18 समकालीन अमूर्त कलाकार अपनी वंशावली के बारे में खुलकर बात करते हैं

कला सिखाना खतरनाक और असंभव है। फिर भी यह अनिवार्य भी है। कला के अस्तित्व के लिए, कलाकारों को यह सीखना होगा कि वे जो बनने जा रहे हैं वह कैसे बनें, और जो कुछ वे बनाने जा रहे हैं वह कैसे बनाएं। कुछ स्कूल में सीखेंगे, अन्य दोषपूर्ण इंसानों से जैसे वे खुद हैं, जिन्होंने किसी न किसी कारण से दूसरों के साथ जो कुछ उन्होंने सीखा है उसे साझा करने का खतरनाक, असंभव, अनिवार्य कार्य लिया है। अन्य कलाकार कक्षा के बाहर शिक्षक पाएंगे। वे कलाकारों के साथ खुलासों या बारों में घूमकर यह सीख सकते हैं कि कलाकार होना क्या मतलब है। वे ऑनलाइन वीडियो देखकर या संग्रहालयों या किताबों में देखी गई कला को विखंडित करके यह सीख सकते हैं कि कला बनाना क्या है। कुछ कलाकार खुद को यह सिखाएंगे कि वे क्या हैं, वास्तुकला और डिजाइन से प्रेरणा लेकर, बस रोज़मर्रा के निर्मित वातावरण और इसके अनगिनत उत्पादों और स्थानों के साथ बातचीत करते हुए जो विचार और भावनाएं अनुभव करते हैं, उनका जवाब देकर। फिर भी अन्य कलाकार केवल अपनी आंतरिक सृजनात्मक प्रेरणा को अपनाकर—और फिर पोषित करके—कलाकार बनना सीख सकते हैं। बनाने की प्रक्रिया हमें बनाना सिखा सकती है। होने की प्रक्रिया हमें यह सिखा सकती है कि हम क्या बनना चाहते हैं। अंत में, जो कोई भी सीखने की प्रक्रिया से उस क्षण तक पहुंचता है जब वह बिना झूठ महसूस किए कह सकता है, "मैं एक कलाकार हूँ," उसके पास अपने शिक्षकों के बारे में एक कहानी होगी। आज हम आपको ऐसे कलाकारों की कहानियों का संग्रह लाते हैं जो अपनी सीखने की विरासत साझा करने के लिए बहादुर हैं। वे बहादुर हैं क्योंकि अपनी सौंदर्यशास्त्र या वैचारिक विरासत की घोषणा करना उन्हें एक भयानक खतरे के सामने लाता है। आप, पाठक, यह समझ सकते हैं कि एक कलाकार दूसरे कलाकार का छात्र था, या किसी चीज़ से प्रेरित था, और इसे एक शॉर्टकट समझ सकते हैं। आप कह सकते हैं, "आहा! अब मैं देखता हूँ कि वे किसकी नकल कर रहे हैं," या, "अब मैं उनकी कला समझता हूँ!" इसके बजाय, जब आप इन 18 कलाकारों के बनने की कहानियां पढ़ें, तो जानकारी को अपनी धारणा को बढ़ाने दें। हर धागे का अनुसरण करें और गहराई में जाएं। आप कला सिखाने और सीखने का खतरनाक, असंभव, अनिवार्य सौंदर्य झलक सकते हैं।

Anya Spielman

Spielman यूनिवर्सिटी ऑफ कैलिफोर्निया, डेविस में वायने थिबॉल्ड की छात्रा थीं। अपनी अन्य शिक्षकों के बारे में, वह कहती हैं:

"मेरे लिए एक बड़ा प्रभाव Hieronymus Bosch के ट्रिपटिक, “The Garden of Earthly Delights” को Prado में किशोरावस्था में देखना था। मैं उनके काम की प्रतीकात्मकता के साथ-साथ उनके समृद्ध रंग और जटिल रचनाओं से अभिभूत हो गया था। मैंने तुरंत Bosch के काम में द्वैतवाद पर प्रतिक्रिया दी: उनकी सटीक और प्रकाशित रंगमाला: स्याही काला, उमर, हल्का गुलाबी, हड्डी, वर्मिलियन और अजुराइट के रंग; Eden में उनके पारदर्शी सुख कक्षों के वक्र, जो एक भ्रमित करने वाले नर्क में मनोवैज्ञानिक और शारीरिक पतन के साथ विपरीत हैं। Bosch की दूरदर्शी प्रतिभा ने मानव स्वभाव को उसके सभी रूपों में सीधे अंतरंगता और शक्ति के साथ प्रस्तुत किया, जो आज भी मुझे बेहद दुर्लभ लगती है।"

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015। पैनल पर तेल। 15.3 x 15.3 सेमी

Deanna Sirlin

Sirlin ने Queens College, City University of New York में स्नातक छात्र के रूप में Louis Finkelstein के साथ अध्ययन किया। उसी स्कूल में, उन्होंने Benny Andrews के साथ अध्ययन किया, जो 1950 के दशक में School of the Art Institute of Chicago में Abstract Expressionist के रूप में प्रशिक्षित थे; Clinton Hill, जो Mark Rothko के स्टूडियो सहायक थे; कला आलोचक और Artforum के Associate Editor Robert Pincus-Witten, जिन्होंने उनकी “आलोचनात्मक दृष्टि में मदद की;” और Charles Cajori, जो Hans Hoffman के छात्र थे। Sirlin कहती हैं:

"[Lineage] वास्तव में एक जटिल प्रश्न है। कलाकारों के साथ संबंध भी पेचीदा हैं। जब मैं Yaddo में एक युवा कलाकार था, तब Anne Truitt मेरे लिए महत्वपूर्ण थीं। Melissa Meyer भी उस गर्मी [1983] में वहां थीं। Erin Lawlor Latvia के Rothko Centre में मेरी स्टूडियो साथी थीं। Jose Heerkins भी उसी समय Rothko Centre में हमारे साथ थे [2016]। जब मैं Atlanta College of Art में पढ़ा रहा था, तब Kara Walker एक छात्रा थीं और मैं और Kara दोनों ने 1992 में उसी Atlanta Biennial में प्रदर्शन किया था। फिर अन्य कलाकार—लेखक और नाटककार भी हैं। Hayden Herrera [Frieda Kahlo और Arshile Gorky के जीवनी लेखक] मेरे कला लेखक के रूप में मार्गदर्शक थे। Chris Kraus [I Love Dick] और मैं Yaddo में साथ थे... मैं नाटककार Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous] का करीबी मित्र था। वह Warhol के लिए स्क्रीनराइटर थे... मुझे उम्मीद है कि इस अतिरिक्त उत्तर में मैंने आपके लिए चीजें भ्रमित नहीं कीं।"

Deanna Sirlin - Wonder, 2015। कैनवास पर मिक्स्ड मीडिया। 127 x 106.7 सेमी

ब्रेंडा जैपिटेल

"जब मैंने पहली बार पेंटिंग शुरू की, तो मैं सबसे अधिक पिकासो से प्रभावित था। मैं उनके रंग उपयोग और निशान बनाने की शैली की ओर आकर्षित था, विशेष रूप से “Girl Before A Mirror” (1932) में। बाद में, जब मैंने अधिक Abstract Expressionist तरीके से पेंटिंग शुरू की, तो मैं जोआन मिशेल और विलेम डी कूनिंग की ओर अधिक आकर्षित हुआ। हालांकि, मैंने वास्तव में उनके काम को तब देखा जब मैं इस तरह पेंटिंग कर रहा था, पहले नहीं।"

Brenda Zappitell - At the moment, 2017। फ्लैश और ऐक्रेलिक के साथ ठंडे वैक्स पर पैनल। 127 x 127 सेमी

Daniel Göttin

2006 में Minus Space NY के लिए एक साक्षात्कार में, चित्रकार क्रिस एशले ने Göttin से पूछा कि वह एक कलाकार के रूप में कहां से शुरू करते हैं। Göttin ने उत्तर दिया:

"कभी-कभी कला इतिहास यह दिखावा करता है कि कोई विशेष कला आंदोलन एक पूर्ण इकाई है। “concrete” शब्द का उपयोग जरूरी नहीं कि Konkrete Kunst के वैचारिक पृष्ठभूमि से मेल खाता हो, जो समाज और राजनीति के विचारों पर भी आधारित था। मेरी चिंता एक ऐसी इकाई के बारे में है जिसमें विरोधाभास भी शामिल हो सकते हैं—एक हाँ और एक ना, और यहां तक कि शायद भी। मेरी शुरुआत विभिन्न दृष्टिकोणों या स्थितियों के एक साथ संश्लेषण से होती है, जो मेरे लिए एक स्थानिक दृष्टिकोण है। यह स्पष्ट या सूक्ष्म, सममित या असममित या दोनों हो सकता है, विरोधाभास के साथ या बिना। यह नियम और विचलन दोनों हो सकता है। मैंने जो कुछ शुरुआती कार्य किए वे Kurt Schwitters के काम (Merz) से संबंधित कोलाज थे, किसी भी पाए गए सामग्री को मोटे तौर पर एक कार्डबोर्ड के टुकड़े पर चिपकाया गया—भौतिक, प्रत्यक्ष, तात्कालिक, आकस्मिक, रंगीन, यहां तक कि डाडाइस्टिक। बाद में, मैं Minimal Art में रुचि लेने लगा, जहां कलाकृति अक्सर सटीक रूप से योजनाबद्ध होती है, और परिभाषित सामग्री के उपयोग और विवरणों पर ध्यान के साथ पूरी तरह से और स्पष्ट रूप से निर्मित होती है। दोनों आंदोलनों का मेरे लिए महत्व है, और कभी-कभी मैं अपने काम में दोनों के हिस्से देखता हूं, जो उन दो कला ऐतिहासिक स्थितियों के बीच मेल खाते हैं।"

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992। पावाटेक्स पर ऐक्रेलिक। 97 x 58.5 x 3 सेमी

गैरी पल्लर

"किसी के प्रभावों को समझना काफी मुश्किल है, कम से कम मेरे लिए, क्योंकि मैं ज्यादातर अंतर्ज्ञान से काम करता हूँ और ज्यादा चेतना से नहीं। मुझे लगता है कि UCLA में एक कला छात्र के रूप में मेरे प्रारंभिक वर्ष (BA 74, MFA 77) ने मेरी पहचान का एक बड़ा हिस्सा बनाया। उन दिनों UCLA एक पेंटर का स्कूल था जिसमें यूरोपीय/आधुनिकतावादी झुकाव था। मेरी पहली पेंटिंग क्लास के लिए, मैं रिचर्ड डिएबेनकॉर्न के साथ परिचयात्मक पेंटिंग क्लास लेने के लिए नामांकित था (मुझे नहीं पता था कि वे कौन हैं), लेकिन उनके और फैकल्टी नेतृत्व के बीच कुछ मुद्दे थे, और उनकी स्थिति क्लास शुरू होने से पहले समाप्त कर दी गई। इसलिए मैंने रिचर्ड जोसेफ के साथ पढ़ाई की, जो एक नए यथार्थवादी थे, जिन्होंने मुझे एक मजबूत आधार दिया। छह महीने बाद, चार्ल्स गाराबेडियन के साथ एक अधिक उन्नत पेंटिंग क्लास में काम करते हुए, मैंने अमूर्तता के साथ प्रयोग करना शुरू किया। वर्षों में, जो प्रोफेसर शायद मुझ पर सबसे अधिक प्रभाव डालने वाले थे, वे विलियम ब्राइस थे। बिल एक बहुत ही स्पष्टवादी, गरिमामय, उदार, विचारशील, मजाकिया शिक्षक और मित्र थे। एक मेहनती और उत्पादक कलाकार के रूप में, वे अक्सर स्टूडियो में समय बिताने की आवश्यकता के बारे में बात करते थे और बाकी सब कम महत्वपूर्ण था। मैं उन्हें अक्सर याद करता हूँ और खुद को भाग्यशाली मानता हूँ कि मैं उन्हें लंबे समय तक जान पाया। यह कई वर्षों तक लगा कि मैं खुद को छात्र होने के विचार से अलग कर सकूं और जब भी मैं पेंटिंग करता था, मेरे पुराने प्रोफेसरों की आवाज़ें मेरे सिर में सुनाई देती थीं, लेकिन समय के साथ मैंने अपनी पहचान और उस जिम्मेदारी का स्पष्ट एहसास प्राप्त किया है कि मैं ऐसा काम करूं जो मेरी दृष्टि को पूरा करे। मैं अक्सर अपने काम में अन्य कलाकारों के पहलुओं को देखता हूँ, कभी-कभी महसूस करता हूँ कि वास्तव में एक कनेक्शन है समान विचारों के माध्यम से और कभी-कभी ऐसा लगता है कि कोई समानता केवल सतही है। अंत में, कला लेखक प्रभावों के बारे में बात करें।"

Gary Paller - 9 (2015), 2015। कागज पर स्याही। 37.8 x 29 सेमी

Tracey Adams

माइकल मैजुर (1935-2009) मेरे प्रिंटमेकिंग शिक्षक थे 25 साल पहले। हम पहली बार तब मिले जब मैं प्रॉविंसटाउन में फाइन आर्ट्स वर्क सेंटर में ठहरा था, जहां माइकल प्रिंटमेकिंग पर एक सप्ताह लंबा कार्यशाला दे रहे थे। हमारी प्रारंभिक बातचीत में कई बातें खास थीं: माइकल एक अत्यंत सहानुभूतिपूर्ण और सामाजिक रूप से जागरूक व्यक्ति थे, न केवल उनके चुने हुए विषय (एक मनोरोग अस्पताल के पीड़ित मरीजों और चिड़ियाघर में पिंजरे के पीछे जानवरों के चित्र और प्रिंट) में, बल्कि जीवन के बारे में हमारी एक-से-एक बातचीत में भी। उन्होंने मुझे उदार बनने की शिक्षा दी, उदाहरण के माध्यम से, स्टूडियो की आत्ममुग्धता को संतुलित करने के लिए। माइकल अपनी तकनीक या कला करियर के प्रयास के बारे में कुछ भी साझा करने से नहीं चूकते थे। माइकल ने 80 के दशक के अंत में चीन में समय बिताया और एशियाई परिदृश्य के प्रति उनके प्रेम के कारण, मैंने अपनी मुद्राओं को सरल बनाना सीखा, अभिव्यक्ति की अर्थव्यवस्था के साथ चित्रकारी करना, जो मैं अपने दिल के बहुत करीब रखता हूँ। मैं उनका हास्य कभी नहीं भूलूंगा जब वे मुझसे कहते थे, “Tracey, यह ungepatchke है!”, एक यिद्दिश शब्द जिसका अर्थ है बहुत व्यस्त और सजाया हुआ।

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016। रिव्स पर ग्वाश, ग्रेफाइट और स्याही। 66 x 50.8 सेमी

Kyong Lee

Lee अपनी पहली प्रेरणा के रूप में 11 वर्ष की उम्र में देखी गई Paul Cezanne की एक वॉटरकल का उल्लेख करती हैं, जिसने "अविस्मरणीय छाप" छोड़ी। वह आगे कहती हैं:

"मेरे प्रोफेसर, Klaus Stümpel, प्रकृति के इतने करीब थे कि उन्हें लगभग 'किसान' उपनाम दिया गया था। उन्होंने मुझे Frantisek Kupka का अध्ययन करने की सलाह दी। मैंने उनके अमूर्त होने की प्रक्रिया और उनके ब्रह्मांडीय और रहस्यमय दृष्टिकोण का अध्ययन किया। सबसे बढ़कर, मैंने उनके जीवन के प्रति प्रेम और अपने विचारों को बनाए रखने की इच्छा के बारे में सबसे अधिक सीखा। जब मैं कोरिया वापस आया, तो मैंने फिर से कैंडिंस्की के बारे में सोचा। मुझे लगता है कि कला में वस्तुनिष्ठ, सार्वभौमिक सत्य खोजने की उनकी इच्छा असंभव चुनौती है। मुझे लगता है कि कला विषयगत और व्यक्तिगत है, न कि कुछ और। जब मैं अपनी सबसे गहरी आंतरिक ओर खोज करता हूँ, तो मैं दूसरों के अंदर के साथ संवाद कर सकता हूँ। मुझे लगता है कि कला सूक्ष्म जगत (मानव) और व्यापक जगत (दुनिया) को जोड़ने वाला माध्यम हो सकती है। विशेष रूप से, रंग मेरा शोध विषय है। मैं रंग को एक विशेषण के रूप में खोज रहा हूँ। मुझे Richter का काम के प्रति रवैया, पेंटिंग के लिए उनका जुनून, और प्रयोग की भावना पसंद है। शायद On Kawara? मुझे उनका काम पसंद है, जिसमें वे जीवित होने का प्रमाण देना चाहते थे, और मैं रोज काम करके खुद को साबित करना चाहता हूँ कि मैं अभी भी भावनात्मक और संवेदनशील रूप से जीवित हूँ। Wassily Kandinsky और कई अन्य Minimalist के बारे में मेरे विचार सामान्य दृष्टिकोण से बहुत अलग हैं। मैं उनके कलात्मक दृष्टिकोण से सहमत नहीं हूँ।"

Kyong Lee - Picture with White, 2008। कैनवास पर एक्रिलिक, 150 x 200 सेमी

Joanne Freeman

Freeman उन प्रभावों का उल्लेख करती हैं जिनमें कलाकार (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman, और Andy Warhol), डिजाइनर (Saul Bass और Roy Kuhlman) और वास्तुकार (Le Corbusier) शामिल हैं। लेकिन वह इस बात पर भी बात करती हैं कि संस्कृति ने उनके कला पर व्यक्तिगत रूप से कैसे प्रभाव डाला है, जैसा कि निम्नलिखित उपाख्यान में है:

"मेरे पिता का व्यवसाय साइनज था। अमेरिका के अधिकांश शहरी बच्चों की तरह मैं कार की पिछली सीट में बड़ा हुआ, बिलबोर्ड और नीयन के प्रति अत्यधिक जागरूक था। ध्यान आकर्षित करने वाला प्रत्यक्ष दृश्य उत्तेजना मेरी मानसिकता का हिस्सा था। हाल ही में मैं न्यूयॉर्क के MoMA में था और बार्नेट न्यूमैन की पेंटिंग “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroic and Sublime) (1950-51) को देखकर फिर से प्रभावित हुआ। इसकी शक्ति, तत्परता और सरलता के प्रति मेरी गहन प्रतिक्रिया अभूतपूर्व थी, जिसने मेरे अपने दृश्य अतीत और पहचान को पुनः पुष्टि की।"

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014। हस्तनिर्मित खादी कागज पर ग्वाश। 33.1 x 33.1 सेमी

Brent Hallard

"मेरे लिए, वह Mondrian थे। उस समय के अमूर्त कलाकार अधिक अवधारणात्मक रूप से अमूर्तता के साथ काम कर रहे थे, मतलब वे इसके विचार को पसंद करते थे, जबकि Mondrian यांत्रिकी के माध्यम से पीछे की ओर काम करता था और चित्र तल को पुनः आविष्कार करते हुए सामने आता था। तब से बहुत कम लोगों ने ऐसा किया है। फिर मैंने सोचा कि इस अजीब स्थान में प्रवेश करने के और भी तरीके हो सकते हैं जिसे Mondrian ने इतनी स्पष्टता से समझा था। [Ellsworth] Kelly और [Robert] Mangold ने इस 'अन्य' स्थान को व्यक्त करने के अन्य तरीके दिखाए। इन कलाकारों के अनुभव ने मुझे वास्तव में अपने समकालीन प्रयासों की सराहना करने और अगले स्तर को पार करने की कोशिश करने की जगह दी।"

Brent Hallard - Clouds, 2013। कागज पर एक्रिलिक। 25.4 x 35.6 सेमी

Audrey Stone

"मैंने Vija Celmins के काम को बहुत पसंद किया है और अक्सर उसके बारे में सोचा है। उनकी तीव्र अवलोकन क्षमता और शांत निष्पादन मेरे लिए बहुत प्रेरणादायक हैं। Louise Bourgeois ने हमेशा मुझे प्रेरित किया है अपनी विचारों के लिए सबसे अच्छे माध्यम में खुद को व्यक्त करने के अपने संकल्प के साथ। एक और स्पष्ट प्रेरणा Agnes Martin होंगी, मुझे उनकी आत्मविश्वासी आरक्षण पसंद है, और Mark Rothko उनके काम की भावनात्मक ताकत के लिए।"

Audrey Stone -Nb. 61, 2011। कागज पर धागा, स्याही और ग्रेफाइट। 43.2 x 35.6 सेमी

Pierre Auville

Auville द्वितीय विश्व युद्ध के जर्मन ब्लॉकहाउस का उल्लेख करते हैं जो फ्रांसीसी अटलांटिक तटरेखा पर स्थित हैं। वे कहते हैं, "अधिकांश लोग उन्हें बदसूरत डरावने स्थान मानते हैं। मेरी नजर में, उनकी सार्थकता परिदृश्य का हिस्सा थी, समय ने उन्हें रेत, टीलों और समुद्र के साथ या उन चित्रों के साथ मिला दिया जो सड़क कलाकारों ने उन पर बनाए थे।" इसके अलावा, Auville अपने युवावस्था के इस अनुभव से प्रभावित थे:

"छह या सात साल की उम्र में, मुझे फ्रांस के दक्षिण-पश्चिम में Lascaux गुफा देखने का सौभाग्य मिला। यह मेरे लिए एक झटका था। मेरे माता-पिता ने कुछ फेक्सिमिलीज़ (प्रतिलिपियाँ) स्मृति चिन्ह के रूप में खरीदीं और मैं घंटों उन्हें हमारे घर के तहखाने में देखता रहा, सोचता रहा कि तस्वीरों और असली कला के बीच क्या अंतर है। अंतर स्पष्ट था, लेकिन मैं उसकी सार्थकता समझने की कोशिश कर रहा था। मैंने बार-बार लाइट ऑन-ऑफ की, तस्वीरों पर रेत चिपकाई ताकि Lascaux चित्रों की सार्थकता की नकल कर सकूं, लेकिन कभी भी उनकी आत्मा तक नहीं पहुंच पाया।"

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014। फोम पैनलों पर पिग्मेंटेड सीमेंट। पीछे संरचनात्मक और लटकाने वाला फ्रेम। 120 x 120 x 6 सेमी

Luuk de Haan

De Haan उल्लेख करते हैं कि प्रभाव कलाकारों से लेकर (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly), एल्बम डिजाइनरों तक (Hipgnosis, Peter Saville), और संगीतकारों तक (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno) फैले हुए हैं। वे कहते हैं:

"मेरी युवावस्था से पहले के वर्षों में, Piet Mondriaan की दृश्य भाषा को नीदरलैंड में बहुत ध्यान मिला। मैं कला के संदर्भ में सोचने के लिए बहुत छोटा था, लेकिन Mondriaan वहां था, और यह आकर्षक था। और अभी भी है! थोड़ी देर बाद मैं Suprematists को जान पाया जो, मेरी तरह, ज्यामितीय रूपों को एक प्रारंभिक बिंदु के रूप में लेते थे। क्योंकि मेरी बहनें मुझसे लगभग पांच साल बड़ी हैं, मैंने (उनके बॉयफ्रेंड्स के माध्यम से) अपने किशोरावस्था के शुरुआती वर्षों में 'प्रोग्रेसिव' संगीत और उसके साथ आने वाले कवर डिज़ाइन को खोजा। आश्चर्य की बात नहीं, मैं कवर आर्ट डिज़ाइनर बनना चाहता था। अगर मुझे एक दृश्य कलाकार चुनना हो जिसने मेरी चीजों को देखने के तरीके को बदला, तो वह Ellsworth Kelly होगा। 80 के दशक के मध्य में Stedelijk Museum, Amsterdam ने “Blue Curve VI” (1982) खरीदा। मैं नियमित रूप से इसे देखने जाता था और दृश्य भाषा का अध्ययन करता था। लेकिन अब, शायद अधिक महत्वपूर्ण, मैं अपनी कला के प्रति अपनी प्रतिक्रिया से भी मार्गदर्शित होता हूं...मैंने कला के बारे में सोचना शुरू किया...उद्देश्य, अर्थ, ओह माय।"

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013। Hannemuhle पेपर पर Ultrachrome HD इंक। 29.7 x 21 सेमी

Brenda Biondo

"Josef Albers की शिक्षाएं इस बात को प्रभावित करती हैं कि मैं रंगों को विभिन्न संदर्भों में कैसे रखता हूं। और James Turrell के skyspaces ने इस बात को प्रभावित किया कि मैं वायुमंडलीय रंग को विभिन्न संदर्भों में कैसे रखता हूं। सामान्यतः, मेरी Paper Skies और Moving Pictures श्रृंखला की समग्र सौंदर्यशास्त्र आधुनिक अमेरिकी चित्रकारों जैसे Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella आदि से भारी प्रभावित हैं।"

Brenda Biondo - Paper Sky no. 21 (बड़ा), 2015। एल्यूमिनियम पर डाई सब्लिमेशन प्रिंट (मैटर/लस्टर फिनिश)। 83.8 x 96.5 सेमी

Pierre Muckensturm

"मैंने, 20 साल से अधिक पहले, Ronchamp की चैपल खोजी, जो वास्तुकार Charles Edouard Jeanneret, जिन्हें Le Corbusier के नाम से जाना जाता है, का एक अंतिम कार्य है। मुझे न तो पहले और न ही बाद में, द्रव्यमान और ऊंचाई के बीच संभावनाओं की सही समझ जैसी कोई अनुभूति हुई। तब मेरे लिए यह लंबा खोज शुरू हुआ, जो आज भी मुझे पोषण देता है, जिसका उद्देश्य पूर्ण और रिक्त के बीच सबसे उपयुक्त संबंध के करीब पहुंचना है।"

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017। कार्बोरंडम और कॉपर पर ड्राइपॉइंट। bfk रिव्स पेपर 250 G पर प्रिंटिंग। 56 x 56 सेमी

Jessica Snow

"मैं उस कलाकार के बारे में बात करना चाहूंगा जिसने मुझे दशकों तक प्रेरित किया है, किसी भी अन्य कलाकार से अधिक: Matisse, एक ऐसा कलाकार जिसे जीवन भर अध्ययन किया जा सकता है। उनके काम ने कई रास्ते लिए क्योंकि उन्होंने पेंटिंग के नए संभावनाओं की खोज और प्रयोग किया। वे सुंदर, उत्साहवर्धक, जटिल, कभी-कभी प्यारे और शांतिपूर्ण, कभी-कभी कठिन और चुनौतीपूर्ण हैं—जैसे जीवन होता है।"

Jessica Snow - Fling 1, 2015। कागज पर जलरंग। 31.8 x 31.8 सेमी

Susan Cantrick

अपनी प्रभावों की सूची देने के बजाय, Cantrick उन कलाकारों का उल्लेख करती हैं जिनका काम उन्हें सबसे अधिक रुचिकर लगता है, चाहे उनका उनके अपने काम से कोई प्रत्यक्ष संबंध हो या नहीं। उनकी आधुनिक और समकालीन के लिए संक्षिप्त सूची:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé, और Per Kirkeby। यह एक विविध और संपूर्ण सूची नहीं है, लेकिन जो चीज़ें उनके बीच सामान्य हैं वे हैं स्पष्टता, जटिलता, और जीवंतता—जो मेरी अपनी प्राथमिकताएँ हैं—मजबूत रंग और संरचना, विशिष्ट रूपों, और एक उथला पेंटिंग स्थान के माध्यम से व्यक्त की गई। प्राचीन काल के लिए, Vermeer, Degas, और Manet मेरी सूची के शीर्ष पर हैं, फिर से, उन तीन गुणों के लिए: स्पष्टता, जटिलता, जीवंतता। इसके अतिरिक्त: Vermeer की ठोस प्रस्तुति में तनाव एक अविश्वसनीय रूप से महसूस की जाने वाली स्थिरता—समय का निलंबन—प्रकट करता है। Degas का विशेष तरीका अपने स्थान को "मौन," निर्जीव क्षेत्रों और/या एक मजबूत ऊर्ध्वाधर तत्व के साथ चिह्नित करने का, लंबी, लयबद्ध देखने को बढ़ावा देता है। और Manet में एक तात्कालिकता और ताजगी है जो, बाकी सभी कौशलों से अलग, अपने सर्वश्रेष्ठ रूप में, मनमोहक है।"

Susan Cantrick -sbc 141, 2012। लिनेन पर एक्रिलिक। 100 x 100 सेमी

Anne Russinof

"मेरे मामले में, मैं किसी एक कलाकार से सीधे प्रभावित नहीं था, बल्कि उस कलात्मक समुदाय से था जहाँ मैं शिकागो में बड़ा हुआ। मेरे पड़ोस में, जिसे लिंकन पार्क क्षेत्र या ओल्ड टाउन कहा जाता है, चारों ओर कलाकार थे, और जब मैंने प्री-टीन के रूप में ड्राइंग में रुचि दिखाई, तो मुझे शिकागो के अद्भुत आर्ट इंस्टिट्यूट से संबद्ध स्कूल में फिगर ड्राइंग के लिए जाने के लिए प्रोत्साहित किया गया। वहाँ मैं सीधे संग्रहालय के माध्यम से चल सकता था जिसमें प्रसिद्ध इंप्रेशनिस्ट संग्रह था ताकि स्कूल में प्रवेश कर सकूँ। मुझे लगता है कि इसने मूल रूप से मेरी रेखा, इशारा और रंग में रुचि को बनाया।"

Anne Russinof - Look See, 2014। कैनवास पर तेल। 76 x 76 सेमी

Macyn Bolt

"मेरी कलात्मक [Lineage] उन कलाकारों में पाई जाती है जो छवि/वस्तु निर्माण के लिए "संक्षिप्त" दृष्टिकोण को सतह और सूक्ष्म विवरण पर ध्यान के साथ जोड़ते हैं। Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros और Sol Lewitt मेरे दिमाग में आते हैं। इसके अतिरिक्त, Richard Serra, Carl Andre और Fred Sandback के मूर्तिकला कार्य, जो तीन-आयामी स्थान के उनके विशेष उपयोग के साथ हैं, मेरी पेंटिंग के दृष्टिकोण को प्रेरित करते रहते हैं।"

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015। कैनवास पर एक्रिलिक। 122 x 96.9 सेमी