L'héritage de Sir Howard Hodgkin

Le célèbre peintre et graveur abstrait britannique Howard Hodgkin fut l’un des artistes les plus décorés de sa génération. Il représenta la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise en 1984 et remporta le prix Turner en 1985. En 1976, il fut admis dans l’Ordre très distingué de l’Empire britannique (CBE) ; il fut anobli en 1992 ; et en 2003, la reine Élisabeth II l’intégra à l’Ordre des Compagnons d’Honneur, où il rejoignit une liste restreinte de seulement trois autres artistes abstraits — Henry Moore, Victor Pasmore et Bridget Riley — ayant reçu la même distinction. La stature célébrée que Hodgkin atteignit finalement dans sa carrière contraste fortement avec les difficultés rencontrées au début de sa vie professionnelle. En 1981, Hodgkin déclara : « Je pense avoir eu la chance de ne pas avoir du tout réussi avant d’être d’âge mûr, mais il y eut de nombreux moments amers à traverser quand il s’est écoulé si longtemps avant que quelqu’un ne semble vouloir regarder mes tableaux. » Dans la trentaine, il était si abattu par les refus qu’il envisagea le suicide. Mais au lieu de céder au désespoir, il se consacra de nouveau à l’expression esthétique de son moi intérieur. Plus Hodgkin s’enfonçait en lui-même, plus il saisissait intuitivement la relation entre émotion et les éléments formels de l’art, tels que la couleur et la peinture ; et plus son travail devint par la suite abstrait. À la fin de sa vie, Hodgkin créa une œuvre distinctive fondée sur un style épuré qui communiquait le sentiment brut en des termes simples et directs.

Figures et Sentiments

Il y a longtemps eu un débat sur la question de savoir s’il fallait considérer Howard Hodgkin comme un artiste figuratif ou abstrait. Ses premières œuvres étaient clairement basées sur la réalité, montrant des figures dans des espaces intérieurs, parfois dans des circonstances sociales. Mais au fil de sa carrière, il brouilla la frontière entre abstraction et figuration, créant des peintures qui se situaient à une sorte d’intersection entre les deux. Plutôt que de traiter uniquement de contenus spécifiques de sa vie, il explora les manières dont des éléments formels comme la couleur, le motif et la surface pouvaient évoquer des éléments émotionnels dans ses images. Pendant plusieurs décennies, ses peintures contenaient de minuscules éléments figuratifs nichés dans des champs de couleur abstraits, des formes et des motifs. Mais même lorsqu’il peignait quelque chose que la plupart des spectateurs considéraient comme purement abstrait, Hodgkin aimait dire que l’œuvre restait figurative, car elle se rapportait intimement à un récit continu nourri par sa réalité personnelle.

Hodgkin commença à exposer ses peintures en 1950 à l’âge de 18 ans, alors qu’il était encore étudiant. En fait, l’une de ses premières œuvres, une peinture à la gouache sur panneau intitulée Mémoires, réalisée alors qu’il n’avait que 16 ans, est considérée par certains admirateurs comme l’une de ses meilleures. Il reçut sa première exposition personnelle en 1962, à la célèbre galerie Arthur Tooth & Sons à Londres. Le mélange unique de figuration et d’abstraction qui définissait les œuvres de cette exposition fit de Hodgkin un artiste à la fois unique et audacieux. Mais le public britannique ne comprit pas immédiatement son travail, et l’exposition ne fut pas un succès commercial. Il fallut presque une décennie avant que les spectateurs de son pays natal ne commencent à apprécier son talent distinctif.

Howard Hodgkin - Mémoires, 1949, Gouache sur panneau, 22 x 25 cm, © Succession Howard Hodgkin

Souvenirs d’Inde

Très tôt dans sa vie, Howard Hodgkin comprit que les peintures qu’il voulait réaliser ressemblaient davantage à des reliques esthétiques de ses propres souvenirs. En tant que grand voyageur, beaucoup de ses souvenirs les plus puissants concernaient les paysages spectaculaires et les personnes extraordinaires qu’il rencontrait à l’étranger. Certaines des estampes les plus réussies qu’il réalisa portaient sur ses voyages en Inde. Dans une série de sérigraphies intitulée Vues d’Inde, il aborda les petites fenêtres horizontales communes sur les côtés des trains dans ce pays. Les images se lisent comme de simples paysages avec des lignes d’horizon, mais peuvent aussi être envisagées comme des champs de couleur abstraits.

Outre leur usage expressif de la couleur, ses sérigraphies Vues d’Inde se distinguent aussi par la présence de l’élément esthétique archétypal du cadre, qui devint au fil du temps d’une importance vitale pour Hodgkin. Dans beaucoup de ses peintures abstraites, il peignait un cadre rectangulaire contenant l’image. Puis plus tard, il commença à encadrer ses surfaces avec de véritables cadres en bois, puis à peindre l’image à la fois sur la surface et sur le cadre, combinant les deux. Le cadre peint définissait ses peintures comme des objets résistants à toute interférence extérieure, et clarifiait que leur sens était entièrement contenu en elles-mêmes.

Howard Hodgkin - Vue d’Inde H, 1971, Sérigraphie sur papier, 58,1 x 78 cm, © Succession Howard Hodgkin

Reconnaissance extérieure

Malgré le manque de compréhension initiale du public, Hodgkin continua d’exposer et poursuivit son style unique, créant des images hybrides abstrait-figuratives et développant un langage visuel expressif et coloré fondé sur les sentiments. En 1971, il fut invité pour la première fois à exposer à l’étranger, à Cologne, en Allemagne. Cette exposition fut un succès, et l’année suivante il exposa dans une exposition collective à Paris. L’année suivante, il exposa pour la première fois aux États-Unis, dans une galerie à New York.

À sa grande joie, les spectateurs étrangers eurent une impression bien différente de son travail. Après ses débuts à New York, Hodgkin déclara : « ils ont immédiatement compris quel type d’artiste j’étais… la réaction fut telle que j’ai senti que je communiquais avec un public. Je l’ai rarement ressenti en Angleterre. » Peut-être à cause de cette attention internationale, ou peut-être parce que les spectateurs britanniques réalisèrent simplement ce qu’ils avaient manqué, Hodgkin vit sa réputation s’améliorer en Grande-Bretagne au cours des années suivantes. En 1976, il reçut le CBE et eut sa première exposition rétrospective, au Musée d’Art Moderne d’Oxford.

Howard Hodgkin - Pas à table, 1972, huile sur bois, 84 x 91 cm, © Succession Howard Hodgkin

L’École de Londres

Également en 1976, Hodgkin eut l’honneur d’être inclus parmi un groupe d’artistes britanniques associés à ce qu’on appela l’École de Londres. Le peintre R. B. Kitaj inventa le terme École de Londres dans un essai de catalogue qu’il écrivit pour une exposition intitulée L’Argile humaine. Kitaj voulait attirer l’attention sur le fait qu’en contraste avec les tendances mondiales vers le Pop Art, le Minimalisme, l’Art conceptuel et d’autres styles populaires, un groupe d’artistes britanniques talentueux explorait assidûment la pertinence moderne de la figure humaine en art.

L’Argile humaine comprenait les œuvres de 48 artistes ; parmi eux se trouvaient Kitaj et Hodgkin, ainsi que plusieurs autres qui devinrent par la suite d’une influence vitale à l’échelle internationale, tels que Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore et Lucian Freud. Chacun avait, à l’époque, exploré la figuration de manière singulièrement moderne. Mais la plupart rejetèrent néanmoins l’étiquette École de Londres lorsqu’ils l’entendirent pour la première fois. Howard Hodgkin rejeta cette étiquette, bien qu’il ait présenté cinq œuvres dans l’exposition, le deuxième plus grand nombre après un autre artiste. Être inclus dans cette exposition fut néanmoins un coup de pouce pour Hodgkin, et une grande validation publique de ses efforts.

Howard Hodgkin - La dernière fois que j’ai vu Paris, 1988-1991, huile sur bois, 112 x 127 cm, © Succession Howard Hodgkin

Moins c’est plus

Tout au long de sa carrière, Hodgkin chercha des moyens d’exprimer davantage en montrant moins, réduisant finalement les éléments figuratifs dans son travail jusqu’à ce qu’ils soient à peine perceptibles. Coïncidant avec la reconnaissance plus large du public qu’il connut à la fin des années 1970, Hodgkin connut aussi une transition dans sa vie personnelle. Après 20 ans de mariage avec son épouse Julia, Hodgkin fit son coming out en tant qu’homosexuel, et accorda à Julia la garde de leurs deux fils. Sa vie devint à la fois plus simple et plus complexe. Bien que les titres de ses œuvres à partir de ce moment gardèrent la qualité narrative personnelle pour laquelle son travail était connu, faisant référence à des souvenirs personnels spécifiques, le contenu de ses images devint nettement plus abstrait.

Bien qu’il aurait probablement nié une telle accusation, il est facile de voir comment se libérer d’un mensonge personnel aurait aussi pu le libérer du besoin d’investir ses images d’allusions, lui permettant d’être plus direct avec ses émotions. Que cela ait eu ou non un rapport avec cette circonstance, dans les dernières décennies de sa vie, Hodgkin réduisit son langage visuel plus radicalement que jamais auparavant. Il devint plus habile à transmettre le potentiel expressif de la couleur, du coup de pinceau, de la surface, de la composition et de la peinture. Dans ses dernières années, ses compositions furent les plus simples, et peut-être les plus profondes, communiquant habilement son idée essentielle du pouvoir fugitif de la mémoire et de l’émotion.

Howard Hodgkin - Amour et Mort, 2015, huile sur bois, 79 x 89 cm, © Succession Howard Hodgkin

Image en vedette : Howard Hodgkin Brigid Seagrave (détail), 1961-62, huile sur toile, 86 x 99 cm
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio