Mitchell-Innes et Nash saluent l'art de Julian Stanczak

Le peintre Julian Stanczak est décédé plus tôt cette année dans sa ville natale de Cleveland Ohio, à l'âge de 88 ans. Avant sa mort, Mitchell-Innes et Nash à New York avaient planifié ce qui aurait été la deuxième exposition personnelle dans la galerie de son travail. Cette exposition a été inaugurée le 18 mai, moins de deux mois après le décès de Stanczak, et elle est devenue bien plus qu’une simple exposition. C'est une célébration du travail et de la vie d'un artiste vraiment apprécié et influent. Le sous-titre de l'exposition est La vie de la surface, peintures 1970-1975. Comme indiqué, il ne présente que des œuvres réalisées sur une période de cinq ans dans les années 70. Mais le plus important est la référence à la vie que Stanczak a apportée à son œuvre et au monde de l'art en général. En tant que l'un des ancêtres de ce qui est finalement devenu connu sous le nom d'Op Art, Stanczak a été un pionnier qui a découvert les choses extraordinaires qui peuvent être accomplies en utilisant uniquement les éléments simples de la couleur et de la ligne.

Inventer l'Op Art par accident

Aujourd'hui, le terme Op Art est compris par la plupart des amateurs d'art, des conservateurs, des éducateurs et des collectionneurs comme se référant à une sorte d'art géométrique psychédélique qui trompe l'œil en lui faisant percevoir un mouvement, un espace et une lumière là où il n'en existe en réalité aucun. Le mouvement est généralement associé à une poignée de grands artistes comme Bridget Riley et Victor Vasarely, qui étaient, dans les premiers temps, ses plus grands défenseurs. Et le public contemporain tend à le percevoir comme un mouvement cohérent, dans lequel les artistes impliqués avaient un agenda compris, ou du moins avançaient dans une direction esthétique cohérente.

Mais la vérité sur l'Op Art est bien moins glamour que cela. Le terme Op Art est né du titre d'une exposition des œuvres de nul autre que Julian Stanczak. Le spectacle était sa première exposition à New York, et a eu lieu à la Martha Jackson Gallery en 1964. Martha Jackson elle-même a intitulé l'exposition Julian Stanczak : Peintures Optiques. Lorsqu'il a voyagé à New York depuis sa maison à Cleveland pour voir l'exposition, Stanczak a appris le titre pour la première fois en le voyant écrit sur la vitrine de la galerie. Dans une interview de 2011, Stanczak se souvenait : “J'ai dit, ‘Mon Dieu, d'où viens-tu avec ça ? Martha, comment peux-tu dire optique ?’” Jackson a essayé de le calmer en répondant : “Hé, Julian, c'est quelque chose sur lequel les critiques d'art peuvent réfléchir.” Et ils ont réfléchi. En fait, un jeune sculpteur nommé Donald Judd qui écrivait des critiques pour le magazine Arts à l'époque, a passé en revue l'exposition et en référence à son titre a inventé l'expression Op Art dans sa critique.

Julian Stanczak - Static Blue, 1973, Acrylique sur toile, 48x120in

Couleur et ligne

Rétrospectivement, il semble ridicule de sélectionner un type particulier de peinture et de le qualifier d’optique. Le mot optique fait référence à tout phénomène existant dans le spectre visible de la lumière. Mais dans le contexte des peintures incluses dans la première exposition de Julian Stanczak à la Martha Jackson Gallery, le terme a été interprété non seulement comme faisant référence à ce qui est visible, mais plutôt comme ayant quelque chose à voir avec les illusions d'optique. Stanczak a utilisé la combinaison de la couleur et de la ligne pour donner une impression de profondeur et de mouvement et pour suggérer que la lumière émanait de la surface de l'œuvre. Mais rien dans ce travail n’était une tentative de tromper qui que ce soit. Il s’agissait simplement d’une enquête sur les possibilités que la couleur et la ligne pouvaient accomplir seules.

Son attirance initiale pour les éléments de couleur et de ligne a commencé pour Stanczak des décennies avant sa première exposition à New York, alors qu'il était un jeune homme dans un camp de réfugiés en Ouganda pendant la Seconde Guerre mondiale. Il avait perdu l'usage de son bras droit dominant alors qu'il travaillait dans un camp de travail, puis il avait été blessé par des médecins militaires incompétents. La blessure a mis fin à son rêve de devenir musicien, alors en arrivant en Afrique et en remarquant sa beauté et ses couleurs, il en a profité pour apprendre à dessiner et peindre avec sa main gauche. Son travail de cette époque est extraordinaire, montrant que même avec sa main non dominante, il possédait une capacité rare à peindre à partir de la réalité. Mais il n’avait aucune envie de peindre ce qu’il avait vu et vécu. Il recherchait plutôt des sujets abstraits qui pourraient l'aider à oublier le passé et à peindre quelque chose d'universel.

Julian Stanczak - La vie de la surface, peintures 1970 – 1975, vue d'installation à Mitchell-Innes et Nash NY, 2017

Arrivée dans l'Ohio

Dès qu'il le put, Stanczak est venu en Amérique où il a rejoint des membres de sa famille qui vivaient dans l'Ohio. Il a trouvé que la ville de Cleveland était bien adaptée à ses ambitions artistiques, découvrant là une symphonie vibrante et un musée d'art. Il s'est inscrit à des cours d'art à l'Académie des Beaux-Arts de Cincinnati, et c'est là qu'il a vraiment commencé à se concentrer spécifiquement sur l'élément de la couleur. Mais il a vite découvert que personne dans son école n'était capable de lui enseigner tout ce qu'il voulait savoir. Stanczak a déclaré : « J'appréciais la couleur. Et je voulais en savoir plus à ce sujet. Et personne ne répondait à mes questions. Alors j'ai entendu dire qu'Albers est un expert. Et où enseigne-t-il ? À Yale. Donc je vais à Yale."

Par Albers, Stanczak faisait référence à Joseph Albers, l'un des principaux experts modernistes en couleur. Joseph Albers et sa femme Anni étaient des enseignants influents au Bauhaus avant la Seconde Guerre mondiale. Lorsque les nazis ont forcé le Bauhaus à fermer, ils ont voyagé en Caroline du Nord sur invitation pour enseigner au Black Mountain College. Plus tard, ils ont déménagé à Yale. Apprenant qu'Albers était le principal expert en couleur au monde, Stanczak a postulé à Yale pour des études supérieures. Et tout en étudiant sous Albers, il est devenu convaincu que tout ce qu'il avait longtemps désiré exprimer pouvait effectivement être exprimé par la couleur, avec l'ajout simple de la ligne.

Julian Stanczak - La vie de la surface, peintures 1970 – 1975, vue d'installation à Mitchell-Innes et Nash NY, 2017

L'œil réactif

Deux ans après sa première exposition à la Martha Jackson Gallery, celle qui a conduit à la création du terme Op Art, le Museum of Modern Art de New York a organisé son ambitieuse exposition d'art abstrait géométrique intitulée L'œil réactif. Julian Stanczak était présent à l'exposition, tout comme son professeur à Yale, Joseph Albers, Bridget Riley et Victor Vasarely, ainsi que 95 autres artistes de 15 pays. Cette exposition est depuis devenue célèbre pour avoir présenté l’Op Art à l’imagination du public au sens large. Mais à l’époque, le MoMA n’utilisait jamais le terme Op Art pour désigner les œuvres présentées dans l’exposition. Au lieu de cela, le musée a utilisé des termes comme perception pour souligner son exploration des nouvelles façons dont les artistes utilisaient la géométrie, la couleur, la surface, la ligne et la lumière pour examiner la façon dont les gens voient.

Comme l'a déclaré William C. Seits, qui a dirigé l'exposition The Responsive Eye, dans le communiqué de presse de l'exposition, « ces œuvres existent moins qu'elles. > objets à examiner plutôt que générateurs de réponses perceptuelles dans l'œil et l'esprit du spectateur. En utilisant uniquement des lignes, des bandes et des motifs, des aplats de couleur, du blanc, du gris ou du noir ou du bois, du verre, du métal et du plastique soigneusement découpés, les artistes perceptifs établissent une nouvelle relation entre l'observateur et une œuvre d'art. Ces nouveaux types d'expériences subjectives... sont entièrement réelles à l'œil même si elles n'existent pas physiquement dans l'œuvre elle-même. » L'Œil réactif a donné un énorme élan à la carrière de Julian Stanczak, ainsi qu'à de nombreux autres artistes présents dans l'exposition. Mais Stanczak ne s'installe pas à New York, où il aurait facilement pu jouir d'une immense renommée. Au lieu de cela, il est resté basé à Cleveland, où il a été professeur de peinture pendant 38 ans au Cleveland Institute of Art.

Julian Stanczak - La vie de la surface, peintures 1970 – 1975, vue d'installation à Mitchell-Innes et Nash NY, 2017

En mémoire de Julian Stanczak

Depuis sa maison de Cleveland, loin des capitales mondiales de l'art, Stanczak a continué à explorer la couleur et la lumière dans ses peintures pour le reste de sa vie. Son processus minutieux consistant à déposer des couches de peinture avec sa main gauche non dominante prenait beaucoup de temps et était laborieux. Mais dans son processus, il a trouvé la joie et la libération, qui émanent en grande partie de son travail. Au fil des décennies, ses peintures ont été acquises par près de 100 musées à travers le monde, bien qu’il ait été pratiquement ignoré par les galeries new-yorkaises.

Mais finalement, en 2004, Stanczak revient à New York avec des expositions personnelles consécutives à la Stefan Stux Gallery. Et au cours de la décennie suivante, il est apparu dans plusieurs expositions collectives dans la ville, redevenant peu à peu important dans l'esprit du public acheteur d'art. Puis en 2014, il a droit à sa première exposition chez Mitchell-Innes & Nash. L'exposition posthume actuelle de son œuvre est parfaitement sous-titrée, car Stanczak a en effet passé toute sa vie à donner vie aux surfaces de ses peintures. Il ne durera que jusqu'au 24 juin 2017, alors dépêchez-vous si vous souhaitez le voir. Mais si vous le manquez, ne vous inquiétez pas. Alors que le monde prend conscience du génie qu’il a perdu, ce ne sera probablement que la première exposition à célébrer l’héritage de ce maître de la couleur et de la ligne.

Image en vedette : Julian Stanczak - The Life of the Surface, Paintings 1970 – 1975, vue d'installation à Mitchell-Innes & Nash, NY, 2017

Toutes les images sont une gracieuseté de Mitchell-Innes et Nash

Par Phillip Barcio