Pourquoi Richard Anuszkiewicz était une force majeure de l'Op Art

Les mouvements artistiques ne meurent jamais. Ils font simplement une sieste jusqu'à ce qu'un nouveau génie les réveille à nouveau afin qu'ils puissent reprendre là où leurs anciens maîtres s'étaient arrêtés. Ou parfois, comme dans le cas rare de l'Op Art, grâce à l'un de ses pionniers les plus durables, Richard Anuszkiewicz, un mouvement artistique a le privilège d'aller de l'avant. sans interruption, génération après génération. L’Op Art est apparu dans les années 1960 et n’a jamais vraiment disparu. Avec Bridget Riley, Anuszkiewicz était, jusqu'en 2020, l'une de ses légendes vivantes. Ancien élève de Josef Albers à Yale, Anuszkiewicz était à l'avant-garde d'une tendance qui s'éloignait des émotions personnelles et du drame dans l'art et se tournait vers l'investigation des relations formelles objectives et de l'effet que ces relations ont sur nos yeux et notre esprit. Ce qui a permis à Anuszkiewicz de se démarquer parmi ses contemporains, et ce qui l'a gardé d'actualité longtemps après que la plupart d'entre eux ont démissionné, n'est pas seulement l'éclat de son travail, mais aussi le sérieux et l'humilité avec lesquels il a été réalisé.

Découvrir la couleur

L'une des histoires les plus attachantes concernant Richard Anuszkiewicz est celle de sa première exposition personnelle à New York. L'histoire commence dans l'Ohio, où Anuszkiewicz a obtenu son diplôme de Bachelor of Arts au Cleveland Institute of Art. Dans sa cinquième et dernière année dans cette école, il a obtenu une bourse pour aller étudier l'art en Europe. Mais après avoir exprimé à son conseiller qu'il n'avait aucun intérêt pour l'Europe, il a été encouragé à poursuivre des études supérieures soit à Cranbrook, une école d'art progressiste près de Detroit, soit à Yale. Après avoir appris que Josef Albers, le célèbre coloriste aux racines du Bauhaus, était à Yale, Anuszkiewicz a choisi d'y aller. Concernant son choix, il a ensuite expliqué qu'il sentait que la couleur était la plus grande chose qui manquait à son travail.

Même si Albers était et est toujours considéré comme un génie, il n’était pas un professeur universellement apprécié. Beaucoup trouvaient ses cours arbitraires, ennuyeux, voire inutiles. Mais Albers ne se souciait pas de ce que pensaient ses étudiants. Il croyait en la valeur inhérente de la compréhension des relations entre les couleurs, c’est donc tout ce qu’il a enseigné. Si un étudiant ne comprenait pas ou ne montrait pas d’intérêt, cela n’avait aucune importance pour Albers. Mais Anuszkiewicz était l’un des rares étudiants à comprendre pleinement l’importance de ce qu’Albers enseignait. Il excellait dans ses cours. Il a même été convaincu par Albers d'abandonner la figuration, acceptant que la seule façon d'explorer véritablement le pouvoir de la couleur est d'en faire le sujet central de l'œuvre. Mais il restait un problème central pour Anuszkiewicz : sous le poids de la puissante personnalité d’Albers, il était presque impossible pour ses élèves de développer un style individuel.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; and Veridified, 1971, Two screenprints in colors, on wove paper, with full margins, 36 × 26 in, 91.4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

Succès de dernière minute

Après avoir terminé son Master à Yale, Anuszkiewicz a pris la décision inhabituelle de retourner dans l'Ohio pour obtenir un diplôme supplémentaire en éducation au cas où il voudrait un jour enseigner. C'est là, enfin libre de l'influence d'Albers, qu'il a trouvé un style qui lui était propre. C'était une exploration de la façon dont les relations entre les couleurs et les formes pouvaient tromper l'œil et amener l'esprit à voir des choses qui n'étaient pas là. Il a trouvé cette expérience transcendante et contemplative, et son paradoxe poétique. Après avoir terminé son diplôme en éducation, Anuszkiewicz a eu l'impression que pour la première fois, il avait une idée forte et idiosyncratique, et de nombreux bons exemples de son travail. Il a donc déménagé à New York et a commencé à montrer son travail aux galeristes. Mais malgré le fait que beaucoup trouvaient le travail intrigant, aucun galeriste ne voulait prendre le risque de l'exposer. C'était en 1957. L'Expressionnisme Abstrait était encore à la mode. Les marchands n'étaient tout simplement pas sûrs que les œuvres plates, colorées et aux contours nets qu'Anuszkiewicz réalisait se vendraient.

Il a fallu deux ans avant qu'Anuszkiewicz soit finalement signé par Karl Lunde, à la Contemporaries Gallery. Lunde lui propose une exposition personnelle en mars 1960. Cette exposition finit par être fabuleusement bien suivie. De nombreux critiques et collectionneurs ont été ravis de cette œuvre. Mais comme tous les autres revendeurs l’avaient prédit, personne n’achetait. En fait, presque toute l'exposition s'est déroulée sans une seule vente jusqu'à ce que, presque son dernier jour, un acheteur entre enfin : Alfred F. Barr, Jr., qui se trouvait être le directeur du Musée d'Art Moderne. Barr a acheté un tableau intitulé Fluorescent Complement et l'a exposé plus tard cette année-là au MoMA avec d'autres acquisitions récentes. Comme sur des roulettes, d'autres collectionneurs ont commencé à acquérir des œuvres d'Anuszkiewicz, notamment certains des collectionneurs les plus riches de la ville, comme Nelson Rockefeller.

Richard Anuszkiewicz - Fluorescent Complement, 1960, Oil on canvas, 36 x 32 1/4 in (91.5 x 82 cm), MoMA Colection, © Richard Anuszkiewicz

L'effet MoMA

La présence de Fluorescent Complement au MoMA a signalé au public qu'il était temps pour l'Expressionnisme Abstrait de faire une pause. L'année suivante, le Whitney a accueilli Geometric Abstraction in America, qui comprenait une peinture d'Anuszkiewicz, puis le MoMA a annoncé une grande exposition à venir dédiée à "un accent principalement visuel." Lorsque cette grande exposition, qui s'appelait The Responsive Eye, a finalement eu lieu, elle a inclus le travail de nombreux artistes et a solidifié le sens du terme Op Art. Et avec Victor Vasarely et Bridget Riley, Anuszkiewicz est apparu comme l'un des artistes les plus importants de l'exposition.

On dit que ce qui séparait Vasarely était sa maîtrise de la lumière et des ténèbres, ce qui séparait Riley était son maître des lignes et ce qui séparait Anuszkiewicz était sa maîtrise des relations entre les couleurs. Mais il y a autre chose chez les trois qui les distingue : leur sérieux. Ils possèdent tous les trois une curiosité et un dévouement intrinsèques. Et Anuszkiewicz était également spécial par son humilité. Alors que les écrivains s'extasient sur ses réalisations, il fait des commentaires tels que : « Quelque chose se produit lorsque vous associez deux couleurs. Cela a un effet. Il a minimisé l'éclat et la puissance de son travail, se référant simplement à l'idée selon laquelle les couleurs et les formes changent selon les situations, et contempler de tels changements peut rappeler aux humains que nous ne sommes jamais vraiment sûrs de la réalité de ce que nous regardons.

Richard Anuszkiewicz - Unnumbered (Annual Edition), 1978, Paint and screenprint on masonite, 4 × 4 in, 10.2 × 10.2 cm, Loretta Howard Gallery, New York City, New York © Richard Anuszkiewicz

Image en vedette : Richard Anuszkiewicz - Sans titre (édition annuelle), 1980, sérigraphie sur masonite, 5 3/4 × 5 3/4 po, 14,6 × 14,6 cm. © Richard Anuszkiewicz
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