18 समकालीन अमूर्त कलाकार अपनी वंशावली के बारे में खुलकर बात करते हैं

कला सिखाना खतरनाक और असंभव है। फिर भी, यह अनिवार्य भी है। कला के अस्तित्व के लिए, कलाकारों को यह सीखना चाहिए कि वे वह बनने के लिए क्या करेंगे, और वे जो कुछ भी बनाएंगे, उसे कैसे बनाएंगे। कुछ स्कूल में सीखेंगे, अन्य दोषपूर्ण मनुष्यों से, जो अपने जैसे हैं और जिन्होंने, किसी भी कारण से, दूसरों के साथ जो कुछ भी सीखा है, उसे साझा करने के खतरनाक, असंभव, अनिवार्य कार्य को अपनाया है। अन्य कलाकार कक्षा के बाहर शिक्षकों को खोजेंगे। वे उद्घाटन या बार में अन्य कलाकारों के साथ समय बिताकर यह सीख सकते हैं कि कलाकार होना क्या होता है। वे ऑनलाइन वीडियो देखकर, या उन कला को विघटित करके जो वे संग्रहालयों या पुस्तकों में देखते हैं, कला बनाना क्या होता है, यह सीख सकते हैं। कुछ कलाकार अपने आप को यह सिखा सकते हैं कि वे क्या हैं, वास्तुकला और डिज़ाइन से प्रेरणा लेकर, या बस रोज़मर्रा के निर्मित वातावरण और इसके अनगिनत उत्पादों और स्थानों के साथ बातचीत करते समय अनुभव किए गए विचारों और भावनाओं का जवाब देकर। फिर भी अन्य कलाकार अपने भीतर की सृजन की प्रवृत्ति को अपनाकर और फिर उसे पोषित करके कलाकार बनना सीख सकते हैं। बनाने की प्रक्रिया हमें सिखा सकती है कि कैसे बनाना है। होने की प्रक्रिया हमें सिखा सकती है कि हम क्या बनना चाहते हैं। अंत में, जो भी लोग सीखने की प्रक्रिया से गुजरते हैं और उस क्षण तक पहुँचते हैं जब वे यह कह सकते हैं, "मैं एक कलाकार हूँ," बिना यह महसूस किए कि यह एक झूठ है, उनके पास अपने शिक्षकों के बारे में बताने के लिए एक कहानी होगी। आज हम आपको ऐसे कलाकारों की कहानियों का संग्रह लाते हैं जो अपने सीखने की वंशावली साझा करने के लिए पर्याप्त साहसी हैं। वे साहसी हैं क्योंकि अपनी सौंदर्यशास्त्र या वैचारिक विरासत की घोषणा करना उन्हें एक भयानक खतरे के प्रति उजागर करता है। आप, पाठक, यह महसूस कर सकते हैं कि एक कलाकार दूसरे कलाकार का छात्र था, या इस या उस चीज़ से प्रेरित था, और इसे एक शॉर्टकट के रूप में गलत समझ सकते हैं। आप कह सकते हैं, "आहा! अब मैं देखता हूँ कि वे किसकी नकल कर रहे हैं," या, "अब मैं उनकी कला को समझता हूँ!" इसके बजाय, जब आप इन 18 कलाकारों की कहानियों को पढ़ते हैं कि वे क्या बने, तो जानकारी को अपने दृष्टिकोण को विस्तारित करने दें। प्रत्येक धागे का पालन करें और गहराई में खुदाई करें। आप यह देख सकते हैं कि कला सिखाना और सीखना वास्तव में क्या होता है, इसका खतरनाक, असंभव, अनिवार्य सौंदर्य क्या है।

Anya Spielman

Spielman कैलिफोर्निया विश्वविद्यालय, डेविस में वेन थिबॉल्ड की छात्रा थीं। अपने अन्य शिक्षकों के बारे में, वह कहती हैं:

"मेरे लिए एक बड़ा प्रभाव था जब मैंने किशोरावस्था में प्राडो में हायरोनिमस बॉश की त्रैतीयक, "द गार्डन ऑफ अर्थली डिलाइट्स" को देखा। मैं उसकी चित्रकला के साथ-साथ उसके काम के समृद्ध रंग और जटिल रचनाओं से चकित रह गया। मैंने बॉश के काम में द्वंद्व के प्रति तुरंत प्रतिक्रिया दी: उसकी स्पष्ट और उज्ज्वल रंग योजना: स्याही काला, उम्बर, हल्का गुलाबी, हड्डी, वर्मिलियन और अजुराइट के रंग; एडे में उसके पारदर्शी आनंद के गोले की वक्रताएँ, जो एक हॉलुसिनेटरी नरक में मनोवैज्ञानिक और शारीरिक गिरावट के साथ विपरीत हैं। बॉश की दृष्टिगत प्रतिभा ने मानव स्वभाव को इसके सभी रूपों में प्रस्तुत किया, एक सीधी निकटता और शक्ति के साथ, जो मुझे आज भी बेहद दुर्लभ लगती है।"

Anya Spielman - अल्ट्रावायलेट, 2015. पैनल पर तेल. 15.3 x 15.3 सेमी

Deanna Sirlin

Sirlin ने क्वींस कॉलेज, सिटी यूनिवर्सिटी ऑफ न्यूयॉर्क में स्नातक छात्र के रूप में लुई फिंकेलस्टीन के साथ अध्ययन किया। उसी स्कूल में, उसने बेनी एंड्रयूज के साथ अध्ययन किया, जिन्होंने 1950 के दशक में शिकागो के आर्ट इंस्टीट्यूट में एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट के रूप में प्रशिक्षण लिया; क्लिंटन हिल, जो मार्क रोथको के लिए एक स्टूडियो सहायक थे; कला आलोचक और आर्टफोरम के सहयोगी संपादक रॉबर्ट पिंकस-विटेन, जिन्होंने कहा कि "मेरी आलोचनात्मक दृष्टि में मदद की;" और चार्ल्स कैजोरी, जो हंस हॉफमैन के छात्र थे। सर्लिन कहती हैं:

"[Lineage] वास्तव में एक जटिल प्रश्न है। कलाकारों के साथ संबंध भी पार्श्व में जाते हैं। Anne ट्रुइट मेरे लिए महत्वपूर्ण थीं जब मैं याड्डो में एक युवा कलाकार था। Melissa Meyer भी उस गर्मी में वहाँ थीं [1983]। एरिन लॉलर मेरे स्टूडियो साथी थे द रोथको सेंटर में लातविया। जोस हीर्किन्स हमारे साथ उसी समय रोथको सेंटर में थे [2016]। कारा वॉकर एक छात्रा थीं जब मैंने अटलांटा कॉलेज ऑफ आर्ट में पढ़ाया और कारा और मैंने 1992 में एक ही अटलांटा बिएनल में प्रदर्शित किया। फिर अन्य कलाकार हैं—लेखक और नाटककार। हेडन हेर्रेरा [फ्रीडा काहलो और आर्शिल गॉर्की की जीवनीकार] मेरे लिए एक कला लेखक के रूप में मेंटर थीं। क्रिस क्रॉस [आई लव डिक] और मैं याड्डो में एक साथ थे...मैं नाटककार रोनाल्ड टेवेल [थियेटर ऑफ द रिडिकुलस] का करीबी दोस्त था। वह वारहोल के लिए एक पटकथा लेखक थे...मुझे आशा है कि मैंने इस अतिरिक्त उत्तर में आपके लिए चीजें भ्रमित नहीं कीं।"

Deanna Sirlin - वंडर, 2015. कैनवास पर मिश्रित मीडिया. 127 x 106.7 सेमी

ब्रेंडा जैपिटेल

"जब मैंने पहली बार पेंटिंग शुरू की, तो मैं पिकासो से सबसे अधिक प्रभावित था। मुझे उनके रंगों और मार्क मेकिंग का उपयोग बहुत पसंद आया, विशेष रूप से "गर्ल बिफोर ए मिरर" (1932) में। बाद में, जब मैंने अधिक एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट तरीके से पेंट करना शुरू किया, तो मैं जोआन मिशेल और विलेम डी कूनिंग की ओर अधिक आकर्षित हुआ। हालांकि, मैंने वास्तव में उनके काम को देखना तब शुरू किया जब मैं इस तरीके से पेंट कर रहा था, न कि पहले।"

ब्रेंडा ज़ैपिटेल - इस समय, 2017. फ्लाशे और ऐक्रेलिक के साथ ठंडी मोम पैनल पर। 127 x 127 सेमी

Daniel Göttin

2006 में माइनस स्पेस NY के लिए एक साक्षात्कार में, चित्रकार क्रिस एशले ने Göttin से पूछा कि वह एक कलाकार के रूप में कहाँ से शुरू करते हैं। Göttin ने उत्तर दिया:

"कला का इतिहास कभी-कभी यह दिखावा करता है कि एक विशेष कला आंदोलन एक संपूर्ण इकाई है। "कंक्रीट" शब्द का उपयोग करना जरूरी नहीं कि Konkrete Kunst की वैचारिक पृष्ठभूमि के साथ मेल खाता है, जो समाज और राजनीति के बारे में विचारों पर भी आधारित था। मेरी चिंता एक ऐसी इकाई के बारे में है जिसमें विरोधाभास भी शामिल हो सकते हैं—एक हाँ और एक नहीं, और यहां तक कि एक शायद। मेरा प्रारंभिक बिंदु एक साथ विभिन्न दृष्टिकोणों या स्थितियों का संश्लेषण है, जो मेरे लिए एक स्थानिक दृष्टि है। यह स्पष्ट या सूक्ष्म, सममित या विषम या दोनों एक साथ हो सकता है, विरोधाभास के साथ या बिना। यह नियम और विचलन दोनों हो सकता है। मैंने जो कुछ पहले के काम किए थे, वे Kurt Schwitters के काम (Merz) से संबंधित कोलाज थे, कोई भी पाया गया सामग्री एक टुकड़े कार्डबोर्ड पर मोटे तौर पर चिपकाई गई— भौतिक, प्रत्यक्ष, अनियोजित, आकस्मिक, रंगीन, यहां तक कि डाडिस्टिक। बाद में, मैं न्यूनतम कला में रुचि रखने लगा, जहां कलाकृति अक्सर सटीक रूप से योजनाबद्ध होती है, और सामग्री के परिभाषित उपयोग और विवरणों पर ध्यान देने के साथ पूरी तरह से और स्पष्ट रूप से निर्मित होती है। दोनों आंदोलन मेरे लिए महत्वपूर्ण हैं, और कभी-कभी मैं देखता हूं कि मेरा काम दोनों के हिस्से ले जा रहा है, उन दो कला ऐतिहासिक स्थितियों के बीच में मेल खाता है।"

Daniel Göttin - अनटाइटल्ड 2 (पिंक), 1992. एक्रिलिक ऑन पावेटेक्स. 97 x 58.5 x 3 सेमी

गैरी पैलेट्स

"यह समझना काफी मुश्किल है कि किसी के प्रभाव क्या हैं, कम से कम मेरे लिए, क्योंकि मैं ज्यादातर अंतर्ज्ञान से काम करता हूँ और इतनी अधिक चेतना से नहीं। मुझे लगता है कि UCLA में कला छात्र के रूप में मेरे प्रारंभिक वर्ष मेरे व्यक्तित्व का एक बड़ा हिस्सा बने। उन दिनों UCLA एक पेंटर स्कूल था जिसमें यूरोपीय/आधुनिकतावाद का झुकाव था। मेरी पहली पेंटिंग कक्षा के लिए, मुझे रिचर्ड डाइबेनकोर्न के साथ प्रारंभिक पेंटिंग कक्षा लेने के लिए साइन अप किया गया था (मुझे नहीं पता था कि वह कौन थे), लेकिन उनके और संकाय नेतृत्व के बीच कुछ मुद्दे थे, और उनकी स्थिति कक्षा शुरू होने से पहले समाप्त कर दी गई। इसलिए मैंने रिचर्ड जोसेफ के साथ अध्ययन किया, जो एक नए यथार्थवादी थे, जिन्होंने मुझे एक ठोस आधार पर रखा। छह महीने बाद, चार्ल्स गाराबेडियन के साथ एक अधिक उन्नत पेंटिंग कक्षा में काम करते हुए, मैंने अमूर्तता के साथ प्रयोग करना शुरू किया। वर्षों के दौरान, प्रोफेसर जिन्होंने मुझ पर सबसे अधिक प्रभाव डाला, वे विलियम ब्राइस थे। बिल एक बहुत ही स्पष्ट, गरिमामय, उदार, विचारशील, मजेदार शिक्षक और मित्र थे। एक मेहनती प्रचुर कलाकार के रूप में, उन्होंने अक्सर स्टूडियो में समय बिताने की आवश्यकता के बारे में बात की और बाकी सब कम महत्वपूर्ण है। मैं अक्सर उनके बारे में सोचता हूँ और मुझे बहुत भाग्यशाली लगता है कि मैं उन्हें लंबे समय तक जानता था। मुझे छात्र होने के विचार से अलग होने में कई साल लग गए और जब भी मैंने पेंट किया, मेरे पुराने प्रोफेसरों की आवाजें मेरे सिर में गूंजती थीं, लेकिन समय के साथ मैंने यह स्पष्टता प्राप्त की कि मैं कौन हूँ और मेरे पास अपने दृष्टिकोण को पूरा करने के लिए काम करने की जिम्मेदारी है। मैं अक्सर अपने काम में अन्य कलाकारों के पहलुओं को देखता हूँ, कभी-कभी ऐसा महसूस होता है कि वास्तव में समान विचारों के माध्यम से एक संबंध है और अन्य बार ऐसा लगता है कि कोई समानता केवल सतही है। अंत में, कला लेखकों को प्रभावों के बारे में बात करने दें।"

गैरी पेलर - 9 (2015), 2015. इंक ऑन पेपर. 37.8 x 29 सेमी

Tracey Adams

"माइकल माज़ुर (1935-2009) मेरे प्रिंटमेकिंग शिक्षक थे 25 साल पहले। हम पहली बार मिले जब मैं प्रोविंसटाउन में फाइन आर्ट्स वर्क सेंटर में रह रहा था, जहाँ माइकल प्रिंटमेकिंग पर एक सप्ताह का कार्यशाला आयोजित कर रहे थे। हमारी प्रारंभिक कनेक्शन के बारे में कई बातें ध्यान में आती हैं: माइकल एक अविश्वसनीय रूप से सहानुभूतिपूर्ण और सामाजिक रूप से जागरूक व्यक्ति थे, न केवल उनके चुने हुए विषय वस्तु (एक मनोचिकित्सा अस्पताल में पीड़ित मरीजों के चित्र और चिड़ियाघर में पिंजरे में बंद जानवरों के प्रिंट), बल्कि हमारे एक-से-एक बातचीत में जीवन के बारे में। उन्होंने मुझे उदाहरण के माध्यम से उदार होना सिखाया, ताकि स्टूडियो की आत्मकेंद्रितता का संतुलन बना सके। माइकल की तकनीक या कला करियर की खोज के बारे में ऐसा कुछ नहीं था जो वह साझा नहीं करते थे। माइकल ने 80 के दशक के अंत में चीन में समय बिताया और यह उनके एशियाई परिदृश्य के प्रति प्रेम के माध्यम से था, मैंने अपने इशारों को सरल बनाना सीखा, अभिव्यक्ति की अर्थव्यवस्था के साथ पेंट करना, जो मैं अपने दिल के बहुत करीब रखता हूँ। मैं कभी नहीं भूलूंगा उनका हास्यबोध जब वह मुझसे कहते, "ट्रेसी, यह ungepatchke है!", एक यिडिश शब्द जिसका अर्थ है बहुत व्यस्त और सजाया हुआ।"

Tracey Adams - बैलेंसिंग एक्ट 2, 2016. गुआश, ग्रेफाइट और स्याही पर रिव्स। 66 x 50.8 सेमी

Kyong Lee

Lee अपनी पहली प्रेरणा के रूप में पॉल सेज़ान द्वारा बनाई गई एक जलरंग को बताती हैं, जिसे उन्होंने 11 साल की उम्र में देखा था, जिसने "एक अविस्मरणीय छाप" छोड़ी। वह आगे कहती हैं:

"मेरे प्रोफेसर, क्लॉस स्टंपेल, प्रकृति के इतने करीब थे कि उन्हें लगभग 'किसान' उपनाम दिया गया। उन्होंने मुझे फ्रांटिसेक कुप्का का अध्ययन करने की सिफारिश की। मैंने उनके अमूर्त होने की प्रक्रिया और उनके ब्रह्मांडीय और रहस्यमय दृष्टिकोण का अध्ययन किया। सबसे बढ़कर, मैंने उनके जीवन के प्रति प्रेम और अपने विचारों को बनाए रखने की इच्छा के बारे में सबसे अधिक सीखा। जब मैं कोरिया वापस आया, तो मैंने फिर से कांडिंस्की के बारे में सोचा। मुझे लगता है कि कला में वस्तुनिष्ठ, सार्वभौमिक सत्य खोजने की उनकी इच्छा एक असंभव चुनौती है। मुझे लगता है कि कला कुछ और की तुलना में व्यक्तिपरक और व्यक्तिगत है। जब मैं अपनी गहरी आंतरिकता की खोज करता हूं, तो मैं दूसरों के अंदर संवाद कर सकता हूं। मुझे लगता है कि कला सूक्ष्म ब्रह्मांड (मनुष्य) और व्यापक ब्रह्मांड (दुनिया) को जोड़ने का एक माध्यम हो सकती है। विशेष रूप से, रंग मेरे शोध का विषय है। मैं रंग को एक विशेषण के रूप में खोज रहा हूं। मुझे रिच्टर के काम के प्रति दृष्टिकोण, पेंटिंग के प्रति उनकी जुनून और प्रयोगात्मकता की भावना पसंद है। शायद ऑन कावारा? मुझे उनका काम पसंद है, जिसे वह जीवित साबित करना चाहते थे, और मैं हर दिन काम करके खुद को यह साबित करना चाहता हूं कि मैं अभी भी जीवित हूं, भावनात्मक रूप से और संवेदनात्मक रूप से। वासिली कांडिंस्की और कई अन्य न्यूनतमवादियों के बारे में मेरे विचार सामान्य दृष्टिकोण से बहुत अलग हैं। मैं उनके कलात्मक दृष्टिकोण से सहमत नहीं हूं।"

Kyong Lee - सफेद के साथ चित्र, 2008. ऐक्रेलिक ऑन कैनवास, 150 x 200 सेमी

Joanne Freeman

Freeman उन प्रभावों का उल्लेख करती हैं जिनमें कलाकार (एल्सवर्थ केली, कार्ला अकार्डी, हेनरी मातिस, पॉल फीली, मॉरिस लुईस, बार्नेट न्यूमैन, और एंडी वारहोल), डिजाइनर (सॉल बैस और रॉय कूलमैन) और आर्किटेक्ट (ले कोर्बुज़िए) शामिल हैं। लेकिन वह इस बारे में भी बात करती हैं कि संस्कृति ने उसके कला पर व्यक्तिगत रूप से कैसे प्रभाव डाला है, जैसे कि निम्नलिखित किस्से में:

"मेरे पिता का व्यवसाय साइनज था। अमेरिका के अधिकांश शहरी बच्चों की तरह, मैं एक कार की पिछली सीट पर बड़ा हुआ, बिलबोर्ड और नीयन के प्रति अत्यधिक जागरूक। ध्यान आकर्षित करने वाला प्रत्यक्ष दृश्य उत्तेजना मेरे मनोविज्ञान का हिस्सा था। हाल ही में मैं न्यूयॉर्क में मोमा (MoMA) गया और बार्नेट न्यूमैन की पेंटिंग "विर हीरोइकस सब्लिमिस" (मन, नायक और महान) (1950-51) से फिर से प्रभावित हुआ। इसकी शक्ति, तात्कालिकता और सरलता के प्रति मेरी आंतरिक प्रतिक्रिया अभिभूत करने वाली थी, जिसने मेरे अपने दृश्य अतीत और पहचान को फिर से पुष्टि की।"

Joanne Freeman - कवर्स 13-पर्पल, 2014. गुआश पर हस्तनिर्मित खादी पेपर। 33.1 x 33.1 सेमी

Brent Hallard

"मेरे लिए, यह मोंड्रियन था। उस समय के अमूर्त कलाकार अमूर्तता के साथ अधिक वैचारिक रूप से काम कर रहे थे, जिसका अर्थ है कि उन्हें इसके विचार से प्यार था, जबकि मोंड्रियन यांत्रिकी के माध्यम से पीछे की ओर काम कर रहा था और चित्र के स्तर को फिर से आविष्कार कर रहा था। तब से बहुत से लोगों ने ऐसा नहीं किया है। फिर मैंने सोचना शुरू किया कि मोंड्रियन जिस अजीब स्थान पर इतना स्पष्ट रूप से पकड़ रखता था, उसमें प्रवेश करने के और भी तरीके होने चाहिए। [Ellsworth] केली और [Robert] मंगोल्ड ने इस 'अन्य' स्थान को व्यक्त करने के अन्य तरीके दिखाए। इन कलाकारों के अनुभव ने मुझे अपने समकक्षों के प्रयासों की वास्तव में सराहना करने का अवसर दिया, और अगले लिफाफे के माध्यम से जाने की कोशिश करने के लिए प्रेरित किया।"

Brent Hallard - क्लाउड्स, 2013. एक्रिलिक ऑन पेपर. 25.4 x 35.6 सेमी

ऑड्रे स्टोन

"मैंने Vija Celmins के काम को प्यार किया है और अक्सर इसके बारे में सोचा है। उसकी तीव्र अवलोकन और शांत निष्पादन मेरे लिए बहुत प्रेरणादायक हैं। Louise Bourgeois ने हमेशा मुझे अपने विचारों के लिए सबसे अच्छे माध्यम में खुद को व्यक्त करने की उसकी दृढ़ता से प्रेरित किया है। एक अधिक स्पष्ट प्रेरणा Agnes Martin होगी, मुझे उसकी आत्मविश्वासी आरक्षितता पसंद है, और Mark Rothko के लिए उसके काम में जो भावनात्मक प्रभाव हो सकता है।"

ऑड्रे स्टोन -नं. 61, 2011. धागा, स्याही और ग्रेफाइट कागज पर। 43.2 x 35.6 सेमी

Pierre Auville

Auville फ्रांसीसी अटलांटिक तटरेखा पर स्थित WWII-युग के जर्मन ब्लॉकहाउस का उल्लेख करता है। वह कहता है, "ज्यादातर लोग उन्हें बदसूरत निशान मानते हैं। मेरी नजर में, उनकी सामग्री परिदृश्य का हिस्सा थी, समय ने उन्हें रेत, टीलों और समुद्र के साथ या उन पर सड़क कलाकारों द्वारा बनाए गए चित्रों के साथ मिला दिया।" इसके अलावा, Auville इस अनुभव से प्रभावित हुआ जो उसकी युवावस्था से था:

"छह या सात साल की उम्र में, मुझे फ्रांस के दक्षिण-पश्चिम में लास्कॉ Cave की यात्रा करने का सौभाग्य मिला। यह मेरे लिए एक झटका था। मेरे माता-पिता ने कुछ फेक्सिमिलीज़ खरीदीं जो स्मृति चिन्ह के रूप में थीं और मैंने हमारे घर के बेसमेंट में घंटों तक उन्हें देखते हुए यह सोचने में बिताए कि चित्रों और असली कला के बीच का अंतर क्या है। अंतर स्पष्ट था, लेकिन मैं इसके सार को समझने के लिए संघर्ष कर रहा था। मैंने लाइट को ऑन और ऑफ किया, चित्रों पर रेत चिपकाई लास्कॉ पेंटिंग्स के सार को दोहराने के प्रयास में, लेकिन कभी भी उस आत्मा तक नहीं पहुँच सका जो मुझे लगता था कि वे हैं।"

Pierre Auville - 4 कैरेस, 2014. रंगित सीमेंट फोम पैनलों पर। पीछे संरचनात्मक और लटकने वाला फ्रेम। 120 x 120 x 6 सेमी

ल्यूक डे हान

De Haan ने कलाकारों (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) से लेकर एल्बम डिज़ाइनरों (Hipgnosis, Peter Saville) और संगीतकारों (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno) तक के प्रभावों का उल्लेख किया। वह कहते हैं:

"मेरी यौवन से पहले के वर्षों में, पीट मोंड्रियन की दृश्य भाषा ने नीदरलैंड में बहुत ध्यान आकर्षित किया। मैं कला के संदर्भ में सोचने के लिए बहुत छोटा था, लेकिन मोंड्रियन बस वहाँ था, और यह आकर्षक था। और अभी भी है! थोड़े समय बाद मैंने सुप्रीमेटिस्टों को जाना, जिन्होंने, मेरी तरह, ज्यामितीय रूपों को एक प्रारंभिक बिंदु के रूप में लिया। क्योंकि मेरी बहनें मुझसे लगभग पांच साल बड़ी हैं, मैंने अपने किशोर वर्षों की शुरुआत में (उनके प्रेमियों के माध्यम से) 'प्रगतिशील' संगीत और उसके साथ आने वाले कवर डिज़ाइन को खोजा। कोई आश्चर्य नहीं, मैं एक कवर आर्ट डिज़ाइनर बनना चाहता था। अगर मुझे एक दृश्य कलाकार चुनना होता जो मेरी चीजों को देखने के तरीके को बदल दे, तो वह एल्सवर्थ केली होगा। 80 के दशक के मध्य में, स्टेडेलिज़ म्यूज़ियम ने एम्स्टर्डम में "ब्लू कर्व VI" (1982) खरीदी। मैं नियमित रूप से इसे देखने जाता था और दृश्य भाषा का अध्ययन करता था। लेकिन अब, शायद अधिक महत्वपूर्ण, मैं कला पर अपनी प्रतिक्रिया द्वारा भी मार्गदर्शित होता हूँ... मैंने कला के बारे में सोचना शुरू किया... उद्देश्य, अर्थ, ओह मेरी।"

Luuk De Haan - डायफेनस डांस 9, 2013. अल्ट्राक्रोम एचडी इंक पर हन्नेमुले पेपर. 29.7 x 21 सेमी

ब्रेंडा ब्लोंड

"जोसेफ अल्बर्स की शिक्षाएँ इस पर प्रभाव डालती हैं कि मैं रंगों को विभिन्न संदर्भों में कैसे रखता हूँ। और जेम्स टर्रेल के स्काईस्पेस ने इस पर प्रभाव डाला कि मैं वायुमंडलीय रंगों को विभिन्न संदर्भों में कैसे रखता हूँ। सामान्यतः, मेरी पेपर स्काईज़ और मूविंग पिक्चर्स श्रृंखला की समग्र सौंदर्यशास्त्र आधुनिक अमेरिकी चित्रकारों जैसे जॉर्जिया ओ'कीफ, मार्क रोथको, बार्नेट न्यूमैन, एल्सवर्थ केली, फ्रैंक स्टेला आदि से बहुत प्रभावित है।"

ब्रेंडा बियोंडो - पेपर स्काई संख्या 21 (बड़ा), 2015। डाई सब्लिमेशन प्रिंट एल्यूमिनियम पर (मैटर/लस्टर फिनिश)। 83.8 x 96.5 सेमी

Pierre Muckensturm

"मैंने 20 साल पहले, आर्किटेक्ट चार्ल्स एडुआर्ड जेनरट, जिन्हें ले कोर्बुज़िए के नाम से जाना जाता है, के अंतिम काम रोंचैप की चैपल की खोज की। न तो पहले और न ही बाद में, मैंने विशालता और ऊँचाई के बीच संभावनाओं की सही धारणा महसूस की। तब मेरे लिए यह लंबी खोज शुरू हुई, जो आज भी मुझे पोषित करती है, जिसका उद्देश्य पूर्ण और रिक्त के बीच सबसे उपयुक्त संबंध को समझना है।"

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. कार्बोरंडम और ड्राईपॉइंट कॉपर पर। bfk रिव्स पेपर 250 जी पर प्रिंटिंग। 56 x 56 सेमी

Jessica Snow

"मैं उस कलाकार के बारे में बात करना चाहता हूँ जिसने मुझे दशकों से प्रेरित किया है, किसी अन्य कलाकार से अधिक: मतीस, एक ऐसा कलाकार जिसे एक जीवन भर अध्ययन किया जा सकता है। उनके काम ने कई रास्ते अपनाए क्योंकि उन्होंने पेंटिंग के नए संभावनाओं के लिए प्रयोग और खोज की। ये सुंदर, उत्साहवर्धक, जटिल हैं, कभी-कभी प्यारे और शांत, कभी-कभी कठिन और चुनौतीपूर्ण—जैसे जीवन होता है।"

Jessica Snow - फ्लिंग 1, 2015. कागज पर जलरंग. 31.8 x 31.8 सेमी

Susan Cantrick

उसकी प्रभावों की सूची बनाने के बजाय, Cantrick उन कलाकारों का उल्लेख करती है जिनके काम में उसे सबसे अधिक रुचि है, चाहे उनके अपने काम से कोई सीधा संबंध हो या न हो। आधुनिक और समकालीन के लिए उसकी छोटी सूची:

"शर्ली जैफ, थॉमस नॉस्कोव्स्की, एमी सिलमैन, चार्लोट वॉन हेयल, रिचर्ड डाइबेंकोर्न, जुआन उसल, और पेर किर्केबी। यह एक विविध और संपूर्ण सूची नहीं है, लेकिन इनमें जो समानता है वह है स्पष्टता, जटिलता, और जीवंतता—जो मेरी अपनी चिंताएँ हैं—जो मजबूत रंग और संरचना, विशिष्ट रूपों, और एक उथली पेंटिंग स्पेस के माध्यम से व्यक्त की गई हैं। प्री-मॉडर्न के लिए, वेरमेयर, डिगास, और माने मेरी सूची में शीर्ष पर हैं, फिर से, उन तीन विशेषताओं के लिए: स्पष्टता, जटिलता, जीवंतता। इसके अलावा: वेरमेयर की ठोस प्रस्तुति में तानवाला तत्व एक अविश्वसनीय रूप से ठोस स्थिरता को व्यक्त करता है—समय का निलंबन। डिगास का विशेष तरीका अपने स्थान को "मौन," अनिमित क्षेत्रों और/या एक मजबूत ऊर्ध्वाधर तत्व के साथ पंक्चर करना लंबे, लयात्मक देखने को बढ़ावा देता है। और माने में एक तात्कालिकता और ताजगी है जो, बाकी सभी महारत के अलावा, अपने सर्वश्रेष्ठ में, आकर्षक है।"

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. ऐक्रेलिक ऑन लिनन. 100 x 100 सेमी

Anne Russinof

"मेरे मामले में, मुझे किसी एक कलाकार से विशेष रूप से प्रभावित नहीं किया गया, बल्कि उस कलात्मक समुदाय से प्रभावित हुआ जहाँ मैं शिकागो में बड़ा हुआ। मेरे पड़ोस में, जिसे लिंकन पार्क क्षेत्र या ओल्ड टाउन कहा जाता है, चारों ओर कलाकार थे, और जब मैंने एक किशोर के रूप में चित्र बनाने में रुचि दिखाई, तो मुझे शिकागो के अद्भुत आर्ट इंस्टीट्यूट से जुड़े स्कूल में आकृति चित्रण के लिए जाने के लिए प्रोत्साहित किया गया। वहाँ मुझे स्कूल में प्रवेश करने के लिए प्रसिद्ध इम्प्रेशनिस्ट संग्रह के साथ सीधे संग्रहालय के माध्यम से चलने का मौका मिला। मुझे लगता है कि इसने मूल रूप से रेखा, इशारा और रंग में मेरी रुचि को आकार दिया।"

Anne Russinof - लुक सी, 2014. कैनवास पर तेल. 76 x 76 सेमी

Macyn Bolt

"मेरी कलात्मक वंशावली उन कलाकारों में पाई जाती है जो छवि/वस्तु बनाने के लिए "कम करने" के दृष्टिकोण को सतह और सूक्ष्म विवरण पर ध्यान देने के साथ जोड़ते हैं। ब्राइस मार्डन, इमी नोबेल, डेविड नोवरोस और सोल लिविट याद आते हैं। इसके अतिरिक्त, रिचर्ड सेरा, कार्ल आंद्रे और फ्रेड सैंडबैक का मूर्तिकला कार्य, जो तीन-आयामी स्थान के विशेष उपयोग के साथ है, मेरी चित्रकला के दृष्टिकोण को प्रेरित करता है।"

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. ऐक्रेलिक ऑन कैनवास. 122 x 96.9 सेमी