L'héritage de Sir Howard Hodgkin

Le célèbre peintre abstrait et graveur britannique Howard Hodgkin comptait parmi les artistes les plus décorés de sa génération. Il a représenté la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise en 1984 et a remporté le prix Turner en 1985. En 1976, il a été admis dans l'Ordre le plus excellent de l'Empire britannique (CBE) ; il a été fait chevalier en 1992 ; et en 2003, la reine Elizabeth II l'a intronisé dans l'Ordre des Compagnons d'Honneur, où il a rejoint une liste restreinte de seulement trois autres artistes abstraits – Henry Moore, Victor Pasmore et Bridget Riley – à avoir reçu la même distinction. La stature célèbre qu’Hodgkin a finalement atteinte au cours de sa carrière contraste fortement avec les difficultés de ses débuts dans sa vie professionnelle. En 1981, Hodgkin a déclaré : « Je pense que j'ai eu de la chance dans le sens où je n'ai pas réussi du tout avant d'avoir atteint l'âge moyen, mais il y a eu de nombreux moments amers à vivre lorsque il a fallu tellement de temps avant que quiconque semble vouloir regarder mes photos. Dans la trentaine, il était tellement découragé par le rejet qu'il a envisagé le suicide. Mais plutôt que de céder au désespoir, il s’est consacré à nouveau à l’expression esthétique de son moi intérieur. Plus Hodgkin approfondissait ses connaissances, plus il comprenait intuitivement la relation entre l'émotion et les éléments formels essentiels de l'art, tels que la couleur et la peinture ; et plus son œuvre devint par la suite abstraite. À la fin de sa vie, Hodgkin a créé une œuvre distinctive basée sur un style épuré qui communiquait des sentiments bruts dans les termes les plus simples et les plus directs.

Des chiffres et des sentiments

Il y a longtemps eu un débat sur la question de savoir si nous devrions qualifier Howard Hodgkin d'artiste figuratif ou abstrait. Son travail précoce était clairement basé sur la réalité, montrant des figures dans des espaces intérieurs, parfois dans des circonstances sociales. Mais au fur et à mesure que sa carrière évoluait, il a estompé la frontière entre l'abstraction et la figuration, créant des peintures qui habitaient une sorte d'intersection entre les deux. Plutôt que de traiter uniquement de contenus spécifiques de sa vie, il a exploré les manières dont des éléments formels comme la couleur, le motif et la surface pouvaient évoquer des éléments émotionnels dans ses images. Au fil des décennies, ses peintures contenaient de minuscules éléments figuratifs enchâssés dans des champs de couleur, des formes et des motifs abstraits. Mais même lorsqu'il peignait quelque chose que la plupart des spectateurs considéreraient comme purement abstrait, Hodgkin lui-même aimait dire que l'œuvre était toujours figurative, car tout cela était intimement lié à un récit en cours informé par sa réalité personnelle.

Hodgkin a commencé à montrer ses peintures en 1950 à l'âge de 18 ans, alors qu'il était encore étudiant. En fait, l'une de ses premières œuvres, une gouache sur panneau intitulée Memoirs, peinte alors qu'il n'avait que 16 ans, est considérée par certains fans comme l'une de ses meilleures. Il a reçu sa première exposition personnelle en 1962, à la célèbre galerie Arthur Tooth & Sons à Londres. Le mélange unique de figuration et d'abstraction qui a défini les œuvres de cette exposition a permis à Hodgkin de se démarquer comme unique et audacieux. Mais le public britannique n'a pas immédiatement compris le travail, et l'exposition n'a pas été un succès commercial. Il a fallu près d'une décennie avant que les spectateurs de son pays natal ne viennent apprécier son talent distinctif.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Souvenirs de l'Inde

Très tôt, Howard Hodgkin s'est rendu compte que les tableaux qu'il voulait peindre étaient davantage des reliques esthétiques de ses propres souvenirs. En tant que personne qui aimait particulièrement voyager, bon nombre de ses souvenirs les plus marquants concernaient les paysages spectaculaires et les personnes extraordinaires qu'il avait rencontrées à l'étranger. Certaines des gravures les plus réussies qu'il a réalisées concernaient des voyages qu'il avait effectués en Inde. Dans une série de sérigraphies qu'il a créées intitulées Indian Views, il a abordé les petites fenêtres horizontales courantes sur les côtés des trains dans ce pays. Les images se lisent comme de simples paysages avec des lignes d'horizon, mais peuvent également être contemplées comme des champs de couleurs abstraits.

En plus de leur utilisation émotive de la couleur, ses sérigraphies Indian View se distinguent également par le fait qu'elles contiennent l'élément esthétique archétypal du cadre, qui au fil du temps est devenu d'une importance vitale pour Hodgkin. Dans plusieurs de ses peintures abstraites, il peint un cadre rectangulaire contenant l'image. Plus tard, il a commencé à encadrer ses surfaces dans de véritables cadres en bois, puis à peindre l'image sur la surface et sur le cadre, combinant les deux. Le cadre peint définissait ses peintures comme des objets résistants aux interférences extérieures et précisait que leur signification était entièrement contenue en elles-mêmes.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Reconnaissance extérieure

Malgré le manque de compréhension que Hodgkin a initialement reçu du public, il a continué à exposer et à poursuivre son style unique, créant des images hybrides abstraites-figuratives et développant un langage visuel émotif et coloré basé sur les sentiments. En 1971, il est invité pour la première fois à exposer à l'étranger, à Cologne, en Allemagne. Cette exposition est un succès et l'année suivante, il expose dans une exposition collective à Paris. Et l’année suivante, il expose pour la première fois aux Etats-Unis, dans une galerie à New York.

À sa grande joie, les spectateurs étrangers avaient une impression très différente de son travail. Après ses débuts à New York, Hodgkin a déclaré : « ils ont immédiatement compris quel genre d'artiste j'étais... la réaction était telle que j'avais l'impression de communiquer avec un public. Je n'ai que rarement ressenti cela en Angleterre ». Peut-être en raison de cette attention internationale, ou peut-être parce que les spectateurs britanniques ont simplement réalisé ce qu'ils avaient manqué, au cours des années suivantes, Hodgkin a vu sa réputation en Grande-Bretagne s'améliorer. En 1976, il avait été nommé CBE et avait reçu sa première exposition rétrospective, au Musée d'Art Moderne d'Oxford.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

L'école de Londres

Également en 1976, Hodgkin a reçu l'honneur d'être inclus parmi un groupe d'artistes britanniques associés à quelque chose appelé l'École de Londres. Le peintre R. B. Kitaj a inventé le terme École de Londres dans un essai de catalogue qu'il a écrit pour une exposition intitulée The Human Clay. Kitaj avait l'intention que le terme attire l'attention sur le fait qu'en contraste avec les tendances mondiales vers le Pop Art, le Minimalisme, l'Art Conceptuel et d'autres styles populaires, un groupe d'artistes britanniques talentueux avait exploré avec diligence la pertinence moderne de la figure humaine dans l'art.

L'argile humaine comprenait le travail de 48 artistes ; parmi eux se trouvaient Kitaj et Hodgkin, ainsi que plusieurs autres qui sont ensuite devenus vitaux et influents à l'international, tels que Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore et Lucian Freud. Chacun avait, à l'époque, effectivement exploré la figuration de manière résolument moderne. Mais la plupart ont néanmoins rejeté l'étiquette École de Londres lorsqu'ils l'ont entendue pour la première fois. Howard Hodgkin a rejeté l'étiquette, bien qu'il ait présenté cinq œuvres dans l'exposition, le deuxième plus grand nombre d'œuvres par un artiste. Être inclus dans le spectacle a néanmoins été un coup de pouce pour Hodgkin et une grande validation publique de ses efforts.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Moins est plus

Tout au long de sa carrière, Hodgkin a cherché des moyens d'exprimer plus tout en montrant moins, réduisant finalement les éléments figuratifs de son travail jusqu'à ce qu'ils soient à peine présents. Coïncidant avec la reconnaissance publique plus large dont il a bénéficié à la fin des années 1970, Hodgkin a également connu une transition dans sa vie personnelle. Après 20 ans de mariage avec sa femme Julia, Hodgkin s'est révélé gay et a accordé à Julia la garde de leurs deux fils. Sa vie est devenue à la fois plus simple et plus complexe. Bien que les titres de ses œuvres conservent désormais la qualité narrative personnelle pour laquelle son travail était devenu connu, faisant référence à des souvenirs personnels spécifiques, le contenu de ses images est devenu considérablement plus abstrait.

Même s’il aurait probablement nié une telle accusation, il est facile de voir comment se libérer d’un mensonge personnel aurait également pu le libérer du besoin d’investir son imagerie avec des insinuations, lui permettant ainsi de devenir plus direct avec ses émotions. Que cela ait quelque chose à voir avec cette circonstance ou non, au cours des dernières décennies de sa vie, Hodgkin a réduit son langage visuel de manière plus spectaculaire que jamais. Il est devenu plus apte à transmettre le potentiel expressif de la couleur, du coup de pinceau, de la surface, de la composition et de la peinture. Au cours de ses dernières années, ses compositions furent ses plus simples, et peut-être les plus profondes, communiquant habilement son idée essentielle du pouvoir éphémère de la mémoire et de l'émotion.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Image en vedette : Howard Hodgkin Brigid Seagrave (détail), 1961-62, huile sur toile, 34 x 39 po
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio