopelle - Composition, Huile sur toile, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Abstraction lyrique contemporaine

Il est évident que, comme c'est souvent le cas avec les mouvements artistiques, les tendances qui définissent l'Abstraction Lyrique ont précédé la création du terme. Dans les premières décennies du 20ème siècle, des artistes comme Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee et Wols ont d'abord incarné des tendances lyriques dans l'abstraction. Et des décennies plus tard, des artistes comme Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages et Joan Mitchell les ont ensuite portées en avant. Puis, à la fin des années 1960 et 70, des artistes comme Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko et des dizaines d'autres ont revitalisé et élargi la pertinence de cette position.

En 2015, l'une des voix les plus fascinantes de l'Abstraction Lyrique contemporaine, l'artiste espagnol Laurent Jiménez-Balaguer, est décédée. Mais ses concepts, théories et techniques continuent de se manifester de manière puissante aujourd'hui dans le travail d'artistes tels que Margaret Neill, dont les compositions instinctives de lignes lyriques et entrelacées invitent le spectateur à une participation subjective de sens personnel, et celle de Ellen Priest, dont le travail donne vie à sa conversation esthétique personnelle, continue et de longue date avec la musique jazz. Ce qui unit tous ces artistes dans un lien commun est la quête fondamentale de l'Abstraction Lyrique : exprimer quelque chose de personnel, subjectif et émouvant, et le faire de manière poétique et abstraite.

Ellen Priest - Dolphin dance study 15.

Image en vedette : Margaret Neil - Switchback (détail).
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio