L'influence de l'art abstrait sur le design moderne et contemporain

Les créations d’art abstrait se trouvent partout : dans la mode, le mobilier, l’architecture, la publicité et pratiquement tous les autres produits du design contemporain. Qu’il s’agisse d’une ligne de chaussures inspirée de l’Op Art, de flûtes à champagne inspirées d’une installation de Dan Flavin ou du décor d’un clip de hip-hop inspiré de James Turrell, il ne s’agit que de la manifestation la plus récente d’une tendance ancienne : des designers influencés par l’art. C’est sur cette idée que le Bauhaus reposait : un art total englobant tous les phénomènes esthétiques. Et c’est pourquoi l’art abstrait est à la base d’une si grande partie du design dans la culture actuelle.

L’art abstrait et le design ont reconstruit le monde

Après la Seconde Guerre mondiale, l’humanité avait besoin de designers à une échelle plus vaste que jamais. Une grande partie de l’Europe, de l’Asie et du bassin méditerranéen devait être reconstruite après avoir été pratiquement réduite en ruines par les bombardements. Et ce ne sont pas seulement les bâtiments et les rues des villes qui avaient besoin d’aide. Une population humaine dévastée par des années de dépression, de famine et de guerre avait besoin de tout : logements, vêtements, moyens de transport, outils, mobilier, espaces publics, appareils de télécommunication, et bien plus encore.

La capacité d’industrialisation du monde était à son apogée grâce à la mobilisation liée à la guerre, et les artistes appliqués de la société bénéficiaient de possibilités sans précédent pour repenser ce qui allait devenir le nouveau monde et contribuer à ramener la culture du bord du gouffre. Des artistes appliqués comme les architectes, les designers de mobilier, les créateurs de mode, les designers automobiles et les designers industriels se sont plongés tête baissée dans la fonctionnalité, créant des produits pouvant être fabriqués efficacement en série et répondre aux besoins du plus large public possible.

Charles et Ray Eames - Case Study House n° 8

La théorie du yin et du yang à l’œuvre

Les principaux artistes abstraits de l’époque cherchaient eux aussi à comprendre ce qui était arrivé au monde. Mais plutôt que de reconstruire la société, ce qui n’est généralement pas considéré comme relevant des beaux-arts, ils s’efforçaient de la contextualiser. Les artistes abstraits de l’après-guerre tentaient de comprendre quelque chose d’inhérent à leur propre personne. Ils affrontaient l’inconnu, le subconscient et les aspects profondément personnels de leur humanité.

On peut voir les choses ainsi : un équilibre était en train de s’établir. Les designers ont répondu à la folie de la guerre par l’efficacité et la logique. Les artistes abstraits y ont répondu par l’intuition et l’émotion. Ces deux forces complémentaires ont toutes deux influencé la conscience de la société d’après-guerre. D’un côté, le monde occidental devenait plus contemplatif et plus profondément existentiel que jamais. De l’autre, il devenait aussi plus matérialiste que jamais.

Ugo Gianattasio - Sans titre, 1920

À l’époque qui a suivi la Seconde Guerre mondiale, deux des designers les plus influents étaient Charles et Ray Eames, créateurs de la célèbre chaise Eames. En 1949, ils ont conçu et construit leur Case Study House n° 8, qu’ils utilisaient comme maison et atelier. Le bâtiment était considéré comme l’expression ultime du design architectural contemporain de l’époque. Selon la Eames Foundation, cette conception s’inscrivait dans un projet destiné à « exprimer la vie de l’homme dans le monde moderne ». La maison ressemblait à une peinture de Piet Mondrian réalisée une trentaine d’années plus tôt. Mondrian est mort en 1944. À New York, en 1950, l’une des plus grandes réussites architecturales était un gratte-ciel primé connu sous le nom de Lever House. Salué comme un chef-d’œuvre de l’architecture moderne, ses lignes épurées, son utilisation de l’acier et du verre, son emploi extrêmement fonctionnel de l’espace et son absence totale d’ornement en faisaient un exemple majeur de l’architecture moderniste. Il exprimait parfaitement les préoccupations esthétiques du constructivisme russe des années 1920.

Lever House, New York

La plus grande innovation du design automobile en 1950 fut l’invention du cabriolet à toit rigide. Quoi de plus logique ? C’est le summum de la fonctionnalité et du style, exploitant des matériaux nouveaux, légers et bon marché, ainsi qu’une demande croissante des consommateurs pour avoir le choix. Et le design élégant de ces voitures était véritablement futuriste, presque exactement aussi futuriste que le futurisme italien des années 1920.

Chrysler Town & Country 1950

L’art abstrait a-t-il influencé le design moderne ? Absolument. L’esthétique De Stijl de Piet Mondrian a manifestement eu un effet profond sur la maison des Eames, quelques décennies seulement après l’introduction du néoplasticisme. La Lever House était le gratte-ciel constructiviste parfait ; elle a simplement vu le jour quelques décennies après l’apparition de l’architecture constructiviste. Et les cabriolets à toit rigide étaient bien les voitures du futur : le futur des années 1920 comme celui des années 1950.

Voici ce qui se passait dans l’art abstrait des années 1950 : c’est l’année où Jackson Pollock a peint « Number 1, 1950 » et où Franz Kline a peint « The Chief ».

Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, huile, émail et aluminium sur toile, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

L’expressionnisme abstrait de l’architecture

À mesure que les innovations dans les télécommunications progressaient rapidement, la vitesse à laquelle l’art abstrait pouvait influencer le design augmentait elle aussi. Au lieu de trente ans, il n’a fallu qu’environ dix ans à l’expressionnisme abstrait pour laisser son empreinte dans le monde du design. L’esthétique et la philosophie de l’expressionnisme abstrait sont apparues grâce à la diffusion de l’ensemble du processus de création artistique. C’était un retour à l’intuition, aux origines primitives des influences subconscientes. C’était l’accomplissement de l’objectif ultime de l’abstraction : la découverte de l’originalité et l’expression véritable de l’essence de l’individu unique.

La philosophie expressionniste abstraite s’est manifestée en architecture sous la forme du déconstructivisme. Le déconstructivisme cherchait à créer un élément d’imprévisibilité. Plutôt que de s’en tenir à des formes fonctionnelles dépourvues d’ornementation, les architectes déconstructivistes recherchaient des formes originales qui recouraient ouvertement à des éléments décoratifs. De nombreux architectes déconstructivistes ont conçu des bâtiments qui semblaient eux-mêmes déconstruits, comme s’ils étaient fragmentés en sections. D’autres ont conçu des bâtiments imitant l’esthétique gestuelle de l’art expressionniste abstrait. Bien qu’initié à la fin des années 1950, ce style continue d’être utilisé aujourd’hui. Son représentant le plus reconnaissable est probablement Frank Gehry.

Le Guggenheim de Bilbao de Frank Gehry

Au milieu des années 1960, les tendances du design imitaient presque immédiatement celles de l’art abstrait, en particulier dans le design de mode. Bridget Riley a peint son œuvre phare d’Op Art, Movement in Squares, en 1961. Le magazine Time a forgé le terme « Op Art » en 1964, en réaction à une exposition des œuvres de Julian Stanczak à la Martha Jackson Gallery de New York. En 1965, le style était si profondément ancré dans la culture populaire qu’il fut évoqué dans une série de photographies du magazine Vogue.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera sur panneau dur. 123.2 x 121.2 cm. © 2018 Bridget Riley. Avec l’aimable autorisation de Karsten Schubert, Londres

Influences minimalistes

Dans les années 1970, l’un des principaux styles de l’art abstrait était le minimalisme, et l’une de ses voix les plus influentes était celle d’un artiste nommé Donald Judd. Judd et ses contemporains cherchaient à créer des œuvres fondamentalement différentes de celles des abstractionnistes précédents, en particulier des expressionnistes abstraits. Le minimalisme éliminait les éléments biographiques personnels de l’œuvre et recherchait des formes simplifiées ainsi qu’un langage visuel épuré.

Ce qui rend l’étude de Judd si fascinante, c’est qu’il n’était pas seulement un artiste minimaliste, mais aussi un architecte et un designer de mobilier. En tant que défenseur des beaux-arts et des arts appliqués, il était capable de manifester simultanément ses concepts dans les différents domaines où il travaillait. D’une certaine manière, Judd incarnait les idéaux du Bauhaus ou de l’Art nouveau, qui mettaient tous deux l’accent sur l’expression simultanée de tous les arts travaillant autour des mêmes idées.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. Collection du LACMA. Don du Collectors Committee 2011. © Museum Associates/LACMA

Judd était également un écrivain et théoricien passionné. Voici ce qu’il disait de la différence entre les beaux-arts et les arts appliqués : « La configuration et l’échelle de l’art ne peuvent pas être transposées au mobilier et à l’architecture. L’intention de l’art est différente de celle de ces derniers, qui doivent être fonctionnels. Si une chaise ou un bâtiment n’est pas fonctionnel, s’il semble n’être que de l’art, c’est ridicule… »  Cette philosophie est manifeste dans les différentes œuvres qu’il a réalisées.

Donald Judd - Sans titre, 1971

Forme contre fonction

La différence essentielle entre l’art abstrait et le design est que l’art abstrait, comme tous les beaux-arts, est quelque chose qui se rencontre sur un plan contemplatif. Il peut être intellectuel, viscéral, inspirant ou esthétiquement beau. Il est destiné à nous faire réfléchir, ressentir, considérer, évoluer et nous interroger sur le sens de nos expériences. La fonction du design est tout autre. Il vise à accroître l’utilité ou le plaisir d’utilisation des produits de consommation. Le design doit remplir une fonction, sinon il est, comme le disait Judd, absurde.

L’influence profonde que des courants de l’art abstrait comme l’expressionnisme abstrait, l’Op Art, le néoplasticisme et le minimalisme ont eue sur l’ensemble des arts appliqués, du design de mode au design de mobilier, à l’architecture et au-delà, ne peut être surestimée. Et, heureusement, nous vivons aujourd’hui à une époque où nous pouvons accéder rapidement à l’histoire de l’art abstrait comme à celle du design, et constater par nous-mêmes les effets profonds que l’esthétique et la philosophie de l’art abstrait exercent sur les tendances du design.

Fait intéressant, nous vivons également à une époque où nous pouvons voir ces effets se manifester immédiatement. Un peintre abstrait peut publier sur Instagram une photographie de sa nouvelle peinture et, quelques secondes plus tard, un créateur de mode à Milan peut utiliser cette image comme source d’inspiration pour sa nouvelle collection de printemps. Ou l’inverse. Un créateur de mode peut publier une photo d’une nouvelle robe, qui peut produire un effet viscéral sur un artiste abstrait, lequel pourrait alors s’aventurer dans de nouveaux territoires de l’art abstrait. Aujourd’hui, tout est capable d’influencer tout le reste, tandis que notre culture bondit joyeusement vers l’avenir pour aller à la rencontre de la nouveauté.

Toutes les images sont utilisées uniquement à des fins d’illustration
Par Phillip Barcio 2016
Édité par IdeelArt (2026)