L'influence de l'art abstrait sur le design moderne et contemporain

Les motifs d’art abstrait se retrouvent partout, dans la mode, le mobilier, l’architecture, la publicité, et à peu près tous les autres produits du design contemporain. Qu’il s’agisse d’une ligne de chaussures inspirée par l’Op Art, de flûtes à champagne inspirées par une installation de Dan Flavin, ou de décors dans un clip de hip-hop inspiré par James Turrell, c’est simplement la dernière manifestation d’une tendance ancienne : des créateurs influencés par l’art. C’est sur ce principe que reposait le Bauhaus ; un art total englobant tous les phénomènes esthétiques. Et c’est pourquoi l’art abstrait est le fondement de tant de créations dans la culture actuelle.

L’art abstrait et le design ont reconstruit le monde

Après la Seconde Guerre mondiale, l’humanité avait besoin de créateurs à une échelle plus vaste que jamais. Une grande partie de l’Europe, de l’Asie et du bassin méditerranéen devait être reconstruite après avoir été réduite en ruines par les bombardements. Et ce n’étaient pas seulement les bâtiments et les rues qui avaient besoin d’aide. Une population humaine dévastée par des années de dépression, de famine et de guerre avait besoin de tout : logements, vêtements, transports, outils, meubles, lieux de rassemblement publics, appareils de télécommunication, et bien plus encore.

La capacité d’industrialisation mondiale était à son apogée grâce à la mobilisation pour la guerre, et les artistes appliqués de la société ont trouvé des opportunités sans précédent pour repenser ce qui allait devenir le nouveau monde, et aider à ramener la culture du bord du gouffre. Des artistes appliqués tels que les architectes, les créateurs de mobilier, les stylistes, les concepteurs automobiles et les designers industriels se sont lancés corps et âme dans la praticité, créant des produits pouvant être fabriqués en série efficacement et destinés à la plus large clientèle possible.

Charles et Ray Eames - Case Study House n° 8

La théorie du Yin Yang en action

Les artistes abstraits dominants de l’époque cherchaient aussi à comprendre ce qui était arrivé au monde. Mais plutôt que de reconstruire la société, ce qui n’est généralement pas considéré comme relevant des Beaux-Arts, ils travaillaient à la contextualiser. Les artistes abstraits d’après-guerre tentaient de comprendre quelque chose d’inhérent en eux-mêmes. Ils affrontaient l’inconnu, le subconscient, et les aspects profondément personnels de leur humanité.

On peut voir cela comme un équilibre trouvé. Les créateurs ont répondu à la folie de la guerre par l’efficacité et la logique. Les artistes abstraits y ont répondu par l’intuition et l’émotion. Ces forces complémentaires ont toutes deux influencé la conscience de la société d’après-guerre. D’un côté, le monde occidental devenait aussi contemplatif et existentiel que jamais. De l’autre, il devenait le plus matérialiste.

Ugo Gianattasio - Sans titre, 1920

Dans l’ère d’après la Seconde Guerre mondiale, deux des créateurs les plus influents étaient Charles et Ray Eames, créateurs de la célèbre chaise Eames. En 1949, ils ont conçu et construit leur Case Study House n° 8, qu’ils utilisaient comme maison et atelier. Le bâtiment était considéré comme représentant le summum du design architectural contemporain de l’époque. Selon la Fondation Eames, le projet visait à « exprimer la vie de l’homme dans le monde moderne ». La maison ressemblait à une peinture de Piet Mondrian datant d’environ trente ans plus tôt. Mondrian est décédé en 1944. À New York en 1950, l’une des réalisations architecturales majeures était un gratte-ciel primé connu sous le nom de Lever House. Salué comme un chef-d’œuvre de l’architecture moderne, ses lignes épurées, son usage de l’acier et du verre, son utilisation suprêmement fonctionnelle de l’espace et son absence totale d’ornement en faisaient un exemple suprême de l’architecture moderniste. Il exprimait parfaitement les préoccupations esthétiques du constructivisme russe des années 1920.

Lever House, New York

La plus grande innovation dans le design automobile en 1950 fut l’invention du cabriolet à toit rigide. Quoi de plus logique ? C’est le summum de la fonctionnalité et du style, utilisant des matériaux neufs, légers et peu coûteux, ainsi qu’une demande croissante des consommateurs pour des options. Et le design élégant des voitures était véritablement futuriste, presque aussi futuriste que le futur des années 1920 selon le Futurisme italien.

Chrysler Town & Country 1950

L’art abstrait a-t-il influencé le design moderne ? Absolument. L’esthétique De Stijl de Piet Mondrian a évidemment eu un effet profond sur la maison des Eames, cela faisait seulement quelques décennies que le Néoplasticisme avait été introduit. Le Lever House était le gratte-ciel constructiviste parfait ; il est apparu quelques décennies après l’introduction de l’architecture constructiviste. Et les cabriolets à toit rigide étaient en effet les voitures du futur ; le futur des années 1920 et celui des années 1950.

Ce qui se passait dans l’art abstrait dans les années 1950 était ceci : cette année-là, Jackson Pollock peignait « Number 1, 1950 » et Franz Kline peignait « The Chief ».

Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, huile, émail et aluminium sur toile, Fonds Ailsa Mellon Bruce, 1976.37.1

L’expressionnisme abstrait en architecture

Avec les progrès rapides des télécommunications, la vitesse à laquelle l’art abstrait pouvait influencer le design s’est également accrue. Au lieu de 30 ans, il ne fallut qu’environ 10 ans pour que l’expressionnisme abstrait marque le monde du design. L’esthétique et la philosophie derrière l’expressionnisme abstrait sont nées d’une diffusion de l’ensemble du processus de création artistique. C’était un retour à l’intuition, aux origines primordiales des influences subconscientes. C’était l’accomplissement du but ultime de l’abstraction : la découverte de l’originalité et la véritable expression de l’essence de l’individu unique.

La philosophie expressionniste abstraite s’est manifestée en architecture sous la forme du déconstructivisme. Le déconstructivisme cherchait à atteindre un élément d’imprévisibilité. Plutôt que de s’en tenir à des formes fonctionnelles dépourvues d’ornement, les architectes déconstructivistes recherchaient des formes originales utilisant ouvertement des éléments décoratifs. Beaucoup d’architectes déconstructivistes ont conçu des bâtiments semblant eux-mêmes déconstruits, comme fragmentés en sections. D’autres ont conçu des bâtiments imitant l’esthétique gestuelle de l’art expressionniste abstrait. Bien que lancé à la fin des années 1950, ce style est encore utilisé aujourd’hui. Son représentant le plus reconnu est probablement Frank Gehry.

Le Guggenheim Bilbao de Frank Gehry

Au milieu des années 1960, les tendances du design imitaient presque immédiatement celles de l’art abstrait, en particulier dans la mode. Bridget Riley peignit son œuvre fondatrice de l’Op Art, Movement in Squares, en 1961. Le magazine Time a inventé le terme « Op Art » en 1964 en réponse à une exposition des œuvres de Julian Stanczak à la Martha Jackson Gallery de New York. En 1965, ce style était si pleinement intégré à la culture populaire qu’il fut mentionné dans un reportage photo du magazine Vogue.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera sur panneau dur. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Avec l’aimable autorisation de Karsten Schubert, Londres

Influences minimales

Dans les années 1970, l’un des styles dominants de l’art abstrait était le minimalisme, et l’une des voix les plus influentes du minimalisme était un artiste nommé Donald Judd. Judd et ses contemporains cherchaient à créer des œuvres fondamentalement différentes de celles des abstraits précédents, en particulier des expressionnistes abstraits. Le minimalisme éliminait les éléments biographiques personnels de l’œuvre et recherchait des formes simplifiées et un langage visuel épuré.

Ce qui rend Judd si fascinant, c’est qu’il n’était pas seulement un artiste minimaliste, mais aussi un architecte et un créateur de mobilier. En tant que défenseur à la fois des beaux-arts et des arts appliqués, il a pu manifester simultanément ses concepts dans les différents domaines où il travaillait. D’une certaine manière, Judd incarnait les idéaux du Bauhaus, ou de l’Art nouveau, qui insistaient tous deux sur une expression simultanée de tous les arts travaillant ensemble sur les mêmes idées.

Donald Judd - Bureau prototype, 1978. Collection LACMA. Don du Comité des collectionneurs 2011. © Museum Associates/LACMA

Judd était aussi un écrivain et théoricien passionné, et disait ceci à propos de la différence entre les beaux-arts et les arts appliqués : « La configuration et l’échelle de l’art ne peuvent être transposées dans le mobilier et l’architecture. L’intention de l’art est différente de celle de ces derniers, qui doivent être fonctionnels. Si une chaise ou un bâtiment n’est pas fonctionnel, s’il semble n’être que de l’art, c’est ridicule... » Cette philosophie se retrouve dans les œuvres qu’il a créées.

Donald Judd - Sans titre, 1971

Forme contre fonction

La différence essentielle entre l’art abstrait et le design est que l’art abstrait, comme tous les beaux-arts, est quelque chose à rencontrer sur un plan contemplatif. Il peut être intellectuel, viscéral, inspirant ou esthétiquement beau. Il vise à nous faire penser, ressentir, considérer, évoluer et nous interroger sur le sens de nos expériences. La fonction du design est tout autre. C’est un moyen d’accroître l’utilité ou le plaisir des produits de consommation. Le design doit remplir une fonction, sinon il est, comme le disait Judd, absurde.

L’influence profonde des tendances de l’art abstrait telles que l’expressionnisme abstrait, l’Op Art, le Néoplasticisme et le minimalisme sur tous les arts appliqués, de la mode au mobilier en passant par l’architecture et au-delà, ne peut être surestimée. Et heureusement, aujourd’hui, nous vivons à une époque où nous pouvons rapidement accéder à l’histoire de l’art abstrait et du design, et voir par nous-mêmes les effets profonds que l’esthétique et la philosophie de l’art abstrait exercent sur les tendances du design.

Fait intéressant, nous vivons aussi à une époque où nous pouvons voir ces effets se manifester de manière immédiate. Une peintre abstraite peut télécharger une photo de sa nouvelle toile sur Instagram et quelques secondes plus tard, un créateur de mode à Milan peut utiliser cette image comme source d’inspiration pour sa nouvelle collection de printemps. Ou inversement. Un créateur de mode peut publier une photo d’une nouvelle robe, et cela peut avoir un effet viscéral sur un artiste abstrait, qui pourrait alors progresser dans de nouveaux domaines de l’art abstrait. Aujourd’hui, tout peut influencer tout, alors que notre culture avance joyeusement en sautant vers l’avenir.

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio