18 समकालीन अमूर्त कलाकार अपनी वंशावली के बारे में खुलकर बात करते हैं

कला सिखाना खतरनाक और असंभव है। फिर भी यह अनिवार्य भी है। कला के अस्तित्व के लिए कलाकारों को यह सीखना होगा कि वे जो भी बनने वाले हैं, वह कैसे बनें, और जो भी रचने वाले हैं, उसे कैसे रचें। कुछ लोग स्कूल में अपने जैसे ही अन्य अपूर्ण मनुष्यों से सीखेंगे, जिन्होंने किसी भी कारण से दूसरों के साथ वह सब साझा करने का यह खतरनाक, असंभव और अनिवार्य कार्य अपने ऊपर लिया है, जो उन्होंने सीखा है। अन्य कलाकार कक्षा के बाहर शिक्षक खोजेंगे। वे उद्घाटनों या बार में दूसरे कलाकारों के साथ समय बिताकर सीख सकते हैं कि कलाकार होने का क्या अर्थ है। वे ऑनलाइन वीडियो देखकर या संग्रहालयों अथवा किताबों में दिखाई देने वाली कला को खोलकर समझकर सीख सकते हैं कि कला बनाने का क्या अर्थ है। कुछ कलाकार वास्तुकला और डिज़ाइन से मिलने वाली प्रेरणा का अनुसरण करके स्वयं सीख सकते हैं कि वे क्या हैं; वे रोज़मर्रा के निर्मित परिवेश और उसके अनगिनत उत्पादों तथा स्थानों के साथ संवाद करते समय अनुभव किए गए विचारों और भावनाओं पर बस प्रतिक्रिया देकर भी यह सीख सकते हैं। कुछ अन्य कलाकार केवल सृजन की अपनी आंतरिक विवशता को अपनाकर - और फिर उसका पोषण करके - कलाकार बनना सीख सकते हैं। बनाने की प्रक्रिया हमें बनाना सिखा सकती है। होने की प्रक्रिया हमें सिखा सकती है कि हम क्या बनना चाहते हैं। अंततः, सीखने की प्रक्रिया से उस क्षण तक पहुँचने वाला हर व्यक्ति, जब वह बिना इसे झूठ महसूस किए यह कह सके, “मैं एक कलाकार हूँ,” अपने शिक्षकों के बारे में बताने के लिए एक कहानी रखेगा। आज हम आपके लिए ऐसी ही कहानियों का एक संग्रह ला रहे हैं - उन कलाकारों की, जो अपनी सीखने की वंशपरंपराएँ साझा करने का साहस रखते हैं। वे साहसी हैं, क्योंकि अपनी सौंदर्यपरक या वैचारिक विरासत की घोषणा करना उन्हें एक भयंकर ख़तरे के सामने ला खड़ा करता है। हो सकता है कि आप, पाठक, यह जान लें कि एक कलाकार दूसरे कलाकार का छात्र था, या इस या उस चीज़ से प्रेरित था, और इसे एक आसान रास्ता समझ बैठें। आप कह सकते हैं, “आहा! अब मैं देख सकता हूँ कि वे किसकी नकल कर रहे हैं,” या, “अब मैं उनकी कला समझ गया!” इसके बजाय, जब आप इन 18 कलाकारों के बारे में पढ़ें कि वे जो हैं, वह कैसे बने, तो इस जानकारी को अपनी समझ का विस्तार करने दें। हर सूत्र का अनुसरण करें और गहराई में जाएँ। शायद आपको उस खतरनाक, असंभव और अनिवार्य सौंदर्य की झलक मिल जाए, जो वास्तव में कला सिखाने और सीखने का अर्थ है।

Anya Spielman

Spielman कैलिफ़ोर्निया विश्वविद्यालय, डेविस में पढ़ाई के दौरान वेन थीबॉड की छात्रा थीं। अपने अन्य शिक्षकों के बारे में वह कहती हैं:

"किशोरावस्था में The Prado में Hieronymus Bosch की त्रिप्टिक, “The Garden of Earthly Delights” देखना मेरे लिए एक बड़ा प्रभाव था। उनकी कला की प्रतीकात्मकता के साथ-साथ उसके समृद्ध रंग और जटिल रचनाओं ने मुझे अभिभूत कर दिया। Bosch के काम में मौजूद द्वैत ने मुझे तुरंत प्रभावित किया: उनकी तीखी और प्रकाशित रंग-पट्टिका—स्याही जैसे काले, अंबर, हल्के गुलाबी, अस्थि-रंग, वर्मिलियन और अज़्यूराइट के रंग; Eden में उनके पारदर्शी सुख-कक्षों के वक्र, जो एक सम्मोहक नरक में चुभते मनोवैज्ञानिक और शारीरिक अवरोह के विपरीत रखे गए हैं। Bosch की दूरदर्शी प्रतिभा ने मानवीय प्रकृति को उसके सभी रूपों में ऐसी प्रत्यक्ष अंतरंगता और शक्ति के साथ अभिव्यक्त किया, जो आज भी मुझे अत्यंत दुर्लभ लगती है।"

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015। पैनल पर तेलरंग। 15.3 x 15.3 सेमी

Deanna Sirlin

Sirlin ने Queens College, City University of New York में स्नातक छात्रा रहते हुए Louis Finkelstein के साथ अध्ययन किया। उसी संस्थान में उन्होंने Benny Andrews के साथ भी अध्ययन किया, जिन्होंने 1950 के दशक में School of the Art Institute of Chicago में Abstract Expressionist के रूप में प्रशिक्षण लिया था; Clinton Hill के साथ, जो Mark Rothko के स्टूडियो सहायक थे; कला समीक्षक और Artforum के Associate Editor Robert Pincus-Witten के साथ, जिनके बारे में वह कहती हैं कि उन्होंने “मेरी आलोचनात्मक दृष्टि को निखारा;” और Charles Cajori के साथ, जो Hans Hofmann के छात्र थे। Sirlin कहती हैं:

"[Lineage] वाकई एक जटिल प्रश्न है। कलाकारों के साथ संबंध भी कुछ ऐसे ही उलझे हुए हैं। जब मैं Yaddo में एक युवा कलाकार था, तब Anne Truitt मेरे लिए महत्वपूर्ण थीं। उस गर्मी [1983] में Melissa Meyer भी वहाँ थीं। Erin Lawlor लातविया के The Rothko Centre में मेरी स्टूडियो साथी थीं। Jose Heerkens उसी समय हमारे साथ The Rothko Centre में थीं [2016]। जब मैंने The Atlanta College of Art में पढ़ाया, तब Kara Walker एक छात्रा थीं और Kara तथा मैंने 1992 के उसी Atlanta Biennial में अपनी कृतियाँ प्रदर्शित की थीं। फिर अन्य कलाकार भी हैं—लेखक और नाटककार। Hayden Herrera [Frida Kahlo और Arshile Gorky की जीवनीकार] कला-लेखक के रूप में मेरी मार्गदर्शक थीं। Chris Kraus [I Love Dick] और मैं Yaddo में साथ थे...मैं नाटककार Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous] का घनिष्ठ मित्र था। वह Warhol के लिए पटकथा लेखक थे...आशा है कि इस अतिरिक्त उत्तर से मैंने आपके लिए बातें और अधिक उलझाई नहीं होंगी।"

Deanna Sirlin - Wonder, 2015। कैनवास पर मिश्रित माध्यम। 127 x 106.7 सेमी

Brenda Zappitell

“जब मैंने पहली बार चित्र बनाना शुरू किया, तो मुझ पर Picasso का सबसे अधिक प्रभाव था। मैं उनके रंगों और रेखांकन के प्रयोग, विशेष रूप से “Girl Before A Mirror” (1932), की ओर आकर्षित हुई। बाद में, जब मैंने Abstract Expressionist शैली में अधिक चित्र बनाना शुरू किया, तो Joan Mitchell और Willem De Kooning की ओर मेरा आकर्षण बढ़ा। हालाँकि, मैंने उनके काम को वास्तव में इस तरह चित्र बनाने के बाद देखना शुरू किया, पहले नहीं।”

Brenda Zappitell - At the moment, 2017। पैनल पर Flashe और ऐक्रेलिक, कोल्ड वैक्स के साथ। 127 x 127 सेमी

Daniel Göttin

Minus Space NY के लिए 2006 के एक साक्षात्कार में, चित्रकार Chris Ashley ने Göttin से पूछा कि एक कलाकार के रूप में वह कहाँ से शुरुआत करते हैं। Göttin ने उत्तर दिया:

कला इतिहास कभी-कभी यह दिखावा करता है कि कोई विशेष कला आंदोलन एक पूर्ण इकाई है। “कंक्रीट” शब्द का प्रयोग Konkrete Kunst की वैचारिक पृष्ठभूमि से आवश्यक रूप से मेल नहीं खाता, जो समाज और राजनीति से जुड़े विचारों पर भी आधारित थी। मेरी चिंता ऐसी इकाई को लेकर है जिसमें विरोधाभास भी शामिल हो सकते हैं - एक हाँ और एक ना, और यहाँ तक कि एक शायद भी। मेरा प्रारंभिक बिंदु एक ही समय में विभिन्न दृष्टिकोणों या स्थितियों का संश्लेषण है, जो मेरे लिए एक स्थानिक दृष्टिकोण है। यह स्पष्ट या सूक्ष्म, सममित या असममित, या दोनों एक साथ हो सकता है, विरोधाभास के साथ या उसके बिना। यह नियम और विचलन को एक साथ समाहित कर सकता है। मेरे बनाए कुछ शुरुआती काम Kurt Schwitters के काम (Merz) से संबंधित कोलाज थे - कार्डबोर्ड के एक टुकड़े पर मोटे तौर पर चिपकाई गई कोई भी मिली हुई सामग्री - भौतिक, प्रत्यक्ष, तात्कालिक, आकस्मिक, रंगीन, यहाँ तक कि दादावादी भी। बाद में, मेरी रुचि Minimal Art में हुई, जहाँ कलाकृति अक्सर सटीक रूप से योजनाबद्ध और स्पष्ट सामग्री-निर्धारण तथा बारीकियों पर ध्यान के साथ पूर्णतः और स्पष्ट रूप से निर्मित होती है। दोनों आंदोलन मेरे लिए महत्वपूर्ण हैं, और कभी-कभी मुझे लगता है कि मेरे काम में दोनों के अंश हैं, जो कला इतिहास की उन दो स्थितियों के बीच कहीं मेल खाते हैं।

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992। पावाटेक्स पर ऐक्रेलिक। 97 x 58.5 x 3 सेमी

Gary Paller

"अपने प्रभावों को समझना काफी कठिन है, कम से कम मेरे लिए, क्योंकि मैं मुख्यतः अंतर्ज्ञान से काम करता हूँ, चेतना से उतना नहीं। मुझे लगता है कि UCLA में कला छात्र के रूप में बिताए मेरे शुरुआती वर्ष (BA 74, MFA 77) मेरे व्यक्तित्व का एक बड़ा हिस्सा गढ़ने में महत्वपूर्ण रहे। उन दिनों UCLA काफी हद तक यूरोपीय/आधुनिकतावादी झुकाव वाला चित्रकला विद्यालय था। मेरी पहली चित्रकला कक्षा के लिए मेरा नाम Richard Diebenkorn की परिचयात्मक चित्रकला कक्षा में दर्ज किया गया था (मुझे बिल्कुल पता नहीं था कि वे कौन थे), लेकिन उनके और संकाय नेतृत्व के बीच कुछ मतभेद थे और कक्षा शुरू होने से पहले ही उनका पद समाप्त कर दिया गया। इसलिए मैंने एक नए यथार्थवादी Richard Joseph के साथ अध्ययन किया, जिन्होंने मेरी नींव मजबूत की। छह महीने बाद, Charles Garabedian के साथ एक अधिक उन्नत चित्रकला कक्षा में काम करते हुए, मैंने अमूर्तन के साथ प्रयोग करना शुरू किया। वर्षों के दौरान जिस प्रोफेसर का मुझ पर शायद सबसे अधिक प्रभाव पड़ा, वे William Brice थे। Bill बहुत स्पष्ट वक्ता, गरिमामय, उदार, विचारशील और मज़ेदार शिक्षक तथा मित्र थे। एक मेहनती और विपुल कलाकार के रूप में वे अक्सर स्टूडियो में समय बिताकर चीज़ों को पूरी तरह परखने की आवश्यकता के बारे में बात करते थे, और बाकी सब कम महत्वपूर्ण है। मैं उन्हें अक्सर याद करता हूँ और खुद को बहुत भाग्यशाली मानता हूँ कि मैं उन्हें लंबे समय तक जान सका। एक छात्र होने के विचार से और हर बार चित्र बनाते समय अपने पुराने प्रोफेसरों की आवाज़ें अपने दिमाग में सुनने से खुद को अलग करने में मुझे कई वर्ष लगे, लेकिन समय के साथ मुझे यह स्पष्ट समझ मिली कि मैं कौन हूँ और अपनी दृष्टि को पूरा करने वाला काम करना मेरी ज़िम्मेदारी है। मैं अक्सर अपने काम में अन्य कलाकारों के पहलू देखता हूँ; कभी-कभी लगता है कि उन्हीं विचारों के माध्यम से वास्तव में कोई संबंध है, और कभी-कभी ऐसा लगता है कि कोई भी समानता केवल सतही है। अंततः, प्रभावों के बारे में कला लेखक ही बात करें।"

Gary Paller - 9 (2015), 2015। कागज़ पर स्याही। 37.8 x 29 सेमी

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) 25 साल पहले मेरे प्रिंटमेकिंग शिक्षक थे। हमारी पहली मुलाकात तब हुई, जब मैं Provincetown के Fine Arts Work Center में ठहरी हुई थी, जहाँ Michael प्रिंटमेकिंग पर एक सप्ताह लंबी कार्यशाला आयोजित कर रहे थे। हमारे शुरुआती जुड़ाव के बारे में कई बातें उभरकर सामने आती हैं: Michael बेहद सहानुभूतिशील और सामाजिक रूप से जागरूक व्यक्ति थे, न केवल अपने चुने हुए विषयों में (मनोचिकित्सीय अस्पताल के पीड़ित रोगियों तथा चिड़ियाघर में पिंजरों के पीछे बंद जानवरों के रेखाचित्र और प्रिंट), बल्कि जीवन के बारे में हमारी आमने-सामने की बातचीत में भी। उन्होंने उदाहरण देकर मुझे उदार होना सिखाया, ताकि स्टूडियो के आत्म-केंद्रित वातावरण में संतुलन बना रहे। उनकी तकनीक या कला-करियर बनाने की कोशिश से जुड़ी ऐसी कोई बात नहीं थी, जिसे Michael साझा न करते। Michael ने 80 के दशक के उत्तरार्ध में चीन में समय बिताया था और एशियाई परिदृश्य के प्रति उनके प्रेम के माध्यम से मैंने अपने हाव-भाव को सरल बनाना और अभिव्यक्ति की मितव्ययिता के साथ चित्र बनाना सीखा, जो मेरे हृदय के बेहद करीब है। मैं उनके हास्यबोध को कभी नहीं भूलूँगी, जब वे मुझसे कहते थे, “Tracey, यह ungepatchke है!”, एक यिद्दिश शब्द जिसका अर्थ है बहुत अधिक भरा हुआ और सजावटी।"

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Rives पर गॉश, ग्रेफाइट और स्याही। 66 x 50.8 सेमी

Kyong Lee

Lee अपनी पहली प्रेरणा के रूप में Paul Cezanne की उस जलरंग कृति का उल्लेख करती हैं, जिसे उन्होंने 11 वर्ष की उम्र में देखा था और जिसने “एक अविस्मरणीय छाप” छोड़ी। वह आगे कहती हैं:

"मेरे प्रोफेसर, Klaus Stümpel, प्रकृति के इतने करीब थे कि उन्हें लगभग ‘किसान’ उपनाम दे दिया गया था। उन्होंने मुझे Frantisek Kupka का अध्ययन करने की सलाह दी। मैंने उनके अमूर्त बनने की प्रक्रिया तथा उनके ब्रह्मांडीय और रहस्यमय दृष्टिकोण का अध्ययन किया। सबसे बढ़कर, मैंने उनके जीवन-प्रेम और अपने विचारों को बनाए रखने की इच्छा के बारे में किसी भी अन्य बात से अधिक सीखा। जब मैं कोरिया लौटी, तो मैंने फिर से Kandinsky के बारे में सोचा। मुझे लगता है कि कला में वस्तुनिष्ठ, सार्वभौमिक सत्य खोजने की उनकी इच्छा एक असंभव चुनौती है। मुझे लगता है कि कला किसी भी अन्य चीज़ से अधिक व्यक्तिपरक और व्यक्तिगत है। जब मैं अपने सबसे गहरे आंतरिक पक्ष की तलाश करती हूँ, तो मैं दूसरों के भीतर से संवाद कर सकती हूँ। मुझे लगता है कि कला सूक्ष्मजगत (मनुष्य) और बृहद्‌जगत (दुनिया) को जोड़ने का माध्यम हो सकती है। विशेष रूप से, रंग मेरे शोध का विषय है। मैं रंग को एक विशेषण के रूप में खोज रही हूँ। मुझे Richter का काम के प्रति रवैया, चित्रकारी के प्रति उनका जुनून और प्रयोग की भावना पसंद है। शायद On Kawara? मुझे उनका काम पसंद है, जिसमें वे यह सिद्ध करना चाहते थे कि वे जीवित हैं, और मैं हर दिन काम करके स्वयं को यह सिद्ध करना चाहती हूँ कि मैं अभी भी भावनात्मक और संवेदनात्मक रूप से जीवित हूँ। Wassily Kandinsky और कई अन्य Minimalist कलाकारों के बारे में मेरे विचार सामान्य दृष्टिकोण से बहुत अलग हैं। मैं उनके कलात्मक दृष्टिकोण से सहमत नहीं हूँ।"

Kyong Lee - Picture with White, 2008. कैनवास पर ऐक्रेलिक, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman उन प्रभावों का उल्लेख करती हैं जिनमें कलाकार (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman और Andy Warhol), डिज़ाइनर (Saul Bass और Roy Kuhlman) और वास्तुकार (Le Corbusier) शामिल हैं। लेकिन वह उन व्यक्तिगत तरीकों के बारे में भी बताती हैं, जिनसे संस्कृति ने उनकी कला को प्रभावित किया है, जैसा कि निम्नलिखित प्रसंग में है:

"मेरे पिता का व्यवसाय साइनेज का था। अमेरिका के अधिकांश शहरी बच्चों की तरह मैं कार की पिछली सीट पर बड़ी हुई, बिलबोर्ड और नीयॉन के प्रति अत्यंत सजग। ध्यान आकर्षित करने वाली सीधी दृश्य उत्तेजना मेरे मनोविज्ञान का हिस्सा थी। हाल ही में मैं न्यूयॉर्क के MoMA गई थी और Barnett Newman की पेंटिंग “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroic and Sublime) (1950-51) ने मुझे फिर से प्रभावित किया। उसकी शक्ति, तात्कालिकता और सरलता के प्रति मेरी सहज प्रतिक्रिया अत्यंत प्रबल थी, जिसने मेरे अपने दृश्य अतीत और पहचान की फिर से पुष्टि की।"

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. हस्तनिर्मित खादी कागज़ पर गौश। 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"मेरे लिए वह Mondrian थे। उस समय के अमूर्त कलाकार अमूर्तता के साथ अधिक वैचारिक ढंग से काम कर रहे थे, यानी उन्हें इसका विचार पसंद था, जबकि Mondrian यांत्रिकी के माध्यम से उलटी दिशा में काम करते हुए दूसरी ओर से चित्र-समतल को नए रूप में गढ़कर निकले। उसके बाद से बहुत कम लोगों ने ऐसा किया है। फिर मैंने सोचा कि इस विचित्र क्षेत्र में प्रवेश करने के और भी तरीके होने चाहिए, जिस पर Mondrian की इतनी स्पष्ट पकड़ थी। [Ellsworth] Kelly और [Robert] Mangold ने इस ‘दूसरे’ क्षेत्र को व्यक्त करने के अन्य तरीके दिखाए। इन कलाकारों के अनुभव ने मुझे अपने समकालीनों के प्रयासों की सच्ची सराहना करने और अगले आवरण से आगे निकलने का प्रयास करने की गुंजाइश दी।"

Brent Hallard - Clouds, 2013. कागज़ पर ऐक्रेलिक। 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"मैंने Vija Celmins के काम को बहुत पसंद किया है और उसके बारे में अक्सर सोचा है। उनका गहन अवलोकन और शांत निष्पादन मेरे लिए बहुत प्रेरणादायक है। Louise Bourgeois ने अपने विचारों के लिए स्वयं को सर्वोत्तम माध्यम में व्यक्त करने के दृढ़ संकल्प से हमेशा मुझे प्रेरित किया है। एक अधिक स्पष्ट प्रेरणा Agnes Martin होंगी; मुझे उनका आत्मविश्वासी संयम पसंद है, और Mark Rothko इसलिए कि उनका काम जिस भावनात्मक प्रभाव को उत्पन्न कर सकता है, वह अद्भुत है।"

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. कागज़ पर धागा, स्याही और ग्रेफाइट। 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville ने द्वितीय विश्व युद्ध के दौर के उन जर्मन बंकरों का उल्लेख किया है, जो फ्रांस के अटलांटिक तट पर कतार में बने हुए हैं। वे कहते हैं, “अधिकांश लोग उन्हें बदसूरत घाव मानते हैं। मेरी नज़र में, उनका सार परिदृश्य का हिस्सा था; समय ने उन्हें रेत, टीलों और समुद्र के साथ, या सड़क कलाकारों द्वारा उन पर बनाए गए चित्रों के साथ मिला दिया था।” इसके अलावा, युवावस्था के इस अनुभव ने Auville को प्रभावित किया:

“छह या सात वर्ष की आयु में मुझे दक्षिण-पश्चिमी फ्रांस की Lascaux गुफा देखने का सौभाग्य मिला। यह मेरे लिए एक झटका था। मेरे माता-पिता स्मृति-चिह्न के रूप में कुछ प्रतिकृतियाँ खरीद लाए और मैंने हमारे घर के तहखाने में उन्हें घंटों देखते हुए यह सोचने में बिताया कि उन चित्रों और वास्तविक कलाकृति में क्या अंतर था। अंतर स्पष्ट था, लेकिन मैं उसकी वास्तविक प्रकृति समझने के लिए संघर्ष कर रहा था। मैंने रोशनी को बार-बार जलाया और बुझाया, चित्रों पर रेत चिपकाई और Lascaux के चित्रों की वास्तविकता को दोहराने की कोशिश की, लेकिन उनकी आत्मा तक कभी नहीं पहुँच सका, जैसा कि मैं उसे समझता था।”

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014। फोम पैनलों पर पिगमेंटयुक्त सीमेंट। पीछे संरचनात्मक और लटकाने वाला फ्रेम। 120 x 120 x 6 सेमी

Luuk de Haan

De Haan ने कलाकारों (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) से लेकर एल्बम डिज़ाइनरों (Hipgnosis, Peter Saville) और संगीतकारों (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno) तक के प्रभावों का उल्लेख किया है। वे कहते हैं:

यौवनारंभ से पहले के वर्षों में, नीदरलैंड में Piet Mondriaan की दृश्य भाषा पर बहुत ध्यान दिया जाता था। मैं कला के संदर्भ में सोचने के लिए बहुत छोटा था, लेकिन Mondriaan मेरे आसपास मौजूद थे और यह रोचक था। और अब भी है! कुछ समय बाद मैं Suprematists से परिचित हुआ, जिन्होंने मेरी तरह ज्यामितीय रूपों को शुरुआती बिंदु माना। मेरी बहनें मुझसे लगभग पाँच वर्ष बड़ी हैं, इसलिए किशोरावस्था के शुरुआती वर्षों में मैंने उनके बॉयफ्रेंड्स के माध्यम से ‘प्रगतिशील’ संगीत और उससे जुड़े कवर डिज़ाइन की खोज की। स्वाभाविक रूप से, मैं कवर आर्ट डिज़ाइनर बनना चाहता था। अगर मुझे ऐसा एक दृश्य कलाकार चुनना हो जिसने चीज़ों को देखने का मेरा तरीका बदल दिया, तो वह Ellsworth Kelly होंगे। 80 के दशक के मध्य में एम्स्टर्डम के Stedelijk Museum ने “Blue Curve VI” (1982) खरीदी। मैं उसे देखने और उसकी दृश्य भाषा का अध्ययन करने के लिए नियमित रूप से वहाँ जाता था। लेकिन अब, शायद इससे भी अधिक महत्वपूर्ण रूप से, कला के प्रति मेरी अपनी प्रतिक्रिया भी मेरा मार्गदर्शन करती है...मैंने कला के बारे में सोचना शुरू किया...उसका उद्देश्य, उसका अर्थ, ओह, मेरे भगवान।

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Hahnemühle कागज़ पर Ultrachrome HD स्याही। 29.7 x 21 सेमी

Brenda Biondo

"Josef Albers की शिक्षाएँ प्रभावित करती हैं कि मैं रंगों को अलग-अलग संदर्भों में रखने के बारे में कैसे सोचती हूँ। और James Turrell के skyspaces ने इस बात को प्रभावित किया कि मैं वायुमंडलीय रंगों को अलग-अलग संदर्भों में रखने के बारे में कैसे सोचती हूँ। सामान्य रूप से, मेरी Paper Skies और Moving Pictures श्रृंखलाओं की समग्र सौंदर्य-दृष्टि Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella आदि जैसे आधुनिक अमेरिकी चित्रकारों से गहराई से प्रभावित है।"

Brenda Biondo - Paper Sky no. 21 (Large), 2015. एल्युमिनियम पर डाई सब्लिमेशन प्रिंट (मैट/लस्टर फिनिश)। 83.8 x 96.5 सेमी

Pierre Muckensturm

"20 वर्ष से अधिक पहले मैंने वास्तुकार Charles Edouard Jeanneret, जिन्हें Le Corbusier के नाम से जाना जाता है, की बाद की कृतियों में से एक, Ronchamp के चैपल की खोज की। न तो उससे पहले और न ही उसके बाद मुझे कभी भारीपन और उत्थान के बीच संभावनाओं के संतुलन की ऐसी अनुभूति हुई। तभी मेरे लिए यह लंबी खोज शुरू हुई, जो आज भी मुझे पोषित करती है और जिसका उद्देश्य ठोस और रिक्त के बीच सबसे उपयुक्त संबंध के निकट पहुँचना है।"

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. तांबे पर कार्बोरंडम और ड्राईपॉइंट। 250 G bfk rives कागज़ पर मुद्रण। 56 x 56 सेमी

Jessica Snow

"मैं उस कलाकार के बारे में बात करना चाहती हूँ जिसने दशकों से, किसी भी अन्य कलाकार से अधिक, मुझे प्रेरित किया है: Matisse, ऐसे कलाकार जिनका जीवन भर अध्ययन किया जा सकता है। पेंटिंग के साथ अपने प्रयोग और नई संभावनाओं की खोज के कारण उनके काम ने इतने सारे रास्ते अपनाए। वे सुंदर, उत्साहवर्धक और जटिल हैं; कभी मनोहर और शांत, तो कभी कठिन और चुनौतीपूर्ण—ठीक वैसे ही जैसे जीवन होता है।"

Jessica Snow - Fling 1, 2015. कागज़ पर जलरंग। 31.8 x 31.8 सेमी

Susan Cantrick

अपनी प्रेरणाओं की सूची देने के बजाय, Cantrick उन कलाकारों का उल्लेख करती हैं जिनका काम उन्हें सबसे अधिक रुचिकर लगता है, चाहे उनके अपने काम से कोई सीधा संबंध हो या न हो। आधुनिक और समकालीन कला के लिए उनकी संक्षिप्त सूची:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé और Per Kirkeby। यह एक विविध और अपूर्ण सूची है, लेकिन इनमें जो समान है वह स्पष्टता, जटिलता और जीवंतता है—जो मेरी अपनी मुख्य चिंताएँ हैं—और ये प्रबल रंग व संरचना, विशिष्ट रूपों तथा उथले चित्रात्मक स्थान के माध्यम से व्यक्त होती हैं। पूर्व-आधुनिक कला के लिए Vermeer, Degas और Manet मेरी सूची में सबसे ऊपर हैं, फिर से उन्हीं तीन गुणों के कारण: स्पष्टता, जटिलता और जीवंतता। इसके अतिरिक्त: Vermeer की ठोस प्रस्तुति में तनावपूर्ण दृढ़ता एक अविश्वसनीय रूप से स्पर्शनीय स्थिरता—समय के निलंबन—को व्यक्त करती है। Degas द्वारा अपने स्थान को "मौन", निर्जीव क्षेत्रों और/या एक प्रबल ऊर्ध्वाधर तत्व से विरामित करने का विशिष्ट तरीका लंबे समय तक लयात्मक अवलोकन को बढ़ावा देता है। और Manet में एक तात्कालिकता और ताज़गी है जो, उसकी बाकी सारी महारत से अलग, अपने सर्वोत्तम रूप में मंत्रमुग्ध कर देती है।"

Susan Cantrick -sbc 141, 2012। लिनन पर ऐक्रेलिक। 100 x 100 सेमी

Anne Russinof

"मेरे मामले में, मैं किसी एक कलाकार से विशेष रूप से प्रभावित नहीं थी, बल्कि उस कलात्मक समुदाय से प्रभावित थी जिसमें मैं शिकागो में बड़ी हुई। मेरे पड़ोस, जिसे Lincoln Park क्षेत्र या Old Town कहा जाता था, में चारों ओर कलाकार थे, और जब किशोरावस्था से पहले मुझे चित्रांकन में रुचि हुई, तो मुझे आकृति-चित्रण के लिए अद्भुत Art Institute of Chicago से संबद्ध स्कूल जाने के लिए प्रोत्साहित किया गया। वहाँ स्कूल में प्रवेश करने के लिए मुझे अपनी प्रसिद्ध प्रभाववादी संग्रह वाली संग्रहालय-दीर्घा से होकर सीधे गुजरना पड़ता था। मुझे लगता है कि इसी ने मूल रूप से रेखा, हाव-भाव और रंग में मेरी रुचि को आकार दिया।"

Anne Russinof - देखो, 2014। कैनवास पर ऑयल। 76 x 76 सेमी

Macyn Bolt

"मेरी कलात्मक परंपरा उन कलाकारों में मिलती है जो चित्र/वस्तु निर्माण के लिए एक "अपचयी" दृष्टिकोण को सतह और सूक्ष्म विवरण पर ध्यान के साथ जोड़ते हैं। Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros और Sol Lewitt का ध्यान आता है। इसके अतिरिक्त, Richard Serra, Carl Andre और Fred Sandback का मूर्तिकला-कर्म, त्रि-आयामी अंतरिक्ष के अपने विशिष्ट उपयोग के साथ, चित्रकला के प्रति मेरे दृष्टिकोण को प्रेरित करता रहता है।"

Macyn Bolt- शैडो बॉक्सर (B.2), 2015। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 122 x 96.9 सेमी

स्रोत

• पार्थिव सुखों का उद्यान त्रिपिटक, म्यूज़ियो नैशनल डेल प्राडो: त्रिपिटक के स्वर्ग, पार्थिव सुखों और नरक वाले पैनलों के वर्णन का समर्थन करता है।