Pourquoi Richard Anuszkiewicz était une force majeure de l'Op Art

Les mouvements artistiques ne meurent jamais. Ils font simplement une sieste jusqu'à ce qu'un nouveau génie les réveille pour qu'ils puissent reprendre là où leurs maîtres du passé s'étaient arrêtés. Ou parfois, comme dans le cas rare de l'Art Optique, grâce à l'un de ses pionniers les plus durables, Richard Anuszkiewicz, un mouvement artistique a le privilège d'avancer sans interruption, génération après génération. L'Art Optique est apparu dans les années 1960, et il ne s'est jamais vraiment éteint. Avec Bridget Riley, Anuszkiewicz était, jusqu'en 2020, l'une de ses légendes vivantes. Ancien élève de Josef Albers à Yale, Anuszkiewicz était à l'avant-garde d'une tendance qui s'éloignait de l'émotion personnelle et du drame en art, pour s'orienter vers l'étude des relations formelles objectives, et l'effet que ces relations ont sur nos yeux et notre esprit. Ce qui distinguait Anuszkiewicz parmi ses contemporains, et ce qui le maintenait pertinent bien après que la plupart d'entre eux aient abandonné, ce n'était pas seulement l'éclat de son œuvre, mais le sérieux et l'humilité avec lesquels elle était réalisée.

La découverte de la couleur

L'une des histoires les plus attachantes à propos de Richard Anuszkiewicz est celle de sa première exposition personnelle à New York. L'histoire commence dans l'Ohio, où Anuszkiewicz a obtenu son baccalauréat en arts à l'Institut d'Art de Cleveland. Lors de sa cinquième et dernière année dans cette école, il a obtenu une bourse pour aller étudier l'art en Europe. Mais après avoir exprimé à son conseiller qu'il n'avait aucun intérêt pour l'Europe, on l'a encouragé à poursuivre des études supérieures soit à Cranbrook, une école d'art progressiste près de Detroit, soit à Yale. Après avoir appris que Josef Albers, le célèbre coloriste aux racines du Bauhaus, enseignait à Yale, Anuszkiewicz a choisi d'y aller. À propos de son choix, il expliqua plus tard qu'il sentait que la couleur était ce qui manquait le plus à son travail.

Bien qu'Albers fût, et soit toujours, considéré comme un génie, il n'était pas un professeur universellement apprécié. Beaucoup trouvaient ses leçons arbitraires, ennuyeuses—voire inutiles. Mais Albers se moquait de ce que pensaient ses élèves. Il croyait en la valeur intrinsèque de la compréhension des relations colorées, et c'est tout ce qu'il enseignait. Si un élève ne comprenait pas ou ne montrait pas d'intérêt, cela lui était égal. Mais Anuszkiewicz fut ce rare étudiant qui comprenait pleinement l'importance de ce qu'Albers enseignait. Il excellait dans ses cours. Il fut même convaincu par Albers d'abandonner la figuration, acceptant que la seule façon d'explorer véritablement le pouvoir de la couleur était d'en faire le sujet central de l'œuvre. Mais il restait un problème central pour Anuszkiewicz : sous le poids de la forte personnalité d'Albers, il était presque impossible pour ses élèves de développer un style individuel.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; et Veridified, 1971, Deux sérigraphies en couleurs, sur papier vélin, avec marges complètes, 91,4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

Un succès de dernière minute

Après avoir terminé sa maîtrise à Yale, Anuszkiewicz fit le choix inhabituel de retourner dans l'Ohio pour obtenir un diplôme supplémentaire en éducation au cas où il voudrait enseigner un jour. C'est là, enfin libéré de l'influence d'Albers, qu'il trouva un style qui lui était propre. Il s'agissait d'une exploration de la manière dont les relations entre les couleurs et les formes pouvaient tromper l'œil et faire voir à l'esprit des choses qui ne sont pas là. Il trouva cette expérience transcendante et contemplative, et son paradoxe poétique. Après avoir obtenu son diplôme en éducation, Anuszkiewicz sentit pour la première fois qu'il avait une idée forte et singulière, ainsi que de nombreux bons exemples de son travail. Il partit donc à New York et commença à montrer ses œuvres aux galeristes. Mais malgré l'intérêt de beaucoup pour son travail, aucun galeriste ne voulait prendre le risque de l'exposer. Nous étions en 1957. L'expressionnisme abstrait était encore à la mode. Les marchands n'étaient pas sûrs que les œuvres plates, colorées et aux contours nets qu'Anuszkiewicz réalisait se vendraient.

Il fallut deux ans avant qu'Anuszkiewicz ne soit enfin signé par Karl Lunde, à la galerie The Contemporaries. Lunde lui proposa une exposition personnelle en mars 1960. Cette exposition fut un grand succès en termes de fréquentation. De nombreux critiques et collectionneurs s'enthousiasmèrent pour son travail. Mais comme tous les autres marchands l'avaient prédit, personne n'acheta. En fait, presque toute l'exposition se déroula sans une seule vente jusqu'à ce que, presque le dernier jour, un acheteur entre enfin : Alfred F. Barr, Jr., qui était alors le directeur du Museum of Modern Art. Barr acheta une peinture intitulée Fluorescent Complement, qu'il exposa plus tard cette année-là au MoMA avec d'autres acquisitions récentes. Comme prévu, d'autres collectionneurs commencèrent à acquérir des œuvres d'Anuszkiewicz, y compris certains des plus riches de la ville, comme Nelson Rockefeller.

Richard Anuszkiewicz - Fluorescent Complement, 1960, Huile sur toile, 91,5 x 82 cm, Collection MoMA, © Richard Anuszkiewicz

L'effet MoMA

La présence de Fluorescent Complement au MoMA indiqua au public qu'il était temps pour l'expressionnisme abstrait de faire une pause. L'année suivante, le Whitney organisa Abstraction géométrique en Amérique, qui comprenait une peinture d'Anuszkiewicz, puis le MoMA annonça une grande exposition à venir consacrée à « un accent principalement visuel ». Lorsque cette grande exposition, intitulée L'Œil Réactif, eut lieu, elle rassembla les œuvres de nombreux artistes et fixa la signification du terme Art Optique. Et avec Victor Vasarely et Bridget Riley, Anuszkiewicz émergea comme l'un des artistes les plus importants de l'exposition.

On dit que ce qui distinguait Vasarely était sa maîtrise de la lumière et de l'ombre, ce qui distingue Riley est sa maîtrise de la ligne, et ce qui distinguait Anuszkiewicz était sa maîtrise des relations colorées. Mais il y a autre chose qui les différencie tous les trois : leur sérieux. Ils possèdent tous une curiosité intrinsèque et un dévouement. Et Anuszkiewicz était aussi spécial par son humilité. Alors que les écrivains s'extasient sur ses réalisations, il fait des remarques comme : « Quelque chose se produit quand on met deux couleurs ensemble. Cela a un effet. » Il minimisait l'éclat et la puissance de son travail, se référant simplement à l'idée que les couleurs et les formes changent selon les situations, et que contempler ces changements peut rappeler aux humains que nous ne sommes jamais tout à fait sûrs que ce que nous regardons est réel.

Richard Anuszkiewicz - Sans numéro (Édition annuelle), 1978, Peinture et sérigraphie sur masonite, 10,2 × 10,2 cm, Galerie Loretta Howard, New York, New York © Richard Anuszkiewicz

Image en vedette : Richard Anuszkiewicz - Sans titre (Édition annuelle), 1980, Sérigraphie sur masonite, 14,6 × 14,6 cm. © Richard Anuszkiewicz
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement