Mitchell-Innes et Nash saluent l'art de Julian Stanczak

Le peintre Julian Stanczak est décédé plus tôt cette année dans sa ville natale de Cleveland, Ohio, à l'âge de 88 ans. Avant son décès, Mitchell-Innes et Nash à New York avaient prévu ce qui aurait été sa deuxième exposition personnelle à la galerie. Cette exposition a ouvert ses portes le 18 mai, moins de deux mois après le décès de Stanczak, et elle est devenue bien plus qu'une simple exposition. C'est une célébration de l'œuvre et de la vie d'un artiste véritablement aimé et influent. Le sous-titre de l'exposition est La Vie de la Surface, Peintures 1970-1975. Comme indiqué, elle présente uniquement des œuvres réalisées sur une période de cinq ans dans les années 70. Mais plus important encore, c'est la référence à la vie que Stanczak a insufflée à son travail, et au monde de l'art en général. En tant que l'un des précurseurs de ce qui est finalement devenu connu sous le nom d'art optique, Stanczak fut un pionnier qui découvrit les choses extraordinaires que l'on peut accomplir en utilisant seulement les éléments simples de la couleur et de la ligne.

L'invention accidentelle de l'art optique

Aujourd'hui, le terme art optique est compris par la plupart des amateurs d'art, conservateurs, enseignants et collectionneurs comme désignant un type d'art géométrique psychédélique qui trompe l'œil en lui faisant percevoir du mouvement, de l'espace et de la lumière là où il n'y en a pas réellement. Le mouvement est généralement associé à quelques grands noms comme Bridget Riley et Victor Vasarely, qui furent, aux débuts, ses plus fervents défenseurs. Et le public contemporain a tendance à le percevoir comme un mouvement cohérent, dans lequel les artistes impliqués avaient un programme compris, ou du moins avançaient dans une direction esthétique unifiée.

Mais la vérité sur l'art optique est bien moins glamour. Le terme art optique est né du titre d'une exposition des œuvres de nul autre que Julian Stanczak. Cette exposition fut sa première à New York, tenue à la galerie Martha Jackson en 1964. Martha Jackson elle-même intitula l'exposition Julian Stanczak : Peintures Optiques. Lorsqu'il se rendit à New York depuis son domicile à Cleveland pour voir l'exposition, Stanczak apprit le titre pour la première fois en le voyant écrit sur la vitrine de la galerie. Dans une interview de 2011, Stanczak se souvint : « J'ai dit, ‘Mon Dieu, d'où sortez-vous ça ? Martha, comment peux-tu dire optique ?’ » Jackson tenta de le calmer en répondant : « Hé, Julian, c'est quelque chose pour que les critiques d'art puissent réfléchir. » Et réfléchir, ils l'ont fait. En fait, un jeune sculpteur nommé Donald Judd, qui écrivait des critiques pour le magazine Arts à l'époque, passa en revue l'exposition et, en référence à son titre, forgea l'expression art optique dans sa critique.

Julian Stanczak - Bleu Statique, 1973, Acrylique sur toile, 48x120 pouces

Couleur et ligne

Avec le recul, il semble absurde de désigner un type particulier de peinture comme étant optique. Le mot optique se rapporte à tout phénomène qui existe dans le spectre visible de la lumière. Mais dans le contexte des peintures présentées lors de cette première exposition de Julian Stanczak à la galerie Martha Jackson, le terme fut interprété non seulement comme se référant à ce qui est visible, mais plutôt comme ayant un lien avec les illusions d'optique. Stanczak utilisait la combinaison de la couleur et de la ligne pour donner l'impression de profondeur et de mouvement, et pour suggérer que la lumière émanait de la surface de l'œuvre. Mais rien dans son travail ne cherchait à tromper qui que ce soit. C'était simplement une exploration des possibilités de ce que la couleur et la ligne pouvaient accomplir seules.

Son attrait initial pour les éléments de couleur et de ligne remonte à des décennies avant cette première exposition à New York, lorsqu'il était un jeune homme dans un camp de réfugiés en Ouganda pendant la Seconde Guerre mondiale. Il avait perdu l'usage de son bras droit dominant en travaillant dans un camp de travail, puis l'avait encore blessé par des médecins militaires incompétents. Cette blessure mit fin à son rêve de devenir musicien, alors, arrivé en Afrique et remarquant sa beauté et ses couleurs, il saisit l'occasion d'apprendre à dessiner et à peindre de la main gauche. Ses œuvres de cette époque sont extraordinaires, montrant que même avec sa main non dominante, il possédait une capacité rare à peindre d'après la réalité. Mais il ne désirait pas peindre ce qu'il avait vu et vécu. Il chercha plutôt des sujets abstraits qui pourraient l'aider à oublier le passé et peindre quelque chose d'universel.

Julian Stanczak - La Vie de la Surface, Peintures 1970 – 1975, vue d'installation à Mitchell-Innes et Nash NY, 2017

Arrivée en Ohio

Dès qu'il le put, Stanczak vint en Amérique où il rejoignit des membres de sa famille vivant en Ohio. Il trouva que la ville de Cleveland convenait bien à ses ambitions artistiques, y découvrant une symphonie vibrante et un musée d'art. Il s'inscrivit à des cours d'art à l'Académie des Beaux-Arts de Cincinnati, et c'est là qu'il commença vraiment à se concentrer spécifiquement sur l'élément couleur. Mais il s'aperçut rapidement que personne dans son école ne pouvait lui enseigner tout ce qu'il voulait savoir. Stanczak déclara : « J'aimais la couleur. Et je voulais en savoir plus. Et personne ne répondait à mes questions. Alors j'ai entendu dire qu'Albers est un expert. Et où enseigne-t-il ? À Yale. Alors je vais à Yale. »

Par Albers, Stanczak faisait référence à Joseph Albers, l'un des plus grands spécialistes modernistes de la couleur. Joseph Albers et son épouse Anni furent des enseignants influents au Bauhaus avant la Seconde Guerre mondiale. Lorsque les nazis forcèrent la fermeture du Bauhaus, ils se rendirent en Caroline du Nord sur invitation pour enseigner au Black Mountain College. Plus tard, ils s'installèrent à Yale. Ayant entendu dire qu'Albers était le plus grand expert mondial de la couleur, Stanczak fit une demande d'admission à Yale pour des études supérieures. Et en étudiant sous la direction d'Albers, il fut convaincu que tout ce qu'il avait désiré exprimer pouvait effectivement être exprimé avec la couleur, accompagnée simplement de la ligne.

Julian Stanczak - La Vie de la Surface, Peintures 1970 – 1975, vue d'installation à Mitchell-Innes et Nash NY, 2017

L'Œil Réactif

Deux ans après sa première exposition à la galerie Martha Jackson, celle qui mena à la création du terme art optique, le Museum of Modern Art de New York organisa sa grande exposition d'art abstrait géométrique intitulée L'Œil Réactif. Julian Stanczak y fut inclus, tout comme son professeur à Yale, Joseph Albers, la déjà mentionnée Bridget Riley, Victor Vasarely, et 95 autres artistes venus de 15 pays. Cette exposition est depuis devenue célèbre pour avoir introduit l'art optique dans l'imaginaire public plus large. Mais à l'époque, le MoMA n'utilisait jamais le terme art optique pour désigner les œuvres présentées. Le musée employait plutôt des termes comme perception pour souligner leur exploration des nouvelles façons dont les artistes utilisaient la géométrie, la couleur, la surface, la ligne et la lumière pour examiner la manière dont les gens voient.

Comme l'a dit William C. Seits, qui dirigea l'exposition L'Œil Réactif, dans le communiqué de presse de l'exposition : « ces œuvres existent moins comme des objets à examiner que comme des générateurs de réponses perceptuelles dans l'œil et l'esprit du spectateur. Utilisant seulement des lignes, des bandes et des motifs, des surfaces planes de couleur, blanc, gris ou noir ou du bois, du verre, du métal et du plastique soigneusement découpés, les artistes perceptuels établissent une nouvelle relation entre l'observateur et une œuvre d'art. Ces nouveaux types d'expériences subjectives... sont entièrement réels pour l'œil même s'ils n'existent pas physiquement dans l'œuvre elle-même. » L'Œil Réactif donna un énorme élan à la carrière de Julian Stanczak, ainsi qu'à celle de nombreux autres artistes de l'exposition. Mais Stanczak ne s'installa pas à New York, où il aurait facilement pu jouir d'une immense renommée. Il resta basé à Cleveland, où il fut professeur de peinture pendant 38 ans à l'Institut des Beaux-Arts de Cleveland.

Julian Stanczak - La Vie de la Surface, Peintures 1970 – 1975, vue d'installation à Mitchell-Innes et Nash NY, 2017

Se souvenir de Julian Stanczak

Depuis son domicile à Cleveland, loin des capitales artistiques, Stanczak continua d'explorer la couleur et la lumière dans ses peintures jusqu'à la fin de sa vie. Son processus minutieux de superposition de couches de peinture avec sa main gauche non dominante était long et laborieux. Mais dans ce processus, il trouvait joie et libération, deux qualités qui émanent abondamment de son œuvre. Au fil des décennies, ses peintures furent acquises par près de 100 musées à travers le monde, bien qu'il ait été presque ignoré par les galeries de New York.

Mais enfin, en 2004, Stanczak revint à New York avec des expositions personnelles consécutives à la galerie Stefan Stux. Et au cours de la décennie suivante, il participa à plusieurs expositions collectives dans la ville, redevenant peu à peu une figure importante dans l'esprit du public acheteur d'art. Puis en 2014, il eut sa première exposition chez Mitchell-Innes & Nash. L'exposition posthume actuelle de son œuvre porte un sous-titre parfaitement choisi, car Stanczak a en effet passé sa vie à insuffler la vie aux surfaces de ses peintures. Elle ne dure que jusqu'au 24 juin 2017, alors dépêchez-vous si vous souhaitez la voir. Mais si vous la manquez, ne vous inquiétez pas. À mesure que le monde prendra conscience du génie qu'il a perdu, ce sera sans doute la première exposition à célébrer l'héritage de ce maître de la couleur et de la ligne.

Image en vedette : Julian Stanczak - La Vie de la Surface, Peintures 1970 – 1975, vue d'installation à Mitchell-Innes & Nash, NY, 2017

Toutes les images sont gracieusement fournies par Mitchell-Innes et Nash

Par Phillip Barcio